Die Inkas Spuren hinterlassen bemerkenswerter ihrer Präsenz in allen Bereichen, in denen verbreiten. Bleiben überall viele Konstruktionen, Adobes an der Küste und in Stein auf der Hochebene, die immer Merkmale trapezförmigen Öffnungen haben. In der Gegend von Cuzco ist gebaut, mit großen Steinblöcken polygonalen (Bastionen, Stützmauern) oder mit Steinblöcken rechteckig (Gebäude). Die Architektur von Inca in allen seinen Maulwurf und Schönheit nach Machu Picchu, die wiedergefundene Stadt 1911 von Hiram Bingham sichtbar ist. Die keramische Inca glänzend polychrome und produziert Vasen und andere Behältnisse in exzellenter Verarbeitung. Im Hinblick auf die Metallverarbeitung, die wichtigste Neuerung war die Verbreitung der Verwendung von Bronze im ganzen Reich, aber die schönsten Objekte (Figuren, Ornamente, Schmuck verschiedene) sind in Gold und Silber; die Produktion war sehr groß zu sein und unschätzbaren Wert (man denke an den berühmten Garten an der Tempel der Sonne von Cuzco, mit Reproduktionen in Gold mit Figuren von Göttlichkeit, von Tieren und Pflanzen), sondern wurde weitgehend von der Spanischen zerstört. Werke spürbar wurden von den Handwerkern der Hof hat nicht nur im Bereich Schmuck und Keramik, aber auch in der Weberei und glyptic.
Definition
Sm. Spanisch (Anpassung der Arabischen mudeggian, s. von dagian, bleiben) in englischer Sprache als Sm verwendet. Und Hinzufügen (pl. MUDÉJARES). Name der Moslems von Spanien blieb treu zum Islam in die Gebiete zurückerobert von Christen; insbesondere: Mudejar Stil, der künstlerischen Produktion aufgrund der Muslime, die nach der Reconquista, weiter nach christlichen Grundsätzen zu arbeiten, verewigen die maurische Tradition.
Kunst
Die mudejar Stil, die oft convisse und mit anderen gemischt (es spricht von der romanisch-gotische mudejar Mudejar -, usw.) in der vielgestaltigen Rahmen der spanischen Architektur, in unterschiedlichen Zentren und Zeiten blühte: in Toledo im XII Jahrhundert, Valladolid, Guadalajara, Sevilla, Teruel und Zaragoza, Cordova in späteren, bis zu dem 16. Jahrhundert. In der Architektur der repräsentativsten Beispiele sind aus der Kirche S. Maria la Blanca (1405) in Toledo, von der Alcar (1364-78) und von der Casa de Pilatos (1492-1533) in Sevilla, sowie aus der spätgotischen tiburium der Kathedrale von Burgos (1568). Aber es ist vor allem im Bereich der dekorativen Künste, die Mudejar hatte eine außerordentliche Blüte; seine Zeichen sind jedoch sicherlich eine direkte Fortsetzung jener Moreschi, deren Tradition, obwohl mit Einsätzen der Gotik und der Renaissance, ist in einigen Sektoren bis jetzt durch die beliebte Produktion erhalten. Die Dekoration der Kapelle von S. Fernando in der Moschee von Cordoba (1258) und der Alcázar in Sevilla sind Zeugen der Mehr auffällige dieses Phänomen, dass, zumindest zunächst, seine künstlerischen Hauptstadt in Toledo. Die Gründe moreschi (Stalaktiten, Arabesken, Inschriften cufiche, Rauten) Sie oft vermischen sich mit der naturalistischen Pflanzen und Tiere der gotischen Stil. Sehr weit verbreitet war, die Holzschnitzerei die Pfosten, Regale, Stände, etc. zu schmücken, kombiniert mit Vergoldung und Farben, sowie die Verwendung von Keramik für die Wände, Hufe und Böden (typisch für Andalusien ein keramisches Mosaik sagte alicatado). Die Fabriken von Valencia warf die Mode der Azulejo, Blau auf weißem Hintergrund, während diejenigen von Manises und Malaga wurde Spezialisten in der Produktion von keramischen alustro. Waren beträchtlich und schließlich der Produktion von Waffen, die schmiedeeisernen, Leder, Stoffe, Stickereien und Teppichen; letztere ein wichtiges Zentrum der Produktion wurde Alcaráz (bis zum 17. Jh.).
Physiologie
Die Salzsäure hat erhebliche physiologische Bedeutung als Bestandteil des Magensaftes. Es wird von den Parietalzellen des Magens Drüsen in Konzentrationen, die in der Größenordnung von 170 mEq/Liter abgesondert wird, entsprechend 0,3-0,5%. In der Praxis sind diese Werte unterscheiden sich erheblich in Bezug auf die Intensität und die Art der Reize, die die Schleimhaut erreichen, die Rate der Magenentleerung, den Charakter der Diät, angesichts der Tendenz der Salzsäure mit dem alkalischen Radikale von Lebensmitteln zu reagieren. Auf der anderen Seite gibt es im Magen ein wesentlicher Mechanismus für die Anpassung, die die Sekretion von Salzsäure bei den Säuregehalt des Magensaftes die Grenzwerte überschreitet. Die Cl-Ionen? In den Magen von Schleimhaut Zellen mit einem aktiven Mechanismus gegen den Konzentrationsgradienten freigegeben. H+-Ionen sind ihrerseits durch die Dissoziation der Kohlensäure geliefert
Das ist in großen Mengen in die belegzellen aus der Reaktion von Kohlendioxid (CO2) und Wasser (H2O) katalysiert durch das Enzym Carboanhydrase gebildet. Loione HCO? 3 zurück in das Blut durch die Kombination mit dem Natrium zirkuliert. Die Säure im Magen Salzsäure hat mehrere Funktionen: verwandelt die pepsinogeno in pepsin, deshalb verleiht der Magen hat einen stark sauren pH-Wert (1-2) Geeignet für Verdauungs- Verdauung von Proteinen, und insbesondere für die Hydrolyse von Kollagen, stimuliert die Bauchspeicheldrüse Sekretion, mildert den Rohstoff Cellulose, befreit die dreiwertigem Eisen aus organischen Verbindungen Essen, so dass die Absorption. Von großer Bedeutung ist schließlich die antiseptischen Maßnahmen der Salzsäure auf die Mikroorganismen, die pathogen sind und nicht ausgeübt - Pathogene, die in großer Zahl den Magen erreichen.
Toxikologie
Gasförmiger Salzsäure ist sehr giftig für die Atemwege und verursacht Reizungen der Schleimhaut der Bronchien und Lungenödem. In konzentrierten wässrigen Lösung ist ätzend. Es sollte darauf hingewiesen werden, dass die kommerziellen Salzsäure giftiger ist als reine, weil von Arsen und viele andere Verunreinigungen in ihm enthaltene (siehe hypochlorhydria und ipercloridria).
Salpetersäure: Allgemeine Informationen
Die chemische Verbindung der Formel HNO3. Der Name leitet sich von der Nitro oder Salpeter die Benennung der Kaliumnitrat, von dem, durch die Maßnahmen der Schwefelsäure, wurde von den Alchemisten, die mit den Namen der Radierung angegeben. Die reine Salpetersäure wasserfrei und ist eine farblose Flüssigkeit, die dem Licht ausgesetzt wird, ist in Gelb für langsame Zersetzung in Wasser, Sauerstoff und Stickstoff Kohlendioxid gefärbt; dieser bleibt in der Säure aufgelöst, so dass es eine gelbe Farbe mehr oder weniger belastet wird. Die Salpetersäure ist mischbar mit Wasser in allen Berichten und bildet mit ihm ein azeotrop, enthält die 68,5% Salpetersäure hat eine Dichte von 1,42 und stellt einen gemeinsamen Salpetersäure, die auf dem Markt befindet. In wässriger Lösung die Salpetersäure verhält sich wie eine Säure fortissimo: in einem 0,1-M-Lösung ist in der Tat für 93 % dissoziiert. Die salpetersäure der Konzentration der Medien oder Konzentrat ist ein starkes Oxidationsmittel und legt schnell den Metallen, wie Gold, Platin und Iridium. Für bestimmte Metalle wie Aluminium, Eisen und Nickel Ätzen mit Salpetersäure sehr konzentriert verursacht die Bildung von einer Schutzfolie von Oxid, die verhindert, dass weitere Oxidation; verwendet mehr verdünnten nicht verliert seine Aktion. Auch nicht-metallische Elemente, wie z.b. Schwefel und Phosphor, reagieren mit konzentrierter Salpetersäure ist in den entsprechenden oxyacids verwandelt. Die Proteine, die in Kontakt mit dem konzentrierter Salpetersäure übernehmen eine Lebhafte gelbe Färbung (xantoproteica Reaktion), weil die darin enthaltenen Tyrosin in nitroderivatives genau in gelber Farbe umgewandelt wird.
Salpetersäure: Vorbereitung Methoden
Die Salpetersäure wurde bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts mit einer Methode im Jahre 1776 entwickelte vorbereitet, angefangen von natürlichem Natriumnitrat (Salpeter aus Chile). Die erste gewerbliche versucht, die atmosphärischen Stickstoff direkt in Salpetersäure zu transformieren und Nitrate Datum zurück zu Beginn des XX Jahrhunderts, mit der Anwendung der Methode Birkeland-Eyde, sagte auch, die Arc. Die Temperaturen der Photovoltaik arc der Stickstoff und Sauerstoff in der Luft zwischen ihnen kombiniert Bildung von Stickstoffmonoxid keine, die nach stark bis auf Raumtemperatur gekühlt oder etwas höher die Dissoziation zu verhindern, dann wird durch Luftsauerstoff mit Chlordioxid oder Stickstoffdioxid NO2 oxidiert. Die letztere, die in Kontakt mit Wasser, reagiert durch die Erzeugung von Salpetersäure und salpetrige Säure; die salpetrige Säure zersetzt sich sofort andere salpetersäure geben und Freigabe von Stickoxiden. Der Prozess ist in der Regel durch die Gleichung dargestellt:
Die Stickoxide so befreit wird mit Chlordioxid, der mit Wasser reagiert und so weiter, bis die vollständige Umwandlung der Stickoxide in Salpetersäure oxidiert. Die Methode Birkeland-Eyde einen sehr hohen Verbrauch von elektrischer Energie und damit notwendig, nachdem in Ländern, die eine große Verfügbarkeit von Energie aus Wasserkraftwerken zu niedrigen Kosten wie Norwegen hatte, es wurde zugunsten von Methoden zur Oxidation von Ammoniak aufgegeben. Die Methode durch den Ammoniak, realisiert im industriellen Maßstab in Deutschland von Ostwald, 1901, war es dann in der ganzen Welt verteilt und ist die einzige heute industriell angewendet. Besteht aus drei Phasen: Oxidation von Ammoniak, Lachgas mit Renditen von 95-98%
Werke
Die Idee, ein Gedicht auf dem Kreuzzug balenata war in den Köpfen der jungen Dichter seit 1559, bei seinem ersten Aufenthalt in Venedig, die von der Bedrohung der türkischen Überfälle entlang der Küsten des christlichen Europa unterstrichen, sondern auch aus der historischen Werte auf die Taten der Kreuzfahrer und aus dem persistenten Speicher von einem Besuch in der Kindheit zum Grab von Papst Urban II. an das Kloster von Cava dei Tirreni: So waren die 110 Oktaven des Gierusalemme, durch ein Gefühl der großen Symphonie durchdrungen, aber stilistisch boorish geboren. Die übermäßige Schwierigkeiten des historischen Epos, Rate unterbrochen Die Gierusalemme, in einer angenehmen Erfüllung in der Welt der Romantik der Ritter zu frönen, während das Streben, die eifrige über die Anwendung der Theorien der Giraldi Cinzio auf Ritterlichen Gedicht, dessen Einheit hatte durch die Anwesenheit eines einzelnen Protagonisten gewährleistet sein: So sah das Licht, in einer sehr kurzen Zeit, die Rinaldo, Gedicht in 12 Songs, in Oktaven, wo Sie den Unternehmen der Paladin kop Singen, entflammt von der Sehnsucht nach Ruhm und aus der Liebe zu Clarice. In der Arbeit sind bereits einige grundlegende Themen tassiani: Das szenografische Geschmack in der Episoden guerreschi, der Wechsel der Landschaften jetzt charmant und hell jetzt cupi und Finsternis, die Sense-trägen und morbide der Liebe, die Mesta Elegie des Todes. Die Rundfahrt heroische Fantasy Tasso wurde unterbrochen, um 1573 und der Priorität der Umgehung in Richtung einer Welt, die nur durch die instinktive Gefühl der Liebe durchdrungen: So wurde das Aminta, eine pastorale Märchen in einer unberührten Atmosphäre und mythischen, die in vollem Umfang den Hedonismus der Renaissance drückt entfernt geboren. Die Tragödie ist durch einen intensiven Wunsch nach Eintauchen in das Leben der Felder, die bis zu den anarchischen Erhöhung der Trunkenheit liebevolle geht durchdrungen, in der Kontroverse mit die Hemmungen, die Heuchelei des moralischen Gesetzes. Im Gegensatz zu den irrationalen und anarchisch, die zu dieser Arbeit gehört (definiert durch Carducci ein "Zeichen") statt der kritischen Reflexion, der in einer breiten Reihe von Schriften gedehnt wird, Jugend reden Der poetische Kunst, in drei Büchern, zu reifen Discorsi del poema Sinbad, in sechs Bücher, Allegorie der "Gerusalemme Liberata" auf die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", von den Überlegungen über drei Songs von G. B. Pigna zu Lektion über ein sonett von Bischof des Hauses: Diese und andere kleinere Schriften bilden zusammen eine Synthese aus Ästhetik im Zeitalter der Gegenreformation, das Prinzip der Rechtsstaatlichkeit, Grund, auf die Leidenschaft gegründet. Beachten Sie, dass das Alter, charmante und würdevollem dei Cavalieri für immer gegangen ist, steht im Gegensatz zu der Vielzahl der freien ariostesche Abenteuer der Einheit des künstlerischen Konzeption, in der Sie wählen müssen, wie in eine solide und robuste Architektur, die Vielzahl der Neigungen und narrative Bewegung. Andere Bedingungen sind die geschichtlichkeit der epischen Erzählung, die auf dem Grundsatz der Aristotelischen der Kunst gegründet als Imitation des Wahren, Austausch der alten klassischen Mythologie mit dem wunderbaren christlichen, das Streben zu einer erhabenen Literatur, dominiert von der Notwendigkeit der Einrichtung und eine große und herrliche "sprechen". Über die Wurzeln dieses komplexen poetische blüht die Gerusalemme Liberata, wo konvergieren in einer ursprünglichen Braid, heroischen Gründen und aus Gründen lyrisch, im Rahmen eines "Spirituellen bifrontismo" ständig über ein Doppel stilistische Register: von sinnlichen Ton und morbide Somit bewegt sich der Ton der energisch und aktiv, während zu Landschaften impietriti in einer Wüste Elend übernehmen strahlenden Himmel und gelassen. Die "heroische" und die "pathetisch" sind genau die beiden Register der tassiano Meisterwerk, personificati bzw. in Rinaldo und Tancredi: In der ersten, Symbol der Wunsch nach Ruhm, Rate der heroischen Menschenbild der Renaissance geerbt erhebt, während in der zweiten Ausdruck der unglücklichen Liebe wirft die Ängste und die tötung Ihrer "melancholische Stimmung". In Gerusalemme conquistata, Geweiteten, auf das Modell der Ilias in der 24 Songs ist klar die Absicht, die Romanze Aspekte der Arbeit zum Vorteil der romanzen der religiösen ANFRAGE VON Kunst
Die Inkas Spuren hinterlassen bemerkenswerter ihrer Präsenz in allen Bereichen, in denen verbreiten. Bleiben überall viele Konstruktionen, Adobes an der Küste und in Stein auf der Hochebene, die immer Merkmale trapezförmigen Öffnungen haben. In der Gegend von Cuzco ist gebaut, mit großen Steinblöcken polygonalen (Bastionen, Stützmauern) oder mit Steinblöcken rechteckig (Gebäude). Die Architektur von Inca in allen seinen Maulwurf und Schönheit nach Machu Picchu, die wiedergefundene Stadt 1911 von Hiram Bingham sichtbar ist. Die keramische Inca glänzend polychrome und produziert Vasen und andere Behältnisse in exzellenter Verarbeitung. Im Hinblick auf die Metallverarbeitung, die wichtigste Neuerung war die Verbreitung der Verwendung von Bronze im ganzen Reich, aber die schönsten Objekte (Figuren, Ornamente, Schmuck verschiedene) sind in Gold und Silber; die Produktion war sehr groß zu sein und unschätzbaren Wert (man denke an den berühmten Garten an der Tempel der Sonne von Cuzco, mit Reproduktionen in Gold mit Figuren von Göttlichkeit, von Tieren und Pflanzen), sondern wurde weitgehend von der Spanischen zerstört. Werke spürbar wurden von den Handwerkern der Hof hat nicht nur im Bereich Schmuck und Keramik, aber auch in der Weberei und glyptic.
Definition
Sm. Spanisch (Anpassung der Arabischen mudeggian, s. von dagian, bleiben) in englischer Sprache als Sm verwendet. Und Hinzufügen (pl. MUDÉJARES). Name der Moslems von Spanien blieb treu zum Islam in die Gebiete zurückerobert von Christen; insbesondere: Mudejar Stil, der künstlerischen Produktion aufgrund der Muslime, die nach der Reconquista, weiter nach christlichen Grundsätzen zu arbeiten, verewigen die maurische Tradition.
Kunst
Die mudejar Stil, die oft convisse und mit anderen gemischt (es spricht von der romanisch-gotische mudejar Mudejar -, usw.) in der vielgestaltigen Rahmen der spanischen Architektur, in unterschiedlichen Zentren und Zeiten blühte: in Toledo im XII Jahrhundert, Valladolid, Guadalajara, Sevilla, Teruel und Zaragoza, Cordova in späteren, bis zu dem 16. Jahrhundert. In der Architektur der repräsentativsten Beispiele sind aus der Kirche S. Maria la Blanca (1405) in Toledo, von der Alcar (1364-78) und von der Casa de Pilatos (1492-1533) in Sevilla, sowie aus der spätgotischen tiburium der Kathedrale von Burgos (1568). Aber es ist vor allem im Bereich der dekorativen Künste, die Mudejar hatte eine außerordentliche Blüte; seine Zeichen sind jedoch sicherlich eine direkte Fortsetzung jener Moreschi, deren Tradition, obwohl mit Einsätzen der Gotik und der Renaissance, ist in einigen Sektoren bis jetzt durch die beliebte Produktion erhalten. Die Dekoration der Kapelle von S. Fernando in der Moschee von Cordoba (1258) und der Alcázar in Sevilla sind Zeugen der Mehr auffällige dieses Phänomen, dass, zumindest zunächst, seine künstlerischen Hauptstadt in Toledo. Die Gründe moreschi (Stalaktiten, Arabesken, Inschriften cufiche, Rauten) Sie oft vermischen sich mit der naturalistischen Pflanzen und Tiere der gotischen Stil. Sehr weit verbreitet war, die Holzschnitzerei die Pfosten, Regale, Stände, etc. zu schmücken, kombiniert mit Vergoldung und Farben, sowie die Verwendung von Keramik für die Wände, Hufe und Böden (typisch für Andalusien ein keramisches Mosaik sagte alicatado). Die Fabriken von Valencia warf die Mode der Azulejo, Blau auf weißem Hintergrund, während diejenigen von Manises und Malaga wurde Spezialisten in der Produktion von keramischen alustro. Waren beträchtlich und schließlich der Produktion von Waffen, die schmiedeeisernen, Leder, Stoffe, Stickereien und Teppichen; letztere ein wichtiges Zentrum der Produktion wurde Alcaráz (bis zum 17. Jh.).
Physiologie
Die Salzsäure hat erhebliche physiologische Bedeutung als Bestandteil des Magensaftes. Es wird von den Parietalzellen des Magens Drüsen in Konzentrationen, die in der Größenordnung von 170 mEq/Liter abgesondert wird, entsprechend 0,3-0,5%. In der Praxis sind diese Werte unterscheiden sich erheblich in Bezug auf die Intensität und die Art der Reize, die die Schleimhaut erreichen, die Rate der Magenentleerung, den Charakter der Diät, angesichts der Tendenz der Salzsäure mit dem alkalischen Radikale von Lebensmitteln zu reagieren. Auf der anderen Seite gibt es im Magen ein wesentlicher Mechanismus für die Anpassung, die die Sekretion von Salzsäure bei den Säuregehalt des Magensaftes die Grenzwerte überschreitet. Die Cl-Ionen? In den Magen von Schleimhaut Zellen mit einem aktiven Mechanismus gegen den Konzentrationsgradienten freigegeben. H+-Ionen sind ihrerseits durch die Dissoziation der Kohlensäure geliefert
Das ist in großen Mengen in die belegzellen aus der Reaktion von Kohlendioxid (CO2) und Wasser (H2O) katalysiert durch das Enzym Carboanhydrase gebildet. Loione HCO? 3 zurück in das Blut durch die Kombination mit dem Natrium zirkuliert. Die Säure im Magen Salzsäure hat mehrere Funktionen: verwandelt die pepsinogeno in pepsin, deshalb verleiht der Magen hat einen stark sauren pH-Wert (1-2) Geeignet für Verdauungs- Verdauung von Proteinen, und insbesondere für die Hydrolyse von Kollagen, stimuliert die Bauchspeicheldrüse Sekretion, mildert den Rohstoff Cellulose, befreit die dreiwertigem Eisen aus organischen Verbindungen Essen, so dass die Absorption. Von großer Bedeutung ist schließlich die antiseptischen Maßnahmen der Salzsäure auf die Mikroorganismen, die pathogen sind und nicht ausgeübt - Pathogene, die in großer Zahl den Magen erreichen.
Toxikologie
Gasförmiger Salzsäure ist sehr giftig für die Atemwege und verursacht Reizungen der Schleimhaut der Bronchien und Lungenödem. In konzentrierten wässrigen Lösung ist ätzend. Es sollte darauf hingewiesen werden, dass die kommerziellen Salzsäure giftiger ist als reine, weil von Arsen und viele andere Verunreinigungen in ihm enthaltene (siehe hypochlorhydria und ipercloridria).
Salpetersäure: Allgemeine Informationen
Die chemische Verbindung der Formel HNO3. Der Name leitet sich von der Nitro oder Salpeter die Benennung der Kaliumnitrat, von dem, durch die Maßnahmen der Schwefelsäure, wurde von den Alchemisten, die mit den Namen der Radierung angegeben. Die reine Salpetersäure wasserfrei und ist eine farblose Flüssigkeit, die dem Licht ausgesetzt wird, ist in Gelb für langsame Zersetzung in Wasser, Sauerstoff und Stickstoff Kohlendioxid gefärbt; dieser bleibt in der Säure aufgelöst, so dass es eine gelbe Farbe mehr oder weniger belastet wird. Die Salpetersäure ist mischbar mit Wasser in allen Berichten und bildet mit ihm ein azeotrop, enthält die 68,5% Salpetersäure hat eine Dichte von 1,42 und stellt einen gemeinsamen Salpetersäure, die auf dem Markt befindet. In wässriger Lösung die Salpetersäure verhält sich wie eine Säure fortissimo: in einem 0,1-M-Lösung ist in der Tat für 93 % dissoziiert. Die salpetersäure der Konzentration der Medien oder Konzentrat ist ein starkes Oxidationsmittel und legt schnell den Metallen, wie Gold, Platin und Iridium. Für bestimmte Metalle wie Aluminium, Eisen und Nickel Ätzen mit Salpetersäure sehr konzentriert verursacht die Bildung von einer Schutzfolie von Oxid, die verhindert, dass weitere Oxidation; verwendet mehr verdünnten nicht verliert seine Aktion. Auch nicht-metallische Elemente, wie z.b. Schwefel und Phosphor, reagieren mit konzentrierter Salpetersäure ist in den entsprechenden oxyacids verwandelt. Die Proteine, die in Kontakt mit dem konzentrierter Salpetersäure übernehmen eine Lebhafte gelbe Färbung (xantoproteica Reaktion), weil die darin enthaltenen Tyrosin in nitroderivatives genau in gelber Farbe umgewandelt wird.
Salpetersäure: Vorbereitung Methoden
Die Salpetersäure wurde bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts mit einer Methode im Jahre 1776 entwickelte vorbereitet, angefangen von natürlichem Natriumnitrat (Salpeter aus Chile). Die erste gewerbliche versucht, die atmosphärischen Stickstoff direkt in Salpetersäure zu transformieren und Nitrate Datum zurück zu Beginn des XX Jahrhunderts, mit der Anwendung der Methode Birkeland-Eyde, sagte auch, die Arc. Die Temperaturen der Photovoltaik arc der Stickstoff und Sauerstoff in der Luft zwischen ihnen kombiniert Bildung von Stickstoffmonoxid keine, die nach stark bis auf Raumtemperatur gekühlt oder etwas höher die Dissoziation zu verhindern, dann wird durch Luftsauerstoff mit Chlordioxid oder Stickstoffdioxid NO2 oxidiert. Die letztere, die in Kontakt mit Wasser, reagiert durch die Erzeugung von Salpetersäure und salpetrige Säure; die salpetrige Säure zersetzt sich sofort andere salpetersäure geben und Freigabe von Stickoxiden. Der Prozess ist in der Regel durch die Gleichung dargestellt:
Die Stickoxide so befreit wird mit Chlordioxid, der mit Wasser reagiert und so weiter, bis die vollständige Umwandlung der Stickoxide in Salpetersäure oxidiert. Die Methode Birkeland-Eyde einen sehr hohen Verbrauch von elektrischer Energie und damit notwendig, nachdem in Ländern, die eine große Verfügbarkeit von Energie aus Wasserkraftwerken zu niedrigen Kosten wie Norwegen hatte, es wurde zugunsten von Methoden zur Oxidation von Ammoniak aufgegeben. Die Methode durch den Ammoniak, realisiert im industriellen Maßstab in Deutschland von Ostwald, 1901, war es dann in der ganzen Welt verteilt und ist die einzige heute industriell angewendet. Besteht aus drei Phasen: Oxidation von Ammoniak, Lachgas mit Renditen von 95-98%
Werke
Die Idee, ein Gedicht auf dem Kreuzzug balenata war in den Köpfen der jungen Dichter seit 1559, bei seinem ersten Aufenthalt in Venedig, die von der Bedrohung der türkischen Überfälle entlang der Küsten des christlichen Europa unterstrichen, sondern auch aus der historischen Werte auf die Taten der Kreuzfahrer und aus dem persistenten Speicher von einem Besuch in der Kindheit zum Grab von Papst Urban II. an das Kloster von Cava dei Tirreni: So waren die 110 Oktaven des Gierusalemme, durch ein Gefühl der großen Symphonie durchdrungen, aber stilistisch boorish geboren. Die übermäßige Schwierigkeiten des historischen Epos, Rate unterbrochen Die Gierusalemme, in einer angenehmen Erfüllung in der Welt der Romantik der Ritter zu frönen, während das Streben, die eifrige über die Anwendung der Theorien der Giraldi Cinzio auf Ritterlichen Gedicht, dessen Einheit hatte durch die Anwesenheit eines einzelnen Protagonisten gewährleistet sein: So sah das Licht, in einer sehr kurzen Zeit, die Rinaldo, Gedicht in 12 Songs, in Oktaven, wo Sie den Unternehmen der Paladin kop Singen, entflammt von der Sehnsucht nach Ruhm und aus der Liebe zu Clarice. In der Arbeit sind bereits einige grundlegende Themen tassiani: Das szenografische Geschmack in der Episoden guerreschi, der Wechsel der Landschaften jetzt charmant und hell jetzt cupi und Finsternis, die Sense-trägen und morbide der Liebe, die Mesta Elegie des Todes. Die Rundfahrt heroische Fantasy Tasso wurde unterbrochen, um 1573 und der Priorität der Umgehung in Richtung einer Welt, die nur durch die instinktive Gefühl der Liebe durchdrungen: So wurde das Aminta, eine pastorale Märchen in einer unberührten Atmosphäre und mythischen, die in vollem Umfang den Hedonismus der Renaissance drückt entfernt geboren. Die Tragödie ist durch einen intensiven Wunsch nach Eintauchen in das Leben der Felder, die bis zu den anarchischen Erhöhung der Trunkenheit liebevolle geht durchdrungen, in der Kontroverse mit die Hemmungen, die Heuchelei des moralischen Gesetzes. Im Gegensatz zu den irrationalen und anarchisch, die zu dieser Arbeit gehört (definiert durch Carducci ein "Zeichen") statt der kritischen Reflexion, der in einer breiten Reihe von Schriften gedehnt wird, Jugend reden Der poetische Kunst, in drei Büchern, zu reifen Discorsi del poema Sinbad, in sechs Bücher, Allegorie der "Gerusalemme Liberata" auf die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", von den Überlegungen über drei Songs von G. B. Pigna zu Lektion über ein sonett von Bischof des Hauses: Diese und andere kleinere Schriften bilden zusammen eine Synthese aus Ästhetik im Zeitalter der Gegenreformation, das Prinzip der Rechtsstaatlichkeit, Grund, auf die Leidenschaft gegründet. Beachten Sie, dass das Alter, charmante und würdevollem dei Cavalieri für immer gegangen ist, steht im Gegensatz zu der Vielzahl der freien ariostesche Abenteuer der Einheit des künstlerischen Konzeption, in der Sie wählen müssen, wie in eine solide und robuste Architektur, die Vielzahl der Neigungen und narrative Bewegung. Andere Bedingungen sind die geschichtlichkeit der epischen Erzählung, die auf dem Grundsatz der Aristotelischen der Kunst gegründet als Imitation des Wahren, Austausch der alten klassischen Mythologie mit dem wunderbaren christlichen, das Streben zu einer erhabenen Literatur, dominiert von der Notwendigkeit der Einrichtung und eine große und herrliche "sprechen". Über die Wurzeln dieses komplexen poetische blüht die Gerusalemme Liberata, wo konvergieren in einer ursprünglichen Braid, heroischen Gründen und aus Gründen lyrisch, im Rahmen eines "Spirituellen bifrontismo" ständig über ein Doppel stilistische Register: von sinnlichen Ton und morbide Somit bewegt sich der Ton der energisch und aktiv, während zu Landschaften impietriti in einer Wüste Elend übernehmen strahlenden Himmel und gelassen. Die "heroische" und die "pathetisch" sind genau die beiden Register der tassiano Meisterwerk, personificati bzw. in Rinaldo und Tancredi: In der ersten, Symbol der Wunsch nach Ruhm, Rate der heroischen Menschenbild der Renaissance geerbt erhebt, während in der zweiten Ausdruck der unglücklichen Liebe wirft die Ängste und die tötung Ihrer "melancholische Stimmung". In Gerusalemme conquistata, Geweiteten, auf das Modell der Ilias in der 24 Songs ist klar die Absicht, die Romanze Aspekte der Arbeit zum Vorteil der romanzen der religiösen ANFRAGE VON KLIMA gegen den reformistischen und einige Verbesserungen expressive aufgrund einer mehr scaltrita Weisheit Technik um die Größe nicht für die strukturelle Komplexität und die rhetorische magniloquence der Wiederherstellung kompensieren können. In den letzten Jahren seines Lebens, könnten zum Teil erreichen, der Wunsch, in einer canzoniere, seine Verbreitung Opernproduktion zu sammeln: Im Jahre 1591 wurde in Mantua den ersten Teil der Rime, der liebevollen Charakter und, im Jahr 1593 veröffentlicht wurde, ging nach Brescia der zweite Teil, Charakter encomiastico (posthum die heiligen Lyrik, von marginalen Zinssatz erschien). In der Liebe Gedichte, besonders in Madrigale, Ton petrarcheggiante schmilzt im Geschmack der pathetisch und in den Genuss einer Musikalität, die Elemente der Realität verwandelt, risolvendoli in einem schmerzhaften Beteiligung der Natur zur Stimmung der Dichter; in der encomiastic Gedichte, durch Diagramme von Kostüm höfling und der literarischen Tradition auferlegt, sie machen sich auf den Weg, um einige der Akzente intensiver und traurigen Seele, aus der Entwicklung der Vergangenheit Unglück auf die Stimmung der Flüchtigkeit der Zeit, die in einem ergreifenden Welle von Tränen übersetzt. Die Jahre der Gefangenschaft von Sant'Anna Termine, wie gesagt wurde, die Mehrheit der 28 Dialoge, darin, auf eine lange Tradition, die von den Dialogen von Plato bis zu den Abhandlungen der Renaissance kamen verweisen, Adressen der viele politische Probleme, moralische, ästhetische, weltlichen, dann stark in den Gerichten debattiert: Fehlt sicherlich, die in diesen Schriften, ein original spekulative Haltung und das Wackeln der Schriftsteller zwischen Platonismus und aristotelismus sind häufig; die besten Dialoge sind diejenigen, in denen wir direkt ausdrücken die autobiographische Vorschläge, wie der Vater der Familie, zu der der Gefangene von Sant'Anna seine Sehnsucht Sehnsucht nach einem ruhigen inneren Frieden anvertraut. Ein Novum in der literarischen Produktion des sechzehnten Jahrhunderts wird durch die Tragödie Re Torrismondo, im nördlichen Land überträgt der Grund classic incestuose Hochzeit gekennzeichnet. In der geschaffenen Welt, schließlich Kurs drückt den Zustand des Menschen vorzeitig gealterte und in dem Wunsch, Ruhe und Frieden. Im Jahr 1976 wurde durch E. der Kranken, eine Komödie zugeschrieben, Intrichi d'amore veröffentlicht: Nach dieser eine Kontroverse zwischen den Gelehrten, von denen einige die Vaterschaft des Tasso Komödie verweigert wurde geöffnet hat.
Sf.pl. [Aus der Gattung Cactus]. Familie (Cactaceae) von Anlagen, um Cariofillali, typisch für die Wüsten und Orten sehr trocken, weit verbreitet, vor allem auf dem amerikanischen Kontinent, sondern auch in tropischen Afrika; verschiedene Arten wurden in Südafrika, Australien und Indien eingeführt. Die Abmessungen, die reichen von wenigen Zentimetern bis zu mehreren Metern, und Kopien der Gattung Carnegia können 18 Meter Höhe erreichen. Manchmal Epiphyten, haben xeromorfico Habitus und saftig, mit Blättern für die mehr reduziert Stifte oder squamette oder fehlen ganz: Einzige Ausnahme der Gattung Pereskia, perennierende Pflanze hat Blätter in einer laminaren bilden. Die Amtsleitung, fleischig, reich im inneren Gewebe aquifer, hat die Oberfläche teil, ist grün und ist von der Durchführung der Funktion der Photosynthese; seine Form, die zylindrisch sein kann, abgeflacht, Nana, otriforme, säulig, etc., ist die Charakterisierung der verschiedenen Gattungen in der Lage diese Familie aufgeteilt ist. Die Blüten der Kakteen sind oft groß und isoliert, oft farbige und sehr aromatisch, ohne xeromorfismo, weil letzte wenig und in der Regenzeit auf, in der Regel bei Nacht; Zwittrigen und regelmäßige, werden auch durch die Tatsache, dass alle Elemente, die zu erstellen sind spiralförmig angeordneten geprägt. Kelchblättern, die Blütenblätter und die staubgefäße werden in eine unbestimmte Zahl, mit schrittweise Elemente der Differenzierung zwischen Sepalen und Petalen; 4 oder 5 Haare immer auf Spirale und in Position infera Form einem eierstock uniloculare mit vielen parietalen Eizellen und ohne Stile; die Frucht ist eine fleischige Beeren mit vielen Samen. Viele Autoren anerkennen, auf der Grundlage der morphologischen Analyse und DNA, drei Unterfamilien innerhalb von Kakteen, die Cactoideae, Opuntioideae und Pereskioideae. Die Cactoideae gehören mehr als drei Viertel der Arten der ganzen Familie, durch eine Verminderung oder vollständigen Verlust der Blätter als Opuntioideae mit haar scharf auf dem brustwarzenhöfen gekennzeichnet sind; die Pereskioideae haben Fässer nicht saftig und Blätter gut entwickelt und hartnäckig. Einige Kakteen Schaden essbare Früchte, wie Opuntia ficus indica (Fico d'India), andere haben medizinische Eigenschaften, wie Echinocactus williamsi, Arten als Arzneimittel zur Aktion für Halluzinatorische spezielle alkaloide (peyotl) oder Cereus grandiflorus, enthält die cactina; aber die meisten Interesse dieser Anlagen besteht in deren Verwendung für dekorative Zwecke, für die viele Arten sowohl in vollem Masse in Töpfen in jedem Teil der Welt gewachsen sind. Alle leicht vermehren durch Stecklinge, Samen oder für ein Engagement. Zusätzlich zu den bereits erwähnten Genres Mamillaria gehören zu den Kakteen, Kaktus (oder melocactus Phyllocactus), Epiphyllum, etc.
Graminàcee
"Schema spighetta graminacea zu sehen im Lemma der 10. band." SF. Pl. [XIX Jahrhundert; Lateinische gramen ínis, Pflanze, Gras]. Familie (Graminaceae) von Anlagen der Bestellung Poali bestehend aus Ca. 650 Gattungen und 8700 Arten weitgehend krautigen" Diagramm der spighetta graminacea ist bis 159 von 11° Band s.." verbreitet in allen Teilen der Welt. Die Gräser oder Poacee, in der Regel gesammelt haben Wurzeln oder unterirdischen Rhizomen, Schlagzeug (Stängel) Zylindrische oder elliptische Abschnitt, artikuliert, meist mit internodien Kabel und erweiterten Knoten, von dem aus die letzten Blätter einsam zu entwickeln, die aus einer Hülle Hülle für einen bestimmten Teil der Halm und eine laminare Teil meist schmal und lang: Oft, an der Stelle, in der die Hülle in die Folie verwandelt, auf der Innenseite, ist ein Anhang in verschiedenen Konsistenzen und Größenordnung (LIGULE). Die Blüten sind klein, in Spikes mehr oder weniger pedicellate, die fast immer aggregieren in variable Anzahl an der Spitze der Stengel oder die Zweige zu Eigenschaften von Blütenständen, bestehend (Ohren, racematen oder Maiskolben) gesammelt. Die Spitzen bestehen aus einer bestimmten Anzahl von Blumen (bis zu 50), aufgenommen auf einer kleinen Achse (rachilla), die wiederum durch eine Welle größer (rachis). Normalerweise jeden spighetta Wunde in zwei Deckblätter scariose (hüllspelze), einen oberen oder Inneren, kleineren und manchmal fehlt oder reduziert, und eine niedrigere oder Äußeren. Ähnlich, oberhalb der hüllspelze jede Blume ist geschützt durch ein anderes Paar Hüllblätter (glumette), eine höhere (palea), kleineren und oft reduziert auf eine Winzige Flocken, und eine niedrigere (Lemma), der die erste umgibt und können aristata oder mutica werden, besitzt oder keine Filiform Anhängsel mehr oder weniger langgestreckten (bleibt). Die Blumen, mit perianzio reduziert auf zwei oder drei squamucce Fleischigen der vernachlässigbaren Größe (lodicule), haben in der Regel drei Staubblättern und einer Narbe mit zwei piumosi Narben und nur eine Eizelle; das Ergebnis ist in der Regel ein karyopse mit nur einem Saatgut, Getreide. Der Embryo im Samen ist mit nur einem keimblatt (scutello) stark modifiziert und seitlich platziert sind Teil der Familie viele kultivierte Pflanzen der Gattungen Triticum, Oryza, Zea, Secale, Hordeum, Hafer, Sorghum, etc., der die Mehrheit der Getreide dar und haben eine Rolle von größter Bedeutung in der menschlichen Ernährung. Auch von großem Interesse sind das Gras Futter, die einen guten Teil der Anlage verwendeten Erzeugnisse für die Tierernährung Pflanzenfresser (Genres Poa, Lolium, Trisetum, Arrhenatherum, Alopecurus, Holcus, und einige andere). Verschiedene Arten, schließlich, dass die Produkte im industriellen Bereich verwendet werden. Innenseite der Gräser sind mindestens 3 grosse unterfamilien erkannt: Die Bambusoidee, Panicoidee und Pooidee.
Sm. [XVII Jahrhundert; aus dem EU-+ kalyptós Griechisch, fallen]. Common Name verwendet, um die Pflanzen der Gattung Eukalyptus der Pflanzen der Familie Mirtacee mit Ca. 500 Arten in Australien, von denen einige mit Ursprung sind in verschiedenen Ländern mit einem warmen Klima angebaut. Sind große Bäume, mit Blättern von zwei Typen: oval, sessile und widersetzte sich auf junge Zweige; vertikale, Alternativ, gestielte Sickled und auf die Erwachsenen. Der hermaphrodit Blumen, wenn Sie in der Knospe haben die Form einer umgekehrten Pyramide von einem Deckel überwunden, die Reife wird abgetrennt, so dass die zahlreichen Staubblättern ausgesetzt; die Frucht ist eine Kapsel mit 4 Loggien, die Samen sehr klein. Zahlreiche Arten von Eukalyptus produzieren wertvolle Hölzer, farbig in Rot oder Braun, während die Rinde in Tannin reich ist. Die Blätter geben, ätherische Öle in der Parfümerie und in der Medizin wie Eukalyptus Öl verwendet, farblose Flüssigkeit oder gelblich, aromatischen Geruch angenehm, mit Ca. 70% der Eukalyptus. In Italien ist es Eucalyptus globulus kultiviert.
Sf. (Pl. - Eg) [XIX Jahrhundert; von einem Eintrag Quechua durch die Spanische vizcacha]. Name der 5 Arten von Nagetieren Caviomorfi Familie von Cincillidi (Lagostomus maximus und Gattung Lagidium), verbreitet bzw. in der Pampa von Argentinien und die Anden. Viscaccia lagostomus Maximus, die Ebenen, hat breiten Kopf, etwas abgeflacht, auf die Schnauze der Vibrisse und geschmückt auf den Wangen von einem großen schwarzen Streifen, umrandete mit Weiß; der Körper ist tarchiato und massive entlang bis zu 86 cm (davon 20 Schwanz), schwer und bis zu 7 kg, mit hinteren Fuß langen Schwanz, sehr Pelosa; das dicke Fell dunkelgrau ist oben, weißlich unten. Er lebt in großen Gruppen (15-30) in den Klüften (vizcacheras) mit vielen Einnahmen. Die viscaccia Berg gehört zu der Gattung Lagidium mit 4 Arten, die bis zu 5000 m in den Anden von Peru, Bolivien, Chile und Argentinien leben. Kleinere, sind tagsüber und gregarie und bilden Kolonien, 80 Personen erreichen kann. Nicht Höhlen graben, aber in den Vertiefungen des Felsen repariert werden. Für Fleisch und Fell gejagt, sind vom Aussterben bedroht. Eine Art, der noch größer als der viscaccia Plains (Lagostomus crassus Zellen) war eine Zeit in Peru.
Zoologie: Allgemeine Informationen
Mit Ausnahme einiger Arten von Raubkatzen (der Gattung Panthera), Bären sind das Land Fleischfresser die meisten Mole, mit physiognomie sehr homogen, mit schwerem Körperbau, Kopf groß und breit, endet in einem Fang meist kurzen, muskulösen Hals, Rumpf, Extremitäten mit kurzen tarchiato Starke, rudimentäre Warteschlange, in die Haare verdeckt. Die Augen sind klein und Ohren kurz abgerundet und bescheidene Entwicklung. Die Enden sind 5 Finger, plantigrada Konformation, mit robustissimi gebogene Klauen, nicht einziehbare. Die Länge dieser großen Säugetieren variiert von 1,2 m der Malaysischen Bären zu 3m des Orso Bruno d Alaska und einem Gewicht von 30 bis über 800 Kg. Die Männchen sind in der Regel 1/5 größere Weibchen. Das Fell, mit langen Haaren und Dick, ist eine einheitliche Farbe, ausgenommen Verzierungen an Kragen typisch für bestimmte Arten. Die Verzahnung ist 42 Zähne, wenn der Vorgang abgeschlossen ist. Die meisten Arten leben in den Wäldern oder in Bergregionen: nur der weiße Bär lebt in einem Lebensraum aller insbesondere, Eis in den arktischen Regionen; unterschiedliche Arten erklimmen Bäume; die weißen Bären, die von der Einsamkeit des seinen Lebensraum geschützt, ist ausgesprochen tagsüber, aber im Allgemeinen die anderen Arten in den Gebieten, wo sie für eine lange Zeit in Kontakt mit Menschen, vorzugsweise in der Nacht geworden; typischer Fall ist der Braunbär in Europa. Bären sind enorm, Wanderer, geschickte im Rennen und im Schwimmen, ihr Gebiet ist riesig, aber im Allgemeinen definiert und Sie an den weiteren einsamen Leben führen; ihr Temperament ist normalerweise harmlos, nur angreifen, wenn Sie sich von Menschen bedroht, insbesondere Mütter mit Kinder. Glo oder. Der gemäßigten Regionen und kalt, adattatasi wie Tana ein Hohlraum oder eine natürliche Höhle, die verbringen den Winter in einen tiefen Schlaf, nicht zu verwechseln mit dem realen Lethargie (zum Beispiel die Körpertemperatur wird nicht abgesenkt, wie im realen ibernanti): in der Tat Frauen gerade in dieser Zeit die Geburt und Stillen kleinen (1 oder 2, selten bis zu 4), die zum Zeitpunkt der Geburt sind kleine, bis zu Ca. 1/600 des Gewichts der Mutter in der schwarze Bär american, Datensatz für kleinheit zwischen allen Säugetieren placentati. Die Dauer der Trächtigkeit in verschiedenen Spezies variiert von 6 bis 9 Monaten. Bären sind in der Regel Allesfresser, die einzige fleischfressende Arten ist der weiße Bär, dessen begrenzten Lebensraum bietet nur Fische, Seehunde und andere Tiere; die Bären haben ein Geruch sehr entwickelt, Seh- und Hörprobleme schwach sind. Es gibt derzeit mit 7 Gattungen aus einer einzigen Spezies in nahezu alle Welt ausser Australien und Afrika (in Nordafrika gibt es eine Unterart des Braunbären existierte, der Bär, der Atlas, jetzt ausgestorben), mit der Verteilung ist fast immer sehr charakteristisch: Ursus, mit der Braunbär, weit verbreitet in Europa, Asien und Nordamerika; Euarctos, mit der schwarze Bär der Nordamerikanischen oder baribal; Tremarctos, mit dem Tragen der Brille, Südamerikanische Thalarctos; mit der weiße Bär, Boreal Selenarctos, mit dem Bären aus dem Kragen, Asien; Helarctos, mit der Malaysischen tragen; und Melursus, mit dem Bären labiato, auch Asien.
Paleogeografia: Allgemeine Informationen
Das Panorama paleogeografico" für die Evolution deela Verteilung von Land und Meer entstand aus Paleoge-ne Neogene zu sehen die Karten auf S. 147 von 6° Band." Der Tertiären" für die Entwicklung der Verteilung des Meeres und entstanden Länder siehe Karten auf das Lemma 5° Band." ist ganz ähnlich wie die aktuelle, mit Ausnahme der Bereiche, die vom Zyklus Alpine orogenetico in voller Entwicklung betroffen. Zu Beginn der Erdneuzeit Ära den Kontinenten Afrika, australischen und amerikanischen eine Konfiguration ähnlich der heutigen haben, während die Eurasia erscheint in verschiedenen Kontinenten zerstückelt, durch interne Meere getrennt, die wichtigste davon ist die Tethys; Sibirien ist getrennt von der russischen Plattform und aus dem Ural durch einen Arm des Meeres verschwindet in Neogene; Indien und Madagaskar, die eine große Insel, die Lemuria, getrennt von dem Eozän. Die beiden Amerikas, vorübergehend zwischen dem Mesozoikum und Känozoikum Ära, kehren Sie in den separaten verbunden, mit der daraus folgenden Trennung für die meisten des tertiären Sektors des südlichen Kontinents und die Entwicklung einer Fauna mammologica ganz besonderen; Trennung dauert bis zum Ende der Erdneuzeit Ära, als einer dünnen Landenge vulkanischen Natur ermöglicht die Migration von N der Fauna, die schädliche Auswirkungen auf die Endemisch, wodurch die fast völlige Ausrottung produzieren. Nordamerika und Europa sind getrennt, aber gelegentlich stellen wir Links oder durch eine Landenge im Bereich der Beringstraße oder durch eine Brücke, die das Land Grönland zu den Britischen Inseln, Verbindung, stoppt am Ende des Eozän nach der Mitteilung entstand zwischen den Becken des Atlanticosettentrionale, in progressive Expansion, und dem Arktischen Ozean. Als Ergebnis der Alpenbildung, am Ende der Miozän und Pliozän im Rahmen der allgemeinen paleogeografico viel mehr ähnlich dem aktuellen: Sie stellt die Asien-europa-Baustein und stellt eine Verbindung zwischen Afrika und der Arabischen Halbinsel und Indien, die dann nur den Isthmus von Suez ist reduziert, nach der Entstehung im Pliozän des Roten Meeres, als Folge des Ausbruchs der Seuche in den östlichen Teil von Afrika und Kleinasien von diesem großen Komplex von Frakturen und sprofondamenti, die aus Mosambik erstreckt sich auf die Tauro durch die tektonischen wurde in der Region der Großen Seen in Afrika, die Depression dancala, das Rote Meer und die Depression der Toten Meer. Immer im Pliozän, wie bereits erwähnt, den beiden Amerikas ist wieder mit der Bildung des Isthmus von Panama und schließlich bricht die Verbindung zwischen der Iberischen Halbinsel und den afrikanischen Kontinent mit der Öffnung der Straße von Gibraltar. Da die Bedingungen der paleogeografiche Cenozoic Era wurden in ihrer ziemlich ähnlich wie die anwesenden, der tertiären Sedimenten Es gibt Noten vor allem die facies Binnenwasser- und Küstengebiete als tiefste sind noch von Meeren bedeckt. Insbesondere zwischen den Formationen mehr Merkmale müssen daran denken das "nummulitici Kalksteine" und dem leistungsstarken Serie a Fazies Flysch durch die Erosion der gebirgigen Ketten über den Aufzug. In Italien, dem Land der Cenozoic Era sind sehr beliebt und sehr fossiliferous, so viele Flugzeuge den Namen von Italienischen Gemeinden ergriffen haben.
Paleogeografia: orogenese
Die cenozoic Era hat beträchtlich an Aktivität orogenetica, verantwortlich sowohl für die Ausbildung oder die endgültige Konfiguration der großen Gebirgsketten aktuelle entlang der beiden Bands orogenetiche bereits gut im Mesozoikum entstanden, dass peripacifica und der Tethys, sowohl das Auftreten von Frakturen des östlichen Afrika. Zusätzlich eine intensive tektonische Aktivitäten hat die Oceanic Fonds mit Trennung der kontinentalen Massen betroffen, Konformation der Neue ozeanbecken und unterseeischen Bergrücken. Die nicht homogene Expansion der ozeanischen Mittel hat auch noch aktive Fehler rutscht in Richtung, konkret gesagt Schere verwandeln, d.h. Frakturen mit relativen Verschiebung der beiden Teile in horizontaler Richtung, auch in der Größenordnung von Hunderten von Kilometern. Die orogenetici Phänomene wurden von einer intensiven magmatische Aktivität begleitet, die sowohl von der majestätischen lava Ergüssen traboccate von Frakturen des östlichen Afrika belegt und die vulkanischen Erscheinungen in Nordamerika, entlang der Anden, in Neuseeland, in Japan, in Westindien und in Kleinasien, in der Ägäis und in Europa (Massif Central, Karpaten, Colli Euganei, Region flegrea, Roccamonfina, Monti Ernici und Sardinien), da die Einführung von batoliti wie in den Anden in Süd- und Nordamerika und Italien entlang der sogenannten "Arc periadriatico eruptive".
Deutsch. Länglichen Block und der Laufwerke, die mit dem benachbarten Schollen, die sich mit Systemen von parallelen Scheren angeschlossen, in der Regel richtet: gleichwertigen Ausdruck ist tektonischen Säule.
Geographie
Sf.pl. [Aus der Gattung Cactus]. Familie (Cactaceae) von Anlagen, um Cariofillali, typisch für die Wüsten und Orten sehr trocken, weit verbreitet, vor allem auf dem amerikanischen Kontinent, sondern auch in tropischen Afrika; verschiedene Arten wurden in Südafrika, Australien und Indien eingeführt. Die Abmessungen, die reichen von wenigen Zentimetern bis zu mehreren Metern, und Kopien der Gattung Carnegia können 18 Meter Höhe erreichen. Manchmal Epiphyten, haben xeromorfico Habitus und saftig, mit Blättern für die mehr reduziert Stifte oder squamette oder fehlen ganz: Einzige Ausnahme der Gattung Pereskia, perennierende Pflanze hat Blätter in einer laminaren bilden. Die Amtsleitung, fleischig, reich im inneren Gewebe aquifer, hat die Oberfläche teil, ist grün und ist von der Durchführung der Funktion der Photosynthese; seine Form, die zylindrisch sein kann, abgeflacht, Nana, otriforme, säulig, etc., ist die Charakterisierung der verschiedenen Gattungen in der Lage diese Familie aufgeteilt ist. Die Blüten der Kakteen sind oft groß und isoliert, oft farbige und sehr aromatisch, ohne xeromorfismo, weil letzte wenig und in der Regenzeit auf, in der Regel bei Nacht; Zwittrigen und regelmäßige, werden auch durch die Tatsache, dass alle Elemente, die zu erstellen sind spiralförmig angeordneten geprägt. Kelchblättern, die Blütenblätter und die staubgefäße werden in eine unbestimmte Zahl, mit schrittweise Elemente der Differenzierung zwischen Sepalen und Petalen; 4 oder 5 Haare immer auf Spirale und in Position infera Form einem eierstock uniloculare mit vielen parietalen Eizellen und ohne Stile; die Frucht ist eine fleischige Beeren mit vielen Samen. Viele Autoren anerkennen, auf der Grundlage der morphologischen Analyse und DNA, drei Unterfamilien innerhalb von Kakteen, die Cactoideae, Opuntioideae und Pereskioideae. Die Cactoideae gehören mehr als drei Viertel der Arten der ganzen Familie, durch eine Verminderung oder vollständigen Verlust der Blätter als Opuntioideae mit haar scharf auf dem brustwarzenhöfen gekennzeichnet sind; die Pereskioideae haben Fässer nicht saftig und Blätter gut entwickelt und hartnäckig. Einige Kakteen Schaden essbare Früchte, wie Opuntia ficus indica (Fico d'India), andere haben medizinische Eigenschaften, wie Echinocactus williamsi, Arten als Arzneimittel zur Aktion für Halluzinatorische spezielle alkaloide (peyotl) oder Cereus grandiflorus, enthält die cactina; aber die meisten Interesse dieser Anlagen besteht in deren Verwendung für dekorative Zwecke, für die viele Arten sowohl in vollem Masse in Töpfen in jedem Teil der Welt gewachsen sind. Alle leicht vermehren durch Stecklinge, Samen oder für ein Engagement. Zusätzlich zu den bereits erwähnten Genres Mamillaria gehören zu den Kakteen, Kaktus (oder melocactus Phyllocactus), Epiphyllum, etc.
Graminàcee
"Schema spighetta graminacea zu sehen im Lemma der 10. band." SF. Pl. [XIX Jahrhundert; Lateinische gramen ínis, Pflanze, Gras]. Familie (Graminaceae) von Anlagen der Bestellung Poali bestehend aus Ca. 650 Gattungen und 8700 Arten weitgehend krautigen" Diagramm der spighetta graminacea ist bis 159 von 11° Band s.." verbreitet in allen Teilen der Welt. Die Gräser oder Poacee, in der Regel gesammelt haben Wurzeln oder unterirdischen Rhizomen, Schlagzeug (Stängel) Zylindrische oder elliptische Abschnitt, artikuliert, meist mit internodien Kabel und erweiterten Knoten, von dem aus die letzten Blätter einsam zu entwickeln, die aus einer Hülle Hülle für einen bestimmten Teil der Halm und eine laminare Teil meist schmal und lang: Oft, an der Stelle, in der die Hülle in die Folie verwandelt, auf der Innenseite, ist ein Anhang in verschiedenen Konsistenzen und Größenordnung (LIGULE). Die Blüten sind klein, in Spikes mehr oder weniger pedicellate, die fast immer aggregieren in variable Anzahl an der Spitze der Stengel oder die Zweige zu Eigenschaften von Blütenständen, bestehend (Ohren, racematen oder Maiskolben) gesammelt. Die Spitzen bestehen aus einer bestimmten Anzahl von Blumen (bis zu 50), aufgenommen auf einer kleinen Achse (rachilla), die wiederum durch eine Welle größer (rachis). Normalerweise jeden spighetta Wunde in zwei Deckblätter scariose (hüllspelze), einen oberen oder Inneren, kleineren und manchmal fehlt oder reduziert, und eine niedrigere oder Äußeren. Ähnlich, oberhalb der hüllspelze jede Blume ist geschützt durch ein anderes Paar Hüllblätter (glumette), eine höhere (palea), kleineren und oft reduziert auf eine Winzige Flocken, und eine niedrigere (Lemma), der die erste umgibt und können aristata oder mutica werden, besitzt oder keine Filiform Anhängsel mehr oder weniger langgestreckten (bleibt). Die Blumen, mit perianzio reduziert auf zwei oder drei squamucce Fleischigen der vernachlässigbaren Größe (lodicule), haben in der Regel drei Staubblättern und einer Narbe mit zwei piumosi Narben und nur eine Eizelle; das Ergebnis ist in der Regel ein karyopse mit nur einem Saatgut, Getreide. Der Embryo im Samen ist mit nur einem keimblatt (scutello) stark modifiziert und seitlich platziert sind Teil der Familie viele kultivierte Pflanzen der Gattungen Triticum, Oryza, Zea, Secale, Hordeum, Hafer, Sorghum, etc., der die Mehrheit der Getreide dar und haben eine Rolle von größter Bedeutung in der menschlichen Ernährung. Auch von großem Interesse sind das Gras Futter, die einen guten Teil der Anlage verwendeten Erzeugnisse für die Tierernährung Pflanzenfresser (Genres Poa, Lolium, Trisetum, Arrhenatherum, Alopecurus, Holcus, und einige andere). Verschiedene Arten, schließlich, dass die Produkte im industriellen Bereich verwendet werden. Innenseite der Gräser sind mindestens 3 grosse unterfamilien erkannt: Die Bambusoidee, Panicoidee und Pooidee.
Sm. [XVII Jahrhundert; aus dem EU-+ kalyptós Griechisch, fallen]. Common Name verwendet, um die Pflanzen der Gattung Eukalyptus der Pflanzen der Familie Mirtacee mit Ca. 500 Arten in Australien, von denen einige mit Ursprung sind in verschiedenen Ländern mit einem warmen Klima angebaut. Sind große Bäume, mit Blättern von zwei Typen: oval, sessile und widersetzte sich auf junge Zweige; vertikale, Alternativ, gestielte Sickled und auf die Erwachsenen. Der hermaphrodit Blumen, wenn Sie in der Knospe haben die Form einer umgekehrten Pyramide von einem Deckel überwunden, die Reife wird abgetrennt, so dass die zahlreichen Staubblättern ausgesetzt; die Frucht ist eine Kapsel mit 4 Loggien, die Samen sehr klein. Zahlreiche Arten von Eukalyptus produzieren wertvolle Hölzer, farbig in Rot oder Braun, während die Rinde in Tannin reich ist. Die Blätter geben, ätherische Öle in der Parfümerie und in der Medizin wie Eukalyptus Öl verwendet, farblose Flüssigkeit oder gelblich, aromatischen Geruch angenehm, mit Ca. 70% der Eukalyptus. In Italien ist es Eucalyptus globulus kultiviert.
Sf. (Pl. - Eg) [XIX Jahrhundert; von einem Eintrag Quechua durch die Spanische vizcacha]. Name der 5 Arten von Nagetieren Caviomorfi Familie von Cincillidi (Lagostomus maximus und Gattung Lagidium), verbreitet bzw. in der Pampa von Argentinien und die Anden. Viscaccia lagostomus Maximus, die Ebenen, hat breiten Kopf, etwas abgeflacht, auf die Schnauze der Vibrisse und geschmückt auf den Wangen von einem großen schwarzen Streifen, umrandete mit Weiß; der Körper ist tarchiato und massive entlang bis zu 86 cm (davon 20 Schwanz), schwer und bis zu 7 kg, mit hinteren Fuß langen Schwanz, sehr Pelosa; das dicke Fell dunkelgrau ist oben, weißlich unten. Er lebt in großen Gruppen (15-30) in den Klüften (vizcacheras) mit vielen Einnahmen. Die viscaccia Berg gehört zu der Gattung Lagidium mit 4 Arten, die bis zu 5000 m in den Anden von Peru, Bolivien, Chile und Argentinien leben. Kleinere, sind tagsüber und gregarie und bilden Kolonien, 80 Personen erreichen kann. Nicht Höhlen graben, aber in den Vertiefungen des Felsen repariert werden. Für Fleisch und Fell gejagt, sind vom Aussterben bedroht. Eine Art, der noch größer als der viscaccia Plains (Lagostomus crassus Zellen) war eine Zeit in Peru.
Zoologie: Allgemeine Informationen
Mit Ausnahme einiger Arten von Raubkatzen (der Gattung Panthera), Bären sind das Land Fleischfresser die meisten Mole, mit physiognomie sehr homogen, mit schwerem Körperbau, Kopf groß und breit, endet in einem Fang meist kurzen, muskulösen Hals, Rumpf, Extremitäten mit kurzen tarchiato Starke, rudimentäre Warteschlange, in die Haare verdeckt. Die Augen sind klein und Ohren kurz abgerundet und bescheidene Entwicklung. Die Enden sind 5 Finger, plantigrada Konformation, mit robustissimi gebogene Klauen, nicht einziehbare. Die Länge dieser großen Säugetieren variiert von 1,2 m der Malaysischen Bären zu 3m des Orso Bruno d Alaska und einem Gewicht von 30 bis über 800 Kg. Die Männchen sind in der Regel 1/5 größere Weibchen. Das Fell, mit langen Haaren und Dick, ist eine einheitliche Farbe, ausgenommen Verzierungen an Kragen typisch für bestimmte Arten. Die Verzahnung ist 42 Zähne, wenn der Vorgang abgeschlossen ist. Die meisten Arten leben in den Wäldern oder in Bergregionen: nur der weiße Bär lebt in einem Lebensraum aller insbesondere, Eis in den arktischen Regionen; unterschiedliche Arten erklimmen Bäume; die weißen Bären, die von der Einsamkeit des seinen Lebensraum geschützt, ist ausgesprochen tagsüber, aber im Allgemeinen die anderen Arten in den Gebieten, wo sie für eine lange Zeit in Kontakt mit Menschen, vorzugsweise in der Nacht geworden; typischer Fall ist der Braunbär in Europa. Bären sind enorm, Wanderer, geschickte im Rennen und im Schwimmen, ihr Gebiet ist riesig, aber im Allgemeinen definiert und Sie an den weiteren einsamen Leben führen; ihr Temperament ist normalerweise harmlos, nur angreifen, wenn Sie sich von Menschen bedroht, insbesondere Mütter mit Kinder. Glo oder. Der gemäßigten Regionen und kalt, adattatasi wie Tana ein Hohlraum oder eine natürliche Höhle, die verbringen den Winter in einen tiefen Schlaf, nicht zu verwechseln mit dem realen Lethargie (zum Beispiel die Körpertemperatur wird nicht abgesenkt, wie im realen ibernanti): in der Tat Frauen gerade in dieser Zeit die Geburt und Stillen kleinen (1 oder 2, selten bis zu 4), die zum Zeitpunkt der Geburt sind kleine, bis zu Ca. 1/600 des Gewichts der Mutter in der schwarze Bär american, Datensatz für kleinheit zwischen allen Säugetieren placentati. Die Dauer der Trächtigkeit in verschiedenen Spezies variiert von 6 bis 9 Monaten. Bären sind in der Regel Allesfresser, die einzige fleischfressende Arten ist der weiße Bär, dessen begrenzten Lebensraum bietet nur Fische, Seehunde und andere Tiere; die Bären haben ein Geruch sehr entwickelt, Seh- und Hörprobleme schwach sind. Es gibt derzeit mit 7 Gattungen aus einer einzigen Spezies in nahezu alle Welt ausser Australien und Afrika (in Nordafrika gibt es eine Unterart des Braunbären existierte, der Bär, der Atlas, jetzt ausgestorben), mit der Verteilung ist fast immer sehr charakteristisch: Ursus, mit der Braunbär, weit verbreitet in Europa, Asien und Nordamerika; Euarctos, mit der schwarze Bär der Nordamerikanischen oder baribal; Tremarctos, mit dem Tragen der Brille, Südamerikanische Thalarctos; mit der weiße Bär, Boreal Selenarctos, mit dem Bären aus dem Kragen, Asien; Helarctos, mit der Malaysischen tragen; und Melursus, mit dem Bären labiato, auch Asien.
Paleogeografia: Allgemeine Informationen
Das Panorama paleogeografico" für die Evolution deela Verteilung von Land und Meer entstand aus Paleoge-ne Neogene zu sehen die Karten auf S. 147 von 6° Band." Der Tertiären" für die Entwicklung der Verteilung des Meeres und entstanden Länder siehe Karten auf das Lemma 5° Band." ist ganz ähnlich wie die aktuelle, mit Ausnahme der Bereiche, die vom Zyklus Alpine orogenetico in voller Entwicklung betroffen. Zu Beginn der Erdneuzeit Ära den Kontinenten Afrika, australischen und amerikanischen eine Konfiguration ähnlich der heutigen haben, während die Eurasia erscheint in verschiedenen Kontinenten zerstückelt, durch interne Meere getrennt, die wichtigste davon ist die Tethys; Sibirien ist getrennt von der russischen Plattform und aus dem Ural durch einen Arm des Meeres verschwindet in Neogene; Indien und Madagaskar, die eine große Insel, die Lemuria, getrennt von dem Eozän. Die beiden Amerikas, vorübergehend zwischen dem Mesozoikum und Känozoikum Ära, kehren Sie in den separaten verbunden, mit der daraus folgenden Trennung für die meisten des tertiären Sektors des südlichen Kontinents und die Entwicklung einer Fauna mammologica ganz besonderen; Trennung dauert bis zum Ende der Erdneuzeit Ära, als einer dünnen Landenge vulkanischen Natur ermöglicht die Migration von N der Fauna, die schädliche Auswirkungen auf die Endemisch, wodurch die fast völlige Ausrottung produzieren. Nordamerika und Europa sind getrennt, aber gelegentlich stellen wir Links oder durch eine Landenge im Bereich der Beringstraße oder durch eine Brücke, die das Land Grönland zu den Britischen Inseln, Verbindung, stoppt am Ende des Eozän nach der Mitteilung entstand zwischen den Becken des Atlanticosettentrionale, in progressive Expansion, und dem Arktischen Ozean. Als Ergebnis der Alpenbildung, am Ende der Miozän und Pliozän im Rahmen der allgemeinen paleogeografico viel mehr ähnlich dem aktuellen: Sie stellt die Asien-europa-Baustein und stellt eine Verbindung zwischen Afrika und der Arabischen Halbinsel und Indien, die dann nur den Isthmus von Suez ist reduziert, nach der Entstehung im Pliozän des Roten Meeres, als Folge des Ausbruchs der Seuche in den östlichen Teil von Afrika und Kleinasien von diesem großen Komplex von Frakturen und sprofondamenti, die aus Mosambik erstreckt sich auf die Tauro durch die tektonischen wurde in der Region der Großen Seen in Afrika, die Depression dancala, das Rote Meer und die Depression der Toten Meer. Immer im Pliozän, wie bereits erwähnt, den beiden Amerikas ist wieder mit der Bildung des Isthmus von Panama und schließlich bricht die Verbindung zwischen der Iberischen Halbinsel und den afrikanischen Kontinent mit der Öffnung der Straße von Gibraltar. Da die Bedingungen der paleogeografiche Cenozoic Era wurden in ihrer ziemlich ähnlich wie die anwesenden, der tertiären Sedimenten Es gibt Noten vor allem die facies Binnenwasser- und Küstengebiete als tiefste sind noch von Meeren bedeckt. Insbesondere zwischen den Formationen mehr Merkmale müssen daran denken das "nummulitici Kalksteine" und dem leistungsstarken Serie a Fazies Flysch durch die Erosion der gebirgigen Ketten über den Aufzug. In Italien, dem Land der Cenozoic Era sind sehr beliebt und sehr fossiliferous, so viele Flugzeuge den Namen von Italienischen Gemeinden ergriffen haben.
Paleogeografia: orogenese
Die cenozoic Era hat beträchtlich an Aktivität orogenetica, verantwortlich sowohl für die Ausbildung oder die endgültige Konfiguration der großen Gebirgsketten aktuelle entlang der beiden Bands orogenetiche bereits gut im Mesozoikum entstanden, dass peripacifica und der Tethys, sowohl das Auftreten von Frakturen des östlichen Afrika. Zusätzlich eine intensive tektonische Aktivitäten hat die Oceanic Fonds mit Trennung der kontinentalen Massen betroffen, Konformation der Neue ozeanbecken und unterseeischen Bergrücken. Die nicht homogene Expansion der ozeanischen Mittel hat auch noch aktive Fehler rutscht in Richtung, konkret gesagt Schere verwandeln, d.h. Frakturen mit relativen Verschiebung der beiden Teile in horizontaler Richtung, auch in der Größenordnung von Hunderten von Kilometern. Die orogenetici Phänomene wurden von einer intensiven magmatische Aktivität begleitet, die sowohl von der majestätischen lava Ergüssen traboccate von Frakturen des östlichen Afrika belegt und die vulkanischen Erscheinungen in Nordamerika, entlang der Anden, in Neuseeland, in Japan, in Westindien und in Kleinasien, in der Ägäis und in Europa (Massif Central, Karpaten, Colli Euganei, Region flegrea, Roccamonfina, Monti Ernici und Sardinien), da die Einführung von batoliti wie in den Anden in Süd- und Nordamerika und Italien entlang der sogenannten "Arc periadriatico eruptive".
Deutsch. Länglichen Block und der Laufwerke, die mit dem benachbarten Schollen, die sich mit Systemen von parallelen Scheren angeschlossen, in der Regel richtet: gleichwertigen Ausdruck ist tektonischen Säule.
GeographieBiographie
Der italienische Dichter (Sorrent 1544 - Rom 1595). Sohn des Dichters Bernardo und der Adlige Portia De Rossi, hatte eine Kindheit durch die unreifen Tod seiner Mutter und die ersten Erfahrungen des Exils getrübt: In der Tat in Rom, der Vater, der zu seinem Herrn treu geblieben war, Ferrante Sanseverino, Rebell, der Vizekönig von Neapel erklärt gefolgt, und begleitete ihn in demütigenden Wanderungen auf den verschiedenen italienischen Gerichte, die auf der Suche nach Gastfreundschaft und Arbeit; nach einem kurzen Aufenthalt in Bergamo, wieder zusammen mit seinem Vater nach Urbino, wo die herrlichen Gericht Guidobaldo II. della Rovere, die Buchstaben und die Ritterlichen Künste im Jahr 1559 angebaut, die er mit seinem Vater nach Venedig, wo er das erste Buch der Gierusalemme setzt sich bewegt; im folgenden Jahr ging er Nach Padua intraprendervi für juristische Studien und im Zusammenhang mit den berühmten Schriftsteller, wie S. Die spurs, F. Piccolomini, C. Sigonio eingegeben, die mit dem Namen von "REUIGEN", der "Accademia degli Eterei. In der Zwischenzeit führte er die Rinaldo, in Venedig im Jahre 1562 veröffentlicht, und schrieb Gedichte der Liebe für Lucrezia Bendidio und Laura Peperara. Im Jahr 1565 zog er nach Ferrara, in den Dienst des Kardinals Luigi d'Este, dann (1572) des Herzogs Alfonso II; von Prinzessinnen Lucrezia und Eleonora, Schwestern des Herzogs geschützt, Tasso lebte dann die Zeit menschlich mehr glücklich und textlich mehr fruchtbare seines Lebens: Während Sie weiterhin die Produktion von Liebe Gedichte und encomiastic begann das Aminta, die am Abend des 31. in der Insel des Belvedere auf dem Po vertreten war Juli 1573 zu komponieren, gab Anfang der Tragödie Galealto König von Norwegen und zu einem Ende gebracht im Jahr 1575 mit dem Titel der Goffredo, sein Meisterwerk, die im Jahre 1581 durch den Freund Angelo Ingegneri veröffentlicht werden wird, mit dem Titel der Gerusalemme Liberata. Aber die nervöse Spannung des Dichters, die bereits auf dem Prüfstand durch die fieberhafte kompositorischen Arbeit, nicht neu, anstrengende Arbeit der Revision des Gedichts widerstanden: literarische Figuren von ihm sottoposero den Text von Jerusalem befragt pedantesche Beschwerden der literarischen Charakter und moralischer, übertrieben Zweifel künstlerischen und religiösen Skrupel des Dichters, die auf eine echte psychische Ungleichgewicht gab. Nachdem sie entwickelt haben, in der Allegorie der "Gerusalemme Liberata" (1576), die dünne moralische Bedeutung für ihr Gedicht, bei der Prüfung der inquisitor von Ferrara, accusandosi der Ketzerei und allarmando, der Herzog, der gefährlichen politischen Auswirkungen, die einen neuen Skandal, nach, dass die von der Mutter Renée von Frankreich für seine Ideen calviniste, in der Kurie in Rom erzeugen könnte. Der Freispruch des Inquisitor seine Skrupel und seine Qualen: ein Tag, während er mit Prinzessin Lucrezia vertraute seiner Ängste, geglaubt, das Ausspionieren von einem Diener und die gegen ein Messer nicht beschwichtigen. Durch Herzog im Castello Estense getrennt, dann in das Kloster von San Francesco, die Flucht und gab zu Beginn seiner rastlosen Reisen durch die Halbinsel, jetzt dominiert von einer unheilbaren "Humor melancholisch". Ging nach Sorrent, an seine Schwester Cornelia, verkleidet als Hirten, und verkündet den Tod seines Bruders zu stellen Sie sicher, dass der seine Zuneigung; wieder in Ferrara (1578), ging dann nach Urbino, und nach einem Zwischenstopp in anderen Städten, in Turin. Im Jahre 1579 plötzlich wieder bei Ferrara, während die dritte Ehe des Herzogs Alfonso mit Margherita Gonzaga feiern: Denken zu vernachlässigt werden, proruppe in escandescenze gegen den Herzog, der ihn umgebenden wie verrückt an der Sant'Anna Krankenhaus, wo er für sieben lange Jahre gewohnt. In jenen sieben Jahren Rate, die er einen Appell an alle ihre geistigen Energien sein Würde des Menschen und seine Größe des Dichters (Handlung, die letztere, von Ausgabe fehlerhafter und unvollständiger von Goffredo, trat ohne sein Wissen im Jahre 1580 zu rehabilitieren): aus mehreren von 28 Dialoge und die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", mit dem Eingreifen in die Polemik auf der Priorität der Ariosto leuchtet auf oder vice versa, sondern um literarische Berufe der Klammer der Klarheit wechseln sich ab mit Momenten der Spannung psychische, erschreckend untergraben, indem Halluzinationen und Qual, in Briefen von tiefe Faszination hervorgerufen. 1586 Durch die Fürsprache von Prince Vincenzo Gonzaga freigegeben, ging nach Mantua, wo, als Hommage an seine neue Protector, schrieb die Tragödie Re Torrismondo (1587), die sich aus der Rückforderung von Galealto Jugend. Aber die Umgebung des Hofes nicht seduceva mehr Seele ernüchtert und der Dichter müde und im Oktober 1587 nahm er seine quälenden Wanderungen, auf der Suche nach Gastfreundschaft in Klöstern und in den Häusern der Freunde: der Schrein von Loreto, das Haus von Scipione Gonzaga in Rom (wo er schrieb Rogo amoroso), das Kloster der Olivetaner Mönche in Neapel (wo er komponierte das Gedicht Der Monte Oliveto), doch der Hof von Mantua (wo, zu Ehren des Herzogs Vincenzo Gonzaga, schrieb das Buch der Genealogie der Casa Gonzaga), das Haus von G. B. Manso in Neapel (wo die sieben Tage der geschaffenen Welt unternommen), das Haus von Kardinal Cinzio Aldobrandini, die er widmete, im Jahr 1593, den Wiederaufbau Von seinem Gedicht mit dem Titel Der Gerusalemme conquistata (im selben Jahr zurück die Tränen der Jungfrau und die Tränen Christi), das Kloster von San Benedetto in Neapel (wo, 1594, sah das Licht die sechs Discorsi del poema Sinbad) und schließlich das Kloster von Sant'Onofrio in Rom, auf dem Gianicolo, wo, wie er in einem berühmten Brief schrieb, "mit dem Gespräch Dieser divoti Väter", begann seine "Gespräch im Himmel".
Geschichte: Allgemeine Informationen
Sie wissen, dass die Firma Inca. Erst gegen Ende des XII Jahrhunderts zu konsolidieren und vor allem am Anfang des XIII. Unmittelbar nach dem Start nahm die expansive Phase. Es stammte Auseinandersetzungen mit den benachbarten Völkern, immer mit dem Sieg der Inkas beendet. Dies geschah auch, um die Mitte des XIV Jahrhunderts, in Übereinstimmung mit dem Sonnenuntergang des Reiches von Tiahuanaco, die das Gebiet des Titicacasees beherrscht hatte. Die Handwerker der ersten Errungenschaften waren die Inkas (der Begriff wird hier in seiner zweiten Bedeutung verwendet, d. h., dass der "Herr", "Kaiser") der beiden großen Hurincusco Dynastien (oder hurin Sáyac) und Hanancusco (oder Hanan Sáyac): d.h. Sinchi Rocca, Lloque Yupanqui, Mayta Capac espugnatore (Festung von Tiahuanaco und Gründer von Arequipa), Capac Yupanqui, Rocca, yahuar Huacac. 1438 bestieg er den Thron Pachacutec: unter seinem Zepter Status Inca seine maximale Leistung erreicht, gelingt unter anderem das Königreich Huanca auszurotten und endgültig unterwerfen, weiter im Norden, dem Grand Chimúecimo Inca, Túpac Yupanqui (1471-93), das Imperium neu organisiert, der den Namen des Tahuantinsuyo: das Wort bedeutet "die vier (tahua) Regionen (suyo) Nationen". Diese vier Regionen waren: Collasuyo, Antisuyo, Chinchayusuyo und Cuntisuyo. Als Hauptstadt war nach Cuzco bestätigt. Túpac Yupanqui und seinem Nachfolger Huayna Cápac (1493-1525) erweitert die Grenzen des Staates bis zu den Fluss Maule in Chile zu S und N bis Quito, mit Außenposten, die in der aktuellen Kolumbien eingedrungen. Aber nun das Reich war rückläufig, durch mollezze und Korruption untergraben. Huayna Cápac, Vernachlässigung der rechtmäßigen Ehefrau, von der er seinen Sohn Huáscar hatte, verbunden mit einer Prinzessin des Stammes der Scyris (Quito), der ihm einen zweiten Sohn, Atahualpa. Vor dem Sterben, die souveränen Währungen Tahuantinsuyo in zwei Königreiche von gleicher Größe, die jeweils anvertrauten Huáscar und Atahualpa. Sie rangen die einzigartige Kraft und ging nach unten in das Feld ein. Die Höhe dieses Konflikts kamen die spanischen Eroberer von F. Pizarro. Huáscar wurde 1532 im Auftrag von Atahualpa getötet; Diese, gefangen durch Pizarro, ermordet im folgenden Jahr. Auf diese Weise das Leben der Inka Reich endete, werden Kolonie von König von Spanien. Seine Impressum, blieb jedoch in der Geschichte Lateinamerikas, weil es das Zentrum einer fortschrittlichen Zivilisation gewesen war.
Geschichte: Die politische und soziale Struktur
Von vielen irrtümlich als "sozialistische", der Status der Inkas hatten eine politische Struktur vertikal: absolute Spitze war der Kaiser, oder Inca, primäre Quelle für alle Befugnisse. Er verehrt, als Sohn der Sonne, die einzelnen Positionen von Regierung und Li gab aufgeteilt nach einer starren Hierarchie der Kasten. Die Mitglieder der kaiserlichen Familie waren die Aristokratie Executive und unter Ihnen den souveränen wählte die höchsten Beamten. Sie folgten den curacas, d. h. Würdenträger der unteren Rang, noch wichtig. Das Reich war damit in seiner mehr territoriale Wahlkreise verabreicht: fahren jede der Regionen der Tahuantinsuyo inca stellte Vizekönig (APO), in der Regel bezeichnet zu seinen engsten Familienmitglieder (Brüder oder Onkel); Provinzen wurden tukrikuk anvertraut, oder Gouverneure. Es gab keine Komponenten der populären Darstellung. Priester und militärischen mit den Politikern in der Verwaltung der Stromversorgung zusammen. Die grundlegende Einheit der Gesellschaft Inka war die ayllu, Institution vor Bildung der Reich und von den Inkas gehalten, aber so organisiert, um sich von ihm jeder autonomen Trend. Während die ayllu preincaico einer menschlichen Gruppe oder als solche, die in einem bestimmten Gebiet sitzt Bestand und venerante einen gemeinsamen Vorfahren, von denen das Grab oder die Mumie erhalten, die Inca Empire beraubt Ihn seiner Merkmale "ethnischen" und Religiöse und machte es zu einem territorialen Einheit auf administrativer Ebene. Gegründet Neue ayllu, in dieser Funktion, indem sie als Lehen zu wichtigen Persönlichkeiten, die, nach dem toten, den Ort des gemeinsamen Vorfahren. Jeder Kaiser begann auch eine neue Königliche ayllu verwiesen wurden alle männlichen Kinder zu verbinden, ohne die Erstgeborenen, die dazu bestimmt ist, Kaiser zu werden und als solche ihre eigenen ayllu zu bilden. Jeder ayllu wurde durch ein Kapitel von ihren Mitgliedern und über einen Ältestenrat gewählt. Die waren in der Gemeinschaft, nicht der Einzelne. In Bezug auf das Recht auf Eigentum, gehörte es zu den Inka, absolute Monarch des göttlichen Ursprungs; er hatte jedoch die Freude, die Aufteilung der staatlichen Vermögenswerte in drei Teile: Der erste verkauft den Gott der Sonne und der zweite ist für sich reserviert, die dritte das Übertragen zu ayllu. Der Anbau der Land der Sonne und der Inkas war die Zuständigkeit der Gemeinschaft. Die gemeinsame Mann war, monogam, polygam nur die Edle. Die Inka hatten eine Frau (coya) -, die für die Reinheit der Kastenzugehörigkeit war im Allgemeinen seine Schwester - und verschiedene sekundäre Frauen oder konkubinen. Die villac Umu, Hohepriester, gehörte das Recht auf die reale Ayllu, der Bestätigung der Geist theokratischen, auf dem das Imperium informiert. Sie haben keine Beweise für literarische Werke: Sie müssen daher der mündlichen Traditionen, gesammelt und von den Chronisten spanische Eroberung übergeben zufrieden sein. Es hat die Nachrichten vor allem von Songs und Balladen, die verherrlichten die Unternehmen der Kaiser und die wurden anlässlich von speziellen Zeremonien durchgeführt. Das Europäische Jahr des interkulturellen Dialogs von Gericht composero auch epische Gedichte, sagte oder vor dem souveränen gesungen. Alles geschrieben, jedoch. Das einzige Instrument, das ist irgendwie weiß, dass dienen könnte zu "schreiben" oder "Record" war die quipo: Das cordella, aus denen hingen Garne kleiner, Befestigung mit der Sprache der Knoten die Projektionen, die von jenen maneggiava. Und wer war der maneggiava Quipu - kamayoc, d. h. eine Art Schreiber oder offizielle Dolmetscher, die Regierungsbeamte serviert, um Berechnungen und Erhebungen durchzuführen. In Bezug auf die Kommunikation, die Inkas hatten ein Straße-System effizient genug. Es gab zwei Hauptstraßen: Die strada regia oder Anden Cápac (-nan), lange 5200 km, die von der nördlichen Grenze durch Ecuador, Peru, Bolivien, eine Band von Argentinien und Chile bis Maule, lief entlang der Cordillera und endete um Purumauca, Bahnhof mehr in den Süden; und die Küstenstraße, lange über 4000 km, die von Túmbes hinabgestiegen, Norden, auch bis zu den Fluss Maule. Weil sie das Rad nicht wissen, die Inkas hatten keine Notwendigkeit für breite Straße mittel: Diese wurden Wanderwege, sowohl durch die Truppen, die beide von Beamten, sowohl durch den Kurier.
Religion
Das religiöse System, die Bauten und die imperiale Struktur der Inca unterstützt Sie konfigurieren als Polytheismus vom Kult der Sonne ausgerichtet - Gott, Inti, eine beinahe göttliche Verkörperung des Reiches. Zu Inti ist täglichen Mahlzeiten und Opfer des Blade angeboten. Sonnenwenden und Tagundnachtgleichen wurden die Grundlage für ein festliches Kalender in der Regel solar. In allen Tempeln Inti irgendeine Form der Verehrung hatte, so sehr, dass die ersten spanischen Chronisten jeder Tempel als "Tempel der Sonne" für schlechthin und jeder Priester als "Priester des Sun" erschien. Die chronisten der Spanier auch genannt "Jungfrauen der Sonne "bestimmte Jungfrauen zu verschiedenen Funktionen öffentlichen sakralen eng mit dem Königtum verbunden: Namen, der nicht übersetzt noch der indianische Name (acllacuna, "Frauen", die "gewählten") noch die inca Empfängnis geweiht. Die Hauptstadt des Reiches stand der wichtigste Tempel der Sonne, die so genannte Coricancha, wo brannte ein solares Feuer mehrjährig. Die coricancha war eine Art von Pantheon, dass alle die Göttlichkeit offiziell anerkannten begrüßten, dass sich die traditionellen Inka Göttlichkeit, und diejenigen der verschiedenen Populationen Unterwerfung: Illapa ("Tuono-Lampo"), ist ein Gott der gesamten Andenregion; Pachacamac, eine Art Höchste Wesen der zentralen Küste, Eingetragen von Inca conquest in den Reihen der Götter von Inti geregelt; eine Reihe von "Müttern" göttlichen: Mutter Luna (Mama-Quilla) Braut von Inti, Mutter Meer (Mama Cocha) offenbar mit einer unbekannten Erfahrung zu Inca bis zu der Eroberung der Küstenregion verbunden, Mutter Erde (Pacha Mama) wichtige Göttin pan-Peruanischen, und Mutter Mais (Mama Sara), die in privaten Gottesdienst, auch identifizieren konnte mit einzelnen Maispflanzen außerordentlich gewachsen. Neben real, der coricancha bestätigt auch bestimmte Objekte Verehrter, sagte huaca, der in einem gewissen Sinne, hatte die Fähigkeit, in sich selbst die Heiligkeit der eroberten Gebiete, aus denen sie kamen, konzentrieren. Man könnte sagen, dass sie auf der Ebene der Religion vertreten, der Bestätigung der Stadt Cuzco, die Ihnen die Rolle der Hauptstadt des Reiches beherbergte. In der Regel bezeichnet der Begriff huaca es Sachen (Bilder, Steine, Bäume, etc.), Orte (Quellen, Höhen, etc.) und Gebäude (Kapellen, Gräber, etc.) als "heilig" oder die Sitze von Ausstellungen des "Heiligen". In Bezug auf den Kult der unzähligen Lokale huaca, die auf religiöser Ebene die Einheit des Reiches gefährden könnten, gab es zwei offizielle Einstellungen: Auf der einen Seite haben wir versucht, die huaca Wichtiger accogliendole, materiell oder symbolisch in der coricancha aufzunehmen, die unter die Gerichtsbarkeit des Gottes Inti; auf der anderen Seite versuchte er, die restlichen zerstören, wie es die 9 Kaiser, Pachacutec ("Reformer der Welt"), für diese "Feind der huaca" sagte. Zu den religiösen Gebäude des Reiches gegenüber, neben der Huaca, auch die Kulte der lokalen Vorfahren, für die Fähigkeit, eine menschliche Gruppe gebunden durch die Anbetung von einem gemeinsamen Vorfahren (ayllu) produzieren, und daher auch auf die gleichen innerhalb bestimmter Grenzen, die von der größeren Gemeinschaft bilden, die reich freigegeben. Das Empire behielt die ayllu, sondern beraubt sie ihrer Merkmale "ethnischen" und Religiöse. Das Empire ist in zwei Hälften unterteilt, die "obere" und "untere", wiederum in zwei Abschnitte unterteilt: Es dauerte also vier seyu, durch zwei ideale verlaufenden Linien, die bei Cuzco, die zum kulturellen Zentrum der Stadt, ein Welt Eroberung bestimmt oder in der vierseitige Darstellung des Empire zu transponieren, sagte, "Land der vier Regionen" (tahuantinsuyo). Die Inka Kaiser, bei Cuzco, der war ein Sohn der Sonne" (Intip churin), ein lebender Gott. In seiner eigenen Familie war der Hohepriester, der villac Umu. In diesem Einungsprozeß zu muss auch die religiöse Reform des achten Kaiser Hatum Tupac, der den KultDas Problem der Sprache und Stil
An der kritischen Arbeit und Poetik von Dante Alighieri geht der Verdienst zu den vulgären Italienische würde der Sprache der Kunst, wenn das neue Leben begrenzt ist die Verwendung der Volkssprache auf der Ebene der Praxis Poetik des lyrischen Dichter der Liebe zu rechtfertigen, in ConvivioDante beginnt eine Rede mehr allgemein über die italienische Sprache, riconoscendole, die in der einführenden Vertrag, jene Merkmale der Freundlichkeit, Reichtum, Eigentum, Güte, die bis dahin nur im Lateinischen (und Französischen zugeschrieben wurden). Die gleiche Art der Volksmund Prosa der Convivio verwendet (periodare aus komplexen und hoch, auf, dass Latein - Schule modelliert) und den Inhalt der lyrics kommentiert in der Oper wird von der Jugend Operette (und Dante selbst bewusst ist, lösen), entsprechend den unterschiedlichen Erfahrungen der Autor ist, aus dem Exil gesammelt und auf den Vertragsgegenstand, die Frucht der philosophischen Studien und der bürgerlichen und politischen Engagement. Der Volksmund wird dann "Neue", die auf der Straße zu verstehen, die "die Sonne" beleuchten, d. h. die Latein, "nicht leicht". Es ist die Anerkennung der Gültigkeit ideal und Praxis des vulgären Italienisch als Sprache der Wissenschaft und Kunst die Durchführung zeitnah, Theorie und Anwendungen zusammen, diese These enthalten ist, wird in der De vulgari eloquentia (1304-05), Latein Arbeit in 4 Bücher entworfen, aber in Kapitel XIV des Buch II. Aus den Erklärungen der Autor, welche sich auf das Beispiel selbst führt als Dichter der Tugend, es scheint klar zu sein, dass die Sprache, die er behandelt, ist, dass der Kunst: Insbesondere ist die Sprache und der Stil der gleichen Dante in seiner höchsten lyrischen Produktion von ethischen Inspiration. In diesem Sinne ist der Vertrag über die Sprache wieder an den Convivio, der große Songs in es auskommentiert (konkrete Anwendung der Theorie), um alle stilistischen Forschung von Dante, die durch das neue Leben und die Reime geöffnet und zusammengefasst und durch die Komödie abgeschlossen. Die Sprache lebt gleichzeitig als Mittel der Kommunikation und als künstlerische Schöpfung wiederum innoviert, als die "neuen", von denen der Autor die Notwendigkeit konzeptioneller und ethisch-politischen und wie die Realisierung von sehr präzise stilistische Möglichkeiten gespürt hatte.
Kindheit, wenn er die Hochschule der Jesuiten, wo das Theater war ein normaler didaktisches Instrument sorgte, und durch die Straßen von Sevilla, wo Sie mit Blick auf die Frage der Lope de Rueda, erste Student der Italienischen Komödianten zu rezitieren, beobachtet. Aber die widrigen Umstände frustriert, dass Berufung; und wenn ne dolse mehrmals, auch und besonders, wenn am Abend vor seinem Tod (1615), konnte nur veröffentlichen, ohne in der Lage zu sehen nie vertreten, Ocho comedias y ocho entremeses nuevos Nunca representados (acht Komödien und acht Neue interludes nie vertreten). Aber zur gleichen Zeit im Teatro Cervantes haben versucht, einen anderen Track: der Roman. Im Jahr 1585 eine bescheidene Herausgeber von Alcalá de Henares, Juan Gracian, veröffentlicht den ersten Teil der Galatea, eine pastorale Roman in Prosa und Vers, vermutlich in Italien begonnen, nach dem Vorbild der Arkadien der Sannazzaro, aber das wurde nie fertiggestellt, obwohl Cervantes promettesse mehrmals - das letzte Mal vor drei Tagen sterben - der zweite und letzte Teil zu geben. Wenig geschätzt, im Allgemeinen, von Kritikern, die Galatea hat stattdessen eine erhebliche Bedeutung, nicht nur, weil es enthält viele autobiografische Daten und Erinnerungen an viele liebe Freunde der Jahre von Italien (nicht alle unter ihrer "pastorale Verkleidung" gekennzeichnet), aber auch cervantini, weil Sie Fragen zum ersten Mal Themen in der Regel später in den großen Werken wieder aufgenommen. Im gleichen Jahr 1585 Datensätze, sondern ein echter Coup Szene, in der das Leben des Autors: die Aufgabe, die endgültige Darstellung von jede literarische Tätigkeit. "Ich hatte andere Dinge zu tun - er schrieb im Vorwort zur 1615 lakonisch zitiert -, habe ich den Stift und Komödien..." Links. Und er hat nicht nur das Stift, aber auch Madrid, sich selbst zu widmen, in Andalusien, einem bescheidenen Beruf: die Sammlung von Nahrung für die Expedition, die Philip II. gegen die Ketzer, England, der berühmten Armada vorbereitet, die zum vollständigen Ausfall (1588). Beigetragen, vielleicht, um die Szene zu schlagen, die seltsame Ehe (Dezember 1584) Der heute trentasettenne Verfasser mit einem jungen ländlichen Hidalga: Catalina Salazar, geboren und aufgewachsen in einem Dorf von La Mancha toledana Esquivias lebte, (das Land von Don Quijote). Seltsame Ehe für den Unterschied im Alter, Bildung und Ideen, die es gibt zwischen den beiden Ehegatten, der hatte aber keine Söhne (ein direkter Nachfahre von Cervantes, zusätzlich zu den schwer bestimmbaren Sohn Napoletano, wird Isabel de Saavedra bleiben, im November 1584 geboren, liebt mit einer Schauspielerin Ana Franca de Rojas, und offiziell durch den Verfasser) anerkannt. Von 1585 bis in die frühen Jahre des 17. Jahrhunderts die Biographie von Cervantes ist, zumindest in Erscheinung, leer von literarischen Fakten.
Werke: das Meisterwerk von Don Quijote
Die gramo Handwerk - nach der Ernte essen für die Armee, die buscandosi unter anderem eine Exkommunikation des Kapitels der Kathedrale von Sevilla, die Sammler von Steuern (alcabalero), die Abhängigkeiten von gierigen und unehrliche Unternehmer - Die fruttò, mit einigen flüchtigen Moment des Wohlstands, vor allem disgusti Und wehe nicht beenden, so dass zu einem bestimmten Zeitpunkt (1590) Kirchen von Verlassen für Amerika, mit dem wahrscheinlichen Absicht des Expatriate für immer: Wenn ein bürokrat nicht hatte unverblümt beantwortet Nein, vielleicht die Don Quijote (Don Quichotte) würde nie geschrieben wurden. Im Jahr 1597 den Bankrott und die Flucht von einem Banker - der Auftragnehmer einen Aufenthalt von einigen Monaten im Gefängnis von Sevilla beschafft; und hier, vermutlich für "dar Zeitvertreib Geist melancholisch und getötet", begann die Don Quixote, in der Form von kurzen Novella zu komponieren. In diesen Jahren hatte er sicher eine Menge zu lesen und zu schreiben, etwas: Verse, Theater, Novellen der Italienischen, vielleicht sogar für Kontakte mit Autoren sivigliani (als Mateo Alemán, deren Guzmán de Alfarache am Ende des XVI. Jahrhunderts, der Ära der Schelmenroman). Schließlich verlassen die Andalusien, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, Valladolid, Sitz des Gerichtshofes zu verlagern und der Regierung, seine komplizierte Konten mit den Steuerbehörden, Cervantes trug das seco eine bemerkenswerte literarische Gepäck: verschiedene Novellen, darunter die wunderbare Rinconete y Cortadillo, und fast der gesamte erste Teil des Don Quijote, für die sie fragte und im Jahr 1604 die vorgeschriebene "Privileg" gewonnen. Ein Jahr später wurde das Werk in Madrid veröffentlicht auf einem schlechten Edition des Verlages Juan de la Cuesta, und der Erfolg war sofort als unerwartete. Links Valladolid - wo er hatte andere Ärger mit Gerechtigkeit für den Mord an einem bestimmten Ezpeleta, in der die Armen Cervantes es absolut kam - der Schriftsteller zog er nach Madrid, wo er die letzten zehn Jahre des Lebens zu verbringen (mit einigen zu Esquivias, wo er an der Frau zu wohnen Reisen). Der Erfolg von Don Quijote (verschiedene Editionen, auch Piraten und eine erste englische Übersetzung) nicht brachte ihm einige der Wohlstand, noch die von vielen weh, Schulden befreit, Familie Pies. Im Jahr 1610 vergeblich versucht, für Neapel der Neue vizekönig Lemos zu verlassen; und vielleicht der letzte Rückschlag und Vorahnung der kommenden Ende der induzierten die literarische Tätigkeit zu intensivieren: im Jahr 1613 ging aus dem schönen Novelas ejemplares Novelle Exemplare), im Jahr 1614 die Viaje der Parnassus (Weg des Parnassus), im Jahre 1615 den zweiten Teil des Don Quixote und die Ocho comedias y ocho Entremeses, und schließlich in 1617 Los trabajos de Persiles y Sigismunda (die Leiden des Persile Sigismonda und), posthum, da Cervantes war tot am 22. April des Vorjahres von Diabetes und Arteriosklerose. Der Brief der Widmung von Persile an den Grafen von Lemos, vom 19. April 1616, ist ein wunderbares Dokument der Melancholie zurückgetreten; und unter anderem neue Werke, wie der zweite Teil der Galatea, Weeks von Jardín (Wochen der Garten), vielleicht eine Sammlung von novellen wie das Decameron, und Bernardo, verloren gegangen ist oder nicht, das je geschrieben wurde versprochen. Was blieb, war jedoch mehr als genug Cervantes eine der größten Schriftsteller aller Zeiten zu tun.
Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung bringt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um die Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der Darstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Die Künstler
Capiscuola der amerikanischen Pop Art gelten als R.Rauschenberg und J. Johns, auch wenn ihre Arbeit differenziert in vielerlei Hinsicht scheint von diesem Künstler aktiv in die mittlere Phase des Pop Erfahrungen wie C. Oldenburg, A. Warhol, Lichtenstein, R. J. Rosenquist, T. Wesselman, J. Speisen (zusätzlich zu W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner und L. Flüsse). Persönlichkeit und verschiedene Ausdrücke hatte die pop art Deutsch von S. Blake, R., R. Hamilton Smith, D. Hockney, R.B.Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, S. Caufield, S. Phillips, E. Paolozzi, etc. Die Verbreitung der Pop Art in Europa vertreten seit 1963 gegeben hat, zu unterschiedlichen Auslegungen in den verschiedenen kulturellen Tradition. In Italien pop Erfahrungen wurden durch G. Bertini, E. Baj, M. das Rad durchgeführt, zu denen folgte G. Guerreschi und G. Romagnoni (für bestimmte Forschungsinteressen gelten als pop Künstler Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Zwischen den Vertretern der Pop Art Französisch und Deutsch sind bzw. Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, S. Klasen und W. Gaul. Esauritasi als künstlerische Aktuelle gibt, Pop Art hat wertvolle Orientierungshilfen für spätere Erfahrung expressive, von der Konzeptkunst, Arte povera, von der hyper-Realismus in die mec Kunst zu Pionieren, Protagonisten und Epigone der Pop Art der Königlichen Akademie der Künste in London im Jahr 1991 gewidmet hat einen großen Bericht, später auch in Köln und Madrid vorgestellt.
Op Art
Loc. Englisch (von der optischen Kunst, Kunst optische) in Italienisch als sf verwendet. Um eine Bewegung, die die zeitgenössische künstlerische am Ende der 50er Jahre des XX Jahrhunderts entstandenen - informel Klima definieren. Der Begriff eingegeben in der künstlerischen Vokabular als Ergebnis der Ausstellung "Die Responsive Eye", die zusammen in New York versammelt (1965) Europäischer Künstler in der visuellen Forschung, bezieht sich auf ein breites Spektrum von experimentellen Forschung über wahrnehmungsprozesse auf der Basis von Grundlagen der Gestalttherapie / Shape (Psychologie), aus denen die Definition von Argan "gestaltica Kunst". Die New York Review von 1965 bestimmt eine Prävalenz der amerikanischen Erfahrung auf jene Gemeinschaften, bis zu absorbieren, gerade in der Verwendung der generischen Begriff Op Art, den Wert und das Maß der wichtigen europäischen Beitrag im Rahmen der verschiedenen Trends der kinetischen Kunst, zu denen auch die Tätigkeit der aktuelle Op., welche den Prozess der geometrischen Abstraktion führen gehört, wird die Op Art bietet optische Anregungen der Bewegung (manchmal durch einen speziellen Mechanismus beeindruckt) durch Mathematik Organisation von geometrischen Formen und Kombinationen von reinen Farben so wie auf Empfindlichkeit perceptual Psychophysik zu handeln (und nicht auf die traditionelle psychologische Unterstützung und kulturellen) der Zuschauer, die somit beteiligt ist Eine aktive Teilnahme. Eine Form der Kunst auf rein visuelle, für die sie gültig sind auch die Namen der visuellen Kunst, Optische Kunst, etc., sowie die Konzepte der "Programmierung", "Design", denn gerade auf der Grundlage dieser Vorgänge ist die formale Umsetzung, Grafiken und Färbung der Oper. In der historischen Perspektive die verschiedenen Trends der visuellen Forschung von kulturellen Hintergrund und präzise: zum Beitrag der avantgardistischen Russischen Kunststoffe (konstruktivismus) und Kubismus (insbesondere, dass orfico, mit der pünktlichen Erfahrungen von Robert Delaunay, Sonia Delaunay), auf die Errungenschaften von Kupka und denen des Futurismus, von neoplasticismo Mondrian auf der Suche nach dem niederländischen Magazin De Stijl bis zu wesentliche Beiträge im Rahmen des Bauhauses von J.Albers abgegrenzte, Forschungen von Max Bill, Vasarely und Julio Le Parc und B. Munari.
Biographie
Der Dichter und Dramatiker spanisch Madrid (1600-1681). Der Sohn eines Beamten, hatte die Ausbildung in den Geisteswissenschaften am Jesuitenkolleg in Madrid durchgeführt und dann in der Universität von Alcalá und Salamanca: klassische Kultur und der scholastischen Theologie blieb immer die wesentliche Unterstützung ihrer Vision von der Welt. Wir haben Nachrichten von einigen Stunt von jungen Calderon De La Barca in, dass Madrid Filipino durchgeführt, deren Chronik überfüllt sind mit authentischen Komödien der Haube und Schwert (Schlägereien, Duelle, Ratten, Sanktionen Polizeibeamten und freundlich beantwortet, etc.); sie ignorieren jedoch voll die Liebe leben und lieben der Zukunft Dichter, die er nicht haben sollte frei von Abenteuer zu werden. Sicher ist nur, dass hatte, vielleicht durch eine Schauspielerin, eine natürliche Sohn zuerst in bestimmten Dokumenten genannt, "Neffe" und später (wenn Calderon De La Barca hatte bereits Priester) offen anerkennen. Ist wenig über seine militärischen Leben bekannt, wenn nicht, die sich an der Kampagne von 1640 in Katalonien nahm, ehrenhaft verhalten. Von einigen Anspielung ne El Sitio de Breda (der Belagerung von Breda) und andere Tragödien, es ist ein Vorhandensein von Calderon de la Barca auch in Flandern. Jedoch war frühreif ihre Berufung der poetischen und dramatischen: im Jahre 1622 nahm er an einem Wettbewerb teil, poetische in St. Isidor von Madrid und wurde von Lope de Vega gelobt; mindestens von 1629 er das Theater besucht und begann theatralische Werke zu komponieren. Im Jahre 1636 seine Intermezzo, Los tres mayores prodigios (den drei größten Wunder), in Wirklichkeit eher mittelmäßig, war sehr herzlich, das Gericht von Philip IV applaudiert - Die maximale Zentrum des theatralischen Aktivitäten des Landes - und vielleicht ist dies der Grund, warum er das Kreuz von Santiago, die eine Anerkennung der hidalguía stillschweigend ausgezeichnet wurde. 1651 Calderon De La Barca wurde Priester und war zuerst ernannten Kaplan der Reyes Nuevos von Toledo (1653) und dann ehrenamtliche Kaplan der Gerichtshof in Madrid. Hier verbrachte er die letzten zwanzig Jahre leben, respektiert und agiato, freiwillig abgeschieden von "weltlichen Gerücht", in einem wunderschönen Haus voller Bücher, Gemälde und Musikinstrumente, noch an das Theater viele Werke, vor allem religiöse Angelegenheit.
Die kritische
Von den fünf "Teile" des theatralischen Werke veröffentlicht, während Calderon De La Barca im Leben (1636, 1637, 1664, 1672 und 1677), keine wurde persönlich von ihm und der Letzte war in der Tat von der Thema missbilligt vorbereitet; Calderon De La Barca erst sehr spät (1677), eine Sammlung von zwölf Autos sacramentales, die nur einen Teil seiner Theater, dass die appassionava, zumindest im Alter war. Zum Glück, am Vorabend seines Todes (1680), auf Antrag der Herzog von veragua, zu Recht für den apokryphen Werke und schlecht, dass zugeschrieben wurden, Calderón de la Barca eine Liste ihrer säkularen Komödien zusammengestellt; auf der Grundlage dieser Juan de Vera Tassis veröffentlicht die posthume Edition (1682-91), weitgehend unvollständig - viele Werke calderoniane ging auf diese Weise verloren, obgleich es immer einige Entdeckung, wie jene, die in der Tschechoslowakei im Jahre 1958 der Großherzog von Gandía -, die als Basis für die hinteren Editionen serviert und sammelt Was bleibt von der Theater von Calderon De La Barca: Über 120 Komödien und Dramen, 80 Autos sacramentales, zwanzig Zwischenspielen und anderen aufgetreten ist möglich Kleinere Operetten. Calderon De La Barca hatte dann eine Existenz in komplexen glücklich und ein "Leben" noch posthum Glücklicher: hatte in der Tat zahlreiche Nachfolger, Nachahmer und Epigone, selbst in Amerika, und weiterhin vertreten zu sein, wenn auch mit einigen Unterbrechungen bis Romantik, als er eine Wiederbelebung des Europäischen Parlaments, mit bewunderern wie Goethe und Shelley, und dann Erweiterer als Verlaine, dass die zu Shakespeare vorangestellt. La Vida es Sueño und mehrere andere seine Dramen sind jetzt als unbestrittenen Meisterwerke der universellen Theater anerkannt. Und es ist fast ein gemeinsamer Ort es zu Dante zu vergleichen, um die Höhe des religiösen Poesie und Theologie (a Dante, offensichtlich ist, mittelalterlichen nicht aber die Gegenreformation und Barock).
Die Werke
Für die Bequemlichkeit entscheidend, es üblich, die Werke von Calderon De La Barca zu klassifizieren, verschiedene Gruppen: A) Tragödien und Komödien der religiösen Thema, aus der Bibel, aus dem legendären der Heiligen und der hagiographischen Tradition, darunter Meisterwerke wie El mágico außerordentlichen (der Magier der Wunder), die Devoción de la Cruz (die Verehrung des Kreuzes), El purgatorio de San Patricio (das Fegefeuer von Saint Patrick) und Los Dos amantes des Himmels (die beiden Liebenden des Himmels); b) historische Dramen, vor allem El Principe konstante entstehen (Prinz konstant) und El Alcalde de Fuencaliente (der Bürgermeister von Fuencaliente); C) Komödien der Weberei und Haube und Schwert, die betont die Summe Fähigkeit von Der Dramatiker, neue Effekte zu zeichnen, mit humorvollen Gnade von arcinote Situationen und gemeinsame Orte: La Dama duende (La Dama Ghost), El escondido y Die tapada (die versteckten und verschleierten), Haus mit Dos Puertas mala es de Guardar (ein Haus mit zwei Türen ist schwer zu erhalten), etc.; (d) Komödien ritterliche und mythologischen, manchmal Romanze als El Castillo de Lindabridis (Schloss von Lindabris), die Puente de Mantible (die Brücke der Unterkiefer), manchmal sehr empfindlichen theatralischen Fabeln als Echo y Narzisse, Purpura de la Rosa (das Violett der Rosa); E) Dramen von Ehre und Eifersucht, mit grobheit einer der Hauptgründe für soziale Moral Spanischen Goldenen Jahrhundert Umgang: El Médico De Su honra (der Arzt Ihrer Ehre), eine abgesondert agravio abgesondert venganza (ein geheimes Geheimnis Straftat Rache), El Pintor de su deshonra (der Maler seine Blöße), el monstruo Bürgermeister, Los celos (das größte Monster ist Eifersucht); F) Komödien "philosophischen" oder symbolische, mit Meisterwerken wie La Vida es sueño (1635; das Leben ist Traum), wahre und höchste dramatische Synthese von Ideen moralischen und religiösen barocker Spanien; G) Farcen, Einlagen und andere kleinere Operetten, glitzernden frischen Humor; h) die Gruppe der 80 Autos sacramentales, eucharistische Dramen in einem Akt, in dem die strikte theologische Argument beseelt ist mit Auswirkungen oft unvergessliche, durch einen Spurt der unerschöpflichen hohe Lyrik: El Gran Teatro del Mundo (das Grand Theater der Welt), kein Heu más Glück Que Dios (hat Keine mehr Glück Gottes), El Nuevo Hospicio de pobres (Das neue Hospiz für die Armen) und viele andere. Es wird gesagt, dass das Theater von Calderon De La Barca hat zwei wesentliche Nachteile: die Armut der Erfindung - also manchmal nicht zögern wieder Themen bereits von Lope de Vega und anderen - und schwache Charakterisierung von Zeichen abgedeckt (bereits Goethe bemerkte, dass die Zeichen von Calderon De La Barca oft an Soldaten von geschmolzenem scheinen in der gleichen Form führen). Krasse ist auch die Gesamtzahl der Konformismus in bezug auf die offiziellen Ideen der Philippinischen Spanien: die Firma des Theaters calderoniano ist zweifellos statisch, ein aristocraticismo sclerotizzato. Dies bedeutet jedoch nicht, viel zu den künstlerischen Wert und theatralische Meisterwerke von Calderón de la Barca, welche die Zeit aufgrund einer schmerzhaften christlichen Lebens und eine intensive Energie 'Theater und Poesie zu widerstehen. Die gleiche barocke Sprache, dass spiacque auf Jahrhunderte des Rationalismus (XVIII und XIX), fasziniert heute (nach den Erfahrungen der Avantgarde) für die schillernde Originalität: Insbesondere der Autos sacramentales
Corneille, Pierre
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 - Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l'Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der "fünf Autoren" mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte "Querelle du Cid" hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l'Académie sur le "Cid", verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um Geschichte
Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Die Künstler
Capiscuola der amerikanischen Pop Art gelten als R.Rauschenberg und J. Johns, auch wenn ihre Arbeit differenziert in vielerlei Hinsicht scheint von diesem Künstler aktiv in die mittlere Phase des Pop Erfahrungen wie C. Oldenburg, A. Warhol, Lichtenstein, R. J. Rosenquist, T. Wesselman, J. Speisen (zusätzlich zu W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner und L. Flüsse). Persönlichkeit und verschiedene Ausdrücke hatte die pop art Deutsch von S. Blake, R., R. Hamilton Smith, D. Hockney, R.B.Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, S. Caufield, S. Phillips, E. Paolozzi, etc. Die Verbreitung der Pop Art in Europa vertreten seit 1963 gegeben hat, zu unterschiedlichen Auslegungen in den verschiedenen kulturellen Tradition. In Italien pop Erfahrungen wurden durch G. Bertini, E. Baj, M. das Rad durchgeführt, zu denen folgte G. Guerreschi und G. Romagnoni (für bestimmte Forschungsinteressen gelten als pop Künstler Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Zwischen den Vertretern der Pop Art Französisch und Deutsch sind bzw. Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, S. Klasen und W. Gaul. Esauritasi als künstlerische Aktuelle gibt, Pop Art hat wertvolle Orientierungshilfen für spätere Erfahrung expressive, von der Konzeptkunst, Arte povera, von der hyper-Realismus in die mec Kunst zu Pionieren, Protagonisten und Epigone der Pop Art der Königlichen Akademie der Künste in London im Jahr 1991 gewidmet hat einen großen Bericht, später auch in Köln und Madrid vorgestellt.
Op Art
Loc. Englisch (von der optischen Kunst, Kunst optische) in Italienisch als sf verwendet. Um eine Bewegung, die die zeitgenössische künstlerische am Ende der 50er Jahre des XX Jahrhunderts entstandenen - informel Klima definieren. Der Begriff eingegeben in der künstlerischen Vokabular als Ergebnis der Ausstellung "Die Responsive Eye", die zusammen in New York versammelt (1965) Europäischer Künstler in der visuellen Forschung, bezieht sich auf ein breites Spektrum von experimentellen Forschung über wahrnehmungsprozesse auf der Basis von Grundlagen der Gestalttherapie / Shape (Psychologie), aus denen die Definition von Argan "gestaltica Kunst". Die New York Review von 1965 bestimmt eine Prävalenz der amerikanischen Erfahrung auf jene Gemeinschaften, bis zu absorbieren, gerade in der Verwendung der generischen Begriff Op Art, den Wert und das Maß der wichtigen europäischen Beitrag im Rahmen der verschiedenen Trends der kinetischen Kunst, zu denen auch die Tätigkeit der aktuelle Op., welche den Prozess der geometrischen Abstraktion führen gehört, wird die Op Art bietet optische Anregungen der Bewegung (manchmal durch einen speziellen Mechanismus beeindruckt) durch Mathematik Organisation von geometrischen Formen und Kombinationen von reinen Farben so wie auf Empfindlichkeit perceptual Psychophysik zu handeln (und nicht auf die traditionelle psychologische Unterstützung und kulturellen) der Zuschauer, die somit beteiligt ist Eine aktive Teilnahme. Eine Form der Kunst auf rein visuelle, für die sie gültig sind auch die Namen der visuellen Kunst, Optische Kunst, etc., sowie die Konzepte der "Programmierung", "Design", denn gerade auf der Grundlage dieser Vorgänge ist die formale Umsetzung, Grafiken und Färbung der Oper. In der historischen Perspektive die verschiedenen Trends der visuellen Forschung von kulturellen Hintergrund und präzise: zum Beitrag der avantgardistischen Russischen Kunststoffe (konstruktivismus) und Kubismus (insbesondere, dass orfico, mit der pünktlichen Erfahrungen von Robert Delaunay, Sonia Delaunay), auf die Errungenschaften von Kupka und denen des Futurismus, von neoplasticismo Mondrian auf der Suche nach dem niederländischen Magazin De Stijl bis zu wesentliche Beiträge im Rahmen des Bauhauses von J.Albers abgegrenzte, Forschungen von Max Bill, Vasarely und Julio Le Parc und B. Munari.
Biographie
Der Dichter und Dramatiker spanisch Madrid (1600-1681). Der Sohn eines Beamten, hatte die Ausbildung in den Geisteswissenschaften am Jesuitenkolleg in Madrid durchgeführt und dann in der Universität von Alcalá und Salamanca: klassische Kultur und der scholastischen Theologie blieb immer die wesentliche Unterstützung ihrer Vision von der Welt. Wir haben Nachrichten von einigen Stunt von jungen Calderon De La Barca in, dass Madrid Filipino durchgeführt, deren Chronik überfüllt sind mit authentischen Komödien der Haube und Schwert (Schlägereien, Duelle, Ratten, Sanktionen Polizeibeamten und freundlich beantwortet, etc.); sie ignorieren jedoch voll die Liebe leben und lieben der Zukunft Dichter, die er nicht haben sollte frei von Abenteuer zu werden. Sicher ist nur, dass hatte, vielleicht durch eine Schauspielerin, eine natürliche Sohn zuerst in bestimmten Dokumenten genannt, "Neffe" und später (wenn Calderon De La Barca hatte bereits Priester) offen anerkennen. Ist wenig über seine militärischen Leben bekannt, wenn nicht, die sich an der Kampagne von 1640 in Katalonien nahm, ehrenhaft verhalten. Von einigen Anspielung ne El Sitio de Breda (der Belagerung von Breda) und andere Tragödien, es ist ein Vorhandensein von Calderon de la Barca auch in Flandern. Jedoch war frühreif ihre Berufung der poetischen und dramatischen: im Jahre 1622 nahm er an einem Wettbewerb teil, poetische in St. Isidor von Madrid und wurde von Lope de Vega gelobt; mindestens von 1629 er das Theater besucht und begann theatralische Werke zu komponieren. Im Jahre 1636 seine Intermezzo, Los tres mayores prodigios (den drei größten Wunder), in Wirklichkeit eher mittelmäßig, war sehr herzlich, das Gericht von Philip IV applaudiert - Die maximale Zentrum des theatralischen Aktivitäten des Landes - und vielleicht ist dies der Grund, warum er das Kreuz von Santiago, die eine Anerkennung der hidalguía stillschweigend ausgezeichnet wurde. 1651 Calderon De La Barca wurde Priester und war zuerst ernannten Kaplan der Reyes Nuevos von Toledo (1653) und dann ehrenamtliche Kaplan der Gerichtshof in Madrid. Hier verbrachte er die letzten zwanzig Jahre leben, respektiert und agiato, freiwillig abgeschieden von "weltlichen Gerücht", in einem wunderschönen Haus voller Bücher, Gemälde und Musikinstrumente, noch an das Theater viele Werke, vor allem religiöse Angelegenheit.
Die kritische
Von den fünf "Teile" des theatralischen Werke veröffentlicht, während Calderon De La Barca im Leben (1636, 1637, 1664, 1672 und 1677), keine wurde persönlich von ihm und der Letzte war in der Tat von der Thema missbilligt vorbereitet; Calderon De La Barca erst sehr spät (1677), eine Sammlung von zwölf Autos sacramentales, die nur einen Teil seiner Theater, dass die appassionava, zumindest im Alter war. Zum Glück, am Vorabend seines Todes (1680), auf Antrag der Herzog von veragua, zu Recht für den apokryphen Werke und schlecht, dass zugeschrieben wurden, Calderón de la Barca eine Liste ihrer säkularen Komödien zusammengestellt; auf der Grundlage dieser Juan de Vera Tassis veröffentlicht die posthume Edition (1682-91), weitgehend unvollständig - viele Werke calderoniane ging auf diese Weise verloren, obgleich es immer einige Entdeckung, wie jene, die in der Tschechoslowakei im Jahre 1958 der Großherzog von Gandía -, die als Basis für die hinteren Editionen serviert und sammelt Was bleibt von der Theater von Calderon De La Barca: Über 120 Komödien und Dramen, 80 Autos sacramentales, zwanzig Zwischenspielen und anderen aufgetreten ist möglich Kleinere Operetten. Calderon De La Barca hatte dann eine Existenz in komplexen glücklich und ein "Leben" noch posthum Glücklicher: hatte in der Tat zahlreiche Nachfolger, Nachahmer und Epigone, selbst in Amerika, und weiterhin vertreten zu sein, wenn auch mit einigen Unterbrechungen bis Romantik, als er eine Wiederbelebung des Europäischen Parlaments, mit bewunderern wie Goethe und Shelley, und dann Erweiterer als Verlaine, dass die zu Shakespeare vorangestellt. La Vida es Sueño und mehrere andere seine Dramen sind jetzt als unbestrittenen Meisterwerke der universellen Theater anerkannt. Und es ist fast ein gemeinsamer Ort es zu Dante zu vergleichen, um die Höhe des religiösen Poesie und Theologie (a Dante, offensichtlich ist, mittelalterlichen nicht aber die Gegenreformation und Barock).
Die Werke
Für die Bequemlichkeit entscheidend, es üblich, die Werke von Calderon De La Barca zu klassifizieren, verschiedene Gruppen: A) Tragödien und Komödien der religiösen Thema, aus der Bibel, aus dem legendären der Heiligen und der hagiographischen Tradition, darunter Meisterwerke wie El mágico außerordentlichen (der Magier der Wunder), die Devoción de la Cruz (die Verehrung des Kreuzes), El purgatorio de San Patricio (das Fegefeuer von Saint Patrick) und Los Dos amantes des Himmels (die beiden Liebenden des Himmels); b) historische Dramen, vor allem El Principe konstante entstehen (Prinz konstant) und El Alcalde de Fuencaliente (der Bürgermeister von Fuencaliente); C) Komödien der Weberei und Haube und Schwert, die betont die Summe Fähigkeit von Der Dramatiker, neue Effekte zu zeichnen, mit humorvollen Gnade von arcinote Situationen und gemeinsame Orte: La Dama duende (La Dama Ghost), El escondido y Die tapada (die versteckten und verschleierten), Haus mit Dos Puertas mala es de Guardar (ein Haus mit zwei Türen ist schwer zu erhalten), etc.; (d) Komödien ritterliche und mythologischen, manchmal Romanze als El Castillo de Lindabridis (Schloss von Lindabris), die Puente de Mantible (die Brücke der Unterkiefer), manchmal sehr empfindlichen theatralischen Fabeln als Echo y Narzisse, Purpura de la Rosa (das Violett der Rosa); E) Dramen von Ehre und Eifersucht, mit grobheit einer der Hauptgründe für soziale Moral Spanischen Goldenen Jahrhundert Umgang: El Médico De Su honra (der Arzt Ihrer Ehre), eine abgesondert agravio abgesondert venganza (ein geheimes Geheimnis Straftat Rache), El Pintor de su deshonra (der Maler seine Blöße), el monstruo Bürgermeister, Los celos (das größte Monster ist Eifersucht); F) Komödien "philosophischen" oder symbolische, mit Meisterwerken wie La Vida es sueño (1635; das Leben ist Traum), wahre und höchste dramatische Synthese von Ideen moralischen und religiösen barocker Spanien; G) Farcen, Einlagen und andere kleinere Operetten, glitzernden frischen Humor; h) die Gruppe der 80 Autos sacramentales, eucharistische Dramen in einem Akt, in dem die strikte theologische Argument beseelt ist mit Auswirkungen oft unvergessliche, durch einen Spurt der unerschöpflichen hohe Lyrik: El Gran Teatro del Mundo (das Grand Theater der Welt), kein Heu más Glück Que Dios (hat Keine mehr Glück Gottes), El Nuevo Hospicio de pobres (Das neue Hospiz für die Armen) und viele andere. Es wird gesagt, dass das Theater von Calderon De La Barca hat zwei wesentliche Nachteile: die Armut der Erfindung - also manchmal nicht zögern wieder Themen bereits von Lope de Vega und anderen - und schwache Charakterisierung von Zeichen abgedeckt (bereits Goethe bemerkte, dass die Zeichen von Calderon De La Barca oft an Soldaten von geschmolzenem scheinen in der gleichen Form führen). Krasse ist auch die Gesamtzahl der Konformismus in bezug auf die offiziellen Ideen der Philippinischen Spanien: die Firma des Theaters calderoniano ist zweifellos statisch, ein aristocraticismo sclerotizzato. Dies bedeutet jedoch nicht, viel zu den künstlerischen Wert und theatralische Meisterwerke von Calderón de la Barca, welche die Zeit aufgrund einer schmerzhaften christlichen Lebens und eine intensive Energie 'Theater und Poesie zu widerstehen. Die gleiche barocke Sprache, dass spiacque auf Jahrhunderte des Rationalismus (XVIII und XIX), fasziniert heute (nach den Erfahrungen der Avantgarde) für die schillernde Originalität: Insbesondere der Autos sacramentales
Corneille, Pierre
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 - Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l'Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der "fünf Autoren" mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte "Querelle du Cid" hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l'Académie sur le "Cid", verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um Geschichte
der Viracocha eingeführt und nahm den Namen angezeigt werden. Viracocha war eine kulturelle Held der andinen Bevölkerung, oder vielleicht ein "Schöpfer faul", in verschiedenen Mythen erinnert, aber nie das Objekt der Anbetung. Seine erste und einzige die Tempel waren tatsächlich errichtet von Hatum Tupac, die er gab, um Viracocha den Charakter von "Vater" Universal, durch den Austausch von einzelnen "Vorfahren" der verschiedenen ethnischen Gruppen. Mit dem Erwerb von Viracocha wurden komplexe theologische Ausarbeitung (einschließlich erinnert an die Einsetzung der Souveränität, von Viracocha zu Inti und Inti übertragen an den Kaiser und die Formeln für die einzelnen solar Opfer ein Opfer wurde zum Viracocha im Namen der Inti), die manchmal in der Gebete und Lieder von hohen geistigen und ästhetischen Wert ausgedrückt wird geboren.