Allgemeine Beschreibung
Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
Per L'Arte
Mr. Jean, A. Mezel, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1959; F. Fortini, Movimento surrealista, Milano, 1960; J. Marcel, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1960; Herr Brion, phantastische Kunst, Parigi, 1961; A. Breton, Manifeste des Surrealismus, Parigi, 1962; S. Waldberg, Surrealismus, Ginevra, 1962; J. Pierre, Surrealismus, Losanna, 1965; R. Passeron, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1968; W. S. Rubin, Dada, Surrealismus und ihrem Erbe, New York, 1968; J. Corti, Wörterbuch Abstract des Surrealismus, Parigi, 1969; S. Alexandrinische, Wörterbuch der surrealen Malerei, Parigi, 1973; S. Waldberg, die Häuser von Hypnos, Parigi, 1976; A. Breton, Interviews, Roma, 1991.
Per Il Cinema
A. Kyrou, der Surrealismus in Kino, Parigi, 1953; R. Manvell (a Cura di), die Nascita del Cinema, Milano, 1961; S. Tyler, U-Film - eine kritische Geschichte, New York, 1969; G. Rondolino (a Cura di), die occhio tagliato - documenti del Cinema dadaista e Surrealista, Turin, 1972; A. Schwarz, ich surrealisti, Milano, 1989.
Biografia
Poeta statunitense (Hailey, Idaho, 1885 - Venedig 1972). È Tra i maggiori rappresentanti dell'avanguardia Storica del Novecento, che sia incarnò Nella sua Opera di Poeta sia Nella sua Opera di e scopritore critico di talenti. Giunto in Italia nel 1908, wenn stabilì Poi ein Londra e in seguito a Parigi, ritornando in Italia (a Rapallo) dal 1924. Per La sua adesione Al fascismo, motivata da verwirrt teorie politisch-economiche espresse in vari Saggi, e pro die Sue trasmissioni da Radio Roma Durante la Guerra fu tradimento accusato di e rinchiuso nel 1945 im Campo Concentramento presso slab Pisa Wettbewerbsbehörde americane, e quindi internato in einem Ospedale psichiatrico negli Stati Uniti, Wave evitargli Es processo e Die schlafplaetze condanna ist tot. Dimesso nel 1958, ritornò in Italia, Taube visse Fino alla tot.
Opere
Formatosi su Dante, Gli e i provenzali stilnovisti, kommen appare Dalla raccolta di Saggi der Geist der Romantik (1910; Lo spirito romanzo) e dalle Sue libere versioni Di Cavalcanti, confusamente imbevuto di Cultura europea, nella Poesia giovanile abgewechselt tendenze Fra musicali e preraffaellite, aneliti alla concisione Classica e es Desiderio di ridare durezza consistenza e" "Alla poesia compromessa tardoromantiche sdolcinature Platte. E Seguace scopritore di T.E. Hulme, POI pro Breve tempo Segretario di W. B. Yeats, nel elaborò 1912-13 e lanciò I Principi della poetica imagista, da Cui wenn staccò quasi subito pro Dar Vita, Assieme hat W. Lewis, H. Gaudier-Brzeska e altri, Al vorticismo, che sostituiva alla Die fissità dell'Immagine im vorticoso Movimento immagine, e che im Tal senso Ebbe punti di Kontakt Col futurismo Italiano. Contemporanea è Die scoperta, Grazie agli appunti di E. Fenollosa da ihm Editi, dell'ideogramma cinese kommen möglich Mezzo Di Poesia, scoperta che Gli aprì Via alla poesia Maggiore. Alla Raccolta Cathay (1915) e allo Studio dei Nr. giapponesi (1916) seguiva nel 1920 poemetto Hugh Selwyn Mauberley, che rappresenta Es kulminiert della Poesia giovanile di Pound e tipico Beispiel Di quella forma", "sincopata basata sullo Staccato e sulla avrebbe giustapposizione, che Eliot applicato Alla sua Terra desolata Proprio in seguito alla sollecitazione poundiana. Già da qualche anno Pound aveva cominciato Der stesura della sua Oper Maggiore, quei Cantos che im Ursprung aspirare dovevano Al dantesco Anzahl di Cento e a cui Egli avrebbe dedicato tutta La Vita, creando una Summa poetica brillante e farraginosa, ispirata e confusa. Basati sul Guenther omerico della discesa agli inferi e sul Guenther ovidiano della Metamorfosi, ich Cantos vogliono essere ein compendio della Storia e della Civiltà Contemporanea, spaziando da METR greci hat provenzali METR, dal motivo Americano quello confuciano hat. Es Relativizzando Tempo, per Cui tutte le esperienze Sono contemporanee, e mescolando Lingue e Stili Alternativen (compresi Gli ideogrammi cinesi), Essi inseguono in una Panoramica storica, Mitologica, letteraria e autobiografica Franta e sconnessa Der incarnazioni del mostro dell'Usura, Visto da Pound kommen Sie Guenther negativo che unterbrechen flusso es lebenswichtig. Die progressione dei Cantos (16 nel 1925, 27 nel 1928, 30 nel 1933, 41 nel 1934, 50 nel 1937, 71 nel 1940) kulminierte anche nei poeticamente Pisaner Cantos (1948), alla ispirati prigionia del Poeta e Alla scoperta del Dolore: una sorta di Purgatorio hat Cui seguono barlumi di Paradiso intravisto Nella sezione Rock-Drill: 85-95 (1956), in der Throne, 96-109 (1959) E NIS frammenti pubblicati nel 1970. Sono forse der Oper più ambiziosa del Novecento Americano, ein coacervo di brillanti intuizioni confusioni e Politiche, di Momenti di altissima Poesia e oscurità incomprensibili, anche Pro die ECCESSO DI plurilinguismo. In quegli stessi anni Pound proseguiva Die SUA Opera di critico (das ABC des Lesens e es Neue, Del 1934; Leitfaden für Kulchur, 1938; Ich literarische Essays raccolti da Eliot nel 1954), di traduttore estremamente Libero meine acutissimo nel cogliere i Valori poetici (Konfuzius, 1947; Die klassische Anthologie, 1954; Übersetzungen, 1954) e di saggista politisch-economico. E radikale innovatore kommen teorico e Poeta, Mentor di Eliot e di Joyce, con Sue dottrine politiche oscurò Die SUA stessa visione Poetica. Die poesia del Novecento gli deve moltissimo sul Piano del linguaggio e delle poetiche Form; dibattuta Ancor oggi è Die qualità della sua riuscita.
Platerésco
Hinzufügen und Sm. (Pl. m. Chi) [Spanische plateresco, von platero, Silberschmied, Goldschmied]. Der architektonische Stil der starke dekorative Wirkung in Spanien in der ersten Hälfte des XVI Jahrhunderts bekannt. Seine komplexe Bildung beigetragen Elemente aus der Spätgotik, abgeleitet aus der italienischen Renaissance und der Französischen und von der Mudejar Kunst, sowie die üppige Geschmack für Dichte und akribische geschmückt aus der Schmuck abgeleitet. Der Begriff plateresco Tat am Ursprung angegeben Die elaboratissima Dekoration der Objekte aus Gold und Silber, und wurde mit Bezug auf die Architektur, die von Ortiz Zuñiga, platerescas Dekorationen der königlichen Kapelle in der Kathedrale von Sevilla definiert ist, angewendet. Beispiele Die meisten Charakteristisch für diesen Stil sind in Salamanca (Universität, 1516-29; Palast von Monterrey), Toledo (Krankenhaus von S. Cruz, 1504), Sevilla (Ajuntamento), Alcalá de Henares (Universität, 1540-53) und Guadalajara (Palacio del Infantado). " Siehe Gedea Kunst Bd. 6 pp 246-252" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 6 pp 246-252" zu vertiefen.
Das Lexikon
Sm. Und hinzufügen (pl. m. Chi) [XVIII. Jahrhundert; Prob. Mit dem Begriff baroco Schule].
1) Sm, Zeitraum des künstlerischen und literarischen, der geht von der vollständigen Klassizismus des 16. Jahrhunderts auf die Arcadia und in der Regel den Rationalismus, der Anfang des 18. Jahrhunderts.
2) auf literarische oder künstlerische Werke hinzu, dass dieser Stil oder einige ihrer Aspekte zu reproduzieren: barocke Malerei; ein Palast, eine barocke Kirche. Durch die Erweiterung, mit einem Farbverlauf spregiativa, üppige, künstliche, geschwollen, bizarre, ungeschickt: "Barocke Stage Coach überlastet der Ori, Flocken der Glocken" (Gozzano).
Literatur
Die Barocke in das Geschlecht war mit der Italienischen secentismo identifiziert, mit dem concettismo und mit der Spanischen gongorismo und, wie die historische Periode, in der Er zu manifestieren hatte, als grundlegende und typische im siebzehnten Jahrhundert ausgewertet wurde. Angesichts der exemplarische Charakter der Renaissance, von dem zweifellos für die Entwicklung der formalen Werte entstanden, und die innovativen Elemente oft impersonati in ausdrucksstarken Genialität und Ideenreichtum bizarre und launisch, war einfach die barocke von Leerheit und Interessen rein äußerlichen und capziosi Schuld. Seit dem siebzehnten Jahrhundert war das Jahrhundert der Gegenreformation und der spanischen Vorherrschaft in Italien, die kritische Literatur des Risorgimento, nachdem der Morgen Überlegungen der Aufklärung und der Arcadia auf Barock, hat die Vorliebe für formale Erfindungsgabe und Neuheitsrecherchen externen mit dem Mangel an Ideen im Bereich der politischen und sozialen und mit der Bewertung der Technik der Zeit als Spiel- und Hedonismus Ende in sich zusammenfallen. Von der Idee der Widerrufsbelehrung ist früh in der Geschichte der italienischen Literatur bestanden und in ihrer kritischen Einschätzung zu, daß der leeren Literatur und unfruchtbar, mit vollständiger Vernachlässigung der bildenden Kunst und Musik, wo auch mit Expansion in ganz Europa und Fin in Lateinamerika, sie bemerkt Blitze der Helligkeit Erfindungsreichtum und tiefen Sinn dekorativ. Für eine Auffassung von Kunst und Poesie streng verbunden mit der carducciano Klassizismus und die für die Beurteilung der Zivilisation verbunden mit den Gründen des Risorgimento in der Geschichte der italienischen Literatur von De Sanctis, Benedetto Croce ein Urteil negativ fast auf die barocke verstanden als secentismo, wenn nicht nur als Erweiterung der sich verschlechternden marinismo, mit Auslassungen, in genau untersuchen, darstellende Kunst und Musik in der berühmten Geschichte des Barock in Italien, 1929. Der Philosoph war jedoch, bevor Calcaterra, Jet und andere Gelehrte, der größten Kenner der Poesie und Italienische Briefe des siebzehnten Jahrhunderts; aus dieser Sicht, die Proben Proben und die neuen Assays auf italienische Literatur des siebzehnten Jahrhunderts, jeweils in 1911 und 1931, und die verschiedenen Editionen von Schriftstellern der Zeit, ohne genau die mehr Gefühl in seiner barocchismi, Basile de Lo Cunto (Gesicht in Italienisch vom Kreuz selbst als Pentamerone"). In dem Urteil oft negativ über die Gründe mehr flashy geräumig und in der Tat der Kultur, statt der Spiritualität, der barocken Literatur und Poesie, die kritische Position des Kreuzes ist von langer Dauer in der gleichen kritischen Italienischen Universität und sogar mit einer schlechten Bewertung des Beitrags der renommierten von Spanien, von der Renaissance hin zu neuen Eroberungen der Form bewegt: in Wirklichkeit bereits Karl Vossler, in seiner großen Verehrung des Kreuzes, konnte nicht akzeptieren das Urteil des Freund und war in Buchstaben dann in ihre Korrespondenz versammelt, die Bedeutung von Góngora und anderen spanischen Dichter. Die Verwendung negativer beurteilen das Konzept des Barock (im wahren Sinne des Bewegung merkwürdige und seltsame) nach Elemente der poetischen gongorismo (oder culteranismo) Spanisch, Französisch und Englisch preziosismo eufuismo hat manchmal der Begriff auf einen negativen Wert in der Geschichte der Kunst selbst reduziert wird. Und dies mit schweren Enttäuschung derer, die die barocke Architektur in Europa oder Lateinamerika bewundert und Sie verlassen die Faszination der Musik genau definierten Barock. Im Gegensatz zu diesem Trend negatrice oder zumindest Begrenzung, der barocken im Allgemeinen und insbesondere der Literatur (für entlang Zeit secentismo von Kritikern genannt) ist die Erhöhung des Katalanischen Eugenio D'Ors, die in seinem berühmten Buch, in französischer Übersetzung 1936 verbreitete, sah die barocke als Zeit Herr des Geistes und in seiner Typologie, die vantò im Gegensatz zum Klassizismus, verstanden als ein Moment der formalen Harmonie und, im Bereich der Kultur, euritmia. Viele Trends, die schon in einer bestimmten Weise zum Ausdruck von Wölfflin seit 1888 mit der Renaissance und des Barock und mit dem Aufstieg der neuen Trends Kritik an der Kunst als reine Sichtbarkeit verbunden, die Gelegenheit haben, polemisch zu manifestieren sich in die Fußstapfen von D'Ors für eine vollständige Bewertung der barocken Erfindungsreichtum, Geschmack für das Neue und das brillante, für die Ablehnung der Regeln mehr oder weniger Schule des Klassizismus. Wenn in der Vergangenheit Nisard könnte werfen einige Französische Romantik, wie der lateinische Dichter der Dekadenz, jetzt rühmen ist unregelmäßig Gründen aber Innovatoren mehr JahrhuKunst
Die Inkas Spuren hinterlassen bemerkenswerter ihrer Präsenz in allen Bereichen, in denen verbreiten. Bleiben überall viele Konstruktionen, Adobes an der Küste und in Stein auf der Hochebene, die immer Merkmale trapezförmigen Öffnungen haben. In der Gegend von Cuzco ist gebaut, mit großen Steinblöcken polygonalen (Bastionen, Stützmauern) oder mit Steinblöcken rechteckig (Gebäude). Die Architektur von Inca in allen seinen Maulwurf und Schönheit nach Machu Picchu, die wiedergefundene Stadt 1911 von Hiram Bingham sichtbar ist. Die keramische Inca glänzend polychrome und produziert Vasen und andere Behältnisse in exzellenter Verarbeitung. Im Hinblick auf die Metallverarbeitung, die wichtigste Neuerung war die Verbreitung der Verwendung von Bronze im ganzen Reich, aber die schönsten Objekte (Figuren, Ornamente, Schmuck verschiedene) sind in Gold und Silber; die Produktion war sehr groß zu sein und unschätzbaren Wert (man denke an den berühmten Garten an der Tempel der Sonne von Cuzco, mit Reproduktionen in Gold mit Figuren von Göttlichkeit, von Tieren und Pflanzen), sondern wurde weitgehend von der Spanischen zerstört. Werke spürbar wurden von den Handwerkern der Hof hat nicht nur im Bereich Schmuck und Keramik, aber auch in der Weberei und glyptic.
Definition
Sm. Spanisch (Anpassung der Arabischen mudeggian, s. von dagian, bleiben) in englischer Sprache als Sm verwendet. Und Hinzufügen (pl. MUDÉJARES). Name der Moslems von Spanien blieb treu zum Islam in die Gebiete zurückerobert von Christen; insbesondere: Mudejar Stil, der künstlerischen Produktion aufgrund der Muslime, die nach der Reconquista, weiter nach christlichen Grundsätzen zu arbeiten, verewigen die maurische Tradition.
Kunst
Die mudejar Stil, die oft convisse und mit anderen gemischt (es spricht von der romanisch-gotische mudejar Mudejar -, usw.) in der vielgestaltigen Rahmen der spanischen Architektur, in unterschiedlichen Zentren und Zeiten blühte: in Toledo im XII Jahrhundert, Valladolid, Guadalajara, Sevilla, Teruel und Zaragoza, Cordova in späteren, bis zu dem 16. Jahrhundert. In der Architektur der repräsentativsten Beispiele sind aus der Kirche S. Maria la Blanca (1405) in Toledo, von der Alcar (1364-78) und von der Casa de Pilatos (1492-1533) in Sevilla, sowie aus der spätgotischen tiburium der Kathedrale von Burgos (1568). Aber es ist vor allem im Bereich der dekorativen Künste, die Mudejar hatte eine außerordentliche Blüte; seine Zeichen sind jedoch sicherlich eine direkte Fortsetzung jener Moreschi, deren Tradition, obwohl mit Einsätzen der Gotik und der Renaissance, ist in einigen Sektoren bis jetzt durch die beliebte Produktion erhalten. Die Dekoration der Kapelle von S. Fernando in der Moschee von Cordoba (1258) und der Alcázar in Sevilla sind Zeugen der Mehr auffällige dieses Phänomen, dass, zumindest zunächst, seine künstlerischen Hauptstadt in Toledo. Die Gründe moreschi (Stalaktiten, Arabesken, Inschriften cufiche, Rauten) Sie oft vermischen sich mit der naturalistischen Pflanzen und Tiere der gotischen Stil. Sehr weit verbreitet war, die Holzschnitzerei die Pfosten, Regale, Stände, etc. zu schmücken, kombiniert mit Vergoldung und Farben, sowie die Verwendung von Keramik für die Wände, Hufe und Böden (typisch für Andalusien ein keramisches Mosaik sagte alicatado). Die Fabriken von Valencia warf die Mode der Azulejo, Blau auf weißem Hintergrund, während diejenigen von Manises und Malaga wurde Spezialisten in der Produktion von keramischen alustro. Waren beträchtlich und schließlich der Produktion von Waffen, die schmiedeeisernen, Leder, Stoffe, Stickereien und Teppichen; letztere ein wichtiges Zentrum der Produktion wurde Alcaráz (bis zum 17. Jh.).
Physiologie
Die Salzsäure hat erhebliche physiologische Bedeutung als Bestandteil des Magensaftes. Es wird von den Parietalzellen des Magens Drüsen in Konzentrationen, die in der Größenordnung von 170 mEq/Liter abgesondert wird, entsprechend 0,3-0,5%. In der Praxis sind diese Werte unterscheiden sich erheblich in Bezug auf die Intensität und die Art der Reize, die die Schleimhaut erreichen, die Rate der Magenentleerung, den Charakter der Diät, angesichts der Tendenz der Salzsäure mit dem alkalischen Radikale von Lebensmitteln zu reagieren. Auf der anderen Seite gibt es im Magen ein wesentlicher Mechanismus für die Anpassung, die die Sekretion von Salzsäure bei den Säuregehalt des Magensaftes die Grenzwerte überschreitet. Die Cl-Ionen? In den Magen von Schleimhaut Zellen mit einem aktiven Mechanismus gegen den Konzentrationsgradienten freigegeben. H+-Ionen sind ihrerseits durch die Dissoziation der Kohlensäure geliefert
Das ist in großen Mengen in die belegzellen aus der Reaktion von Kohlendioxid (CO2) und Wasser (H2O) katalysiert durch das Enzym Carboanhydrase gebildet. Loione HCO? 3 zurück in das Blut durch die Kombination mit dem Natrium zirkuliert. Die Säure im Magen Salzsäure hat mehrere Funktionen: verwandelt die pepsinogeno in pepsin, deshalb verleiht der Magen hat einen stark sauren pH-Wert (1-2) Geeignet für Verdauungs- Verdauung von Proteinen, und insbesondere für die Hydrolyse von Kollagen, stimuliert die Bauchspeicheldrüse Sekretion, mildert den Rohstoff Cellulose, befreit die dreiwertigem Eisen aus organischen Verbindungen Essen, so dass die Absorption. Von großer Bedeutung ist schließlich die antiseptischen Maßnahmen der Salzsäure auf die Mikroorganismen, die pathogen sind und nicht ausgeübt - Pathogene, die in großer Zahl den Magen erreichen.
Toxikologie
Gasförmiger Salzsäure ist sehr giftig für die Atemwege und verursacht Reizungen der Schleimhaut der Bronchien und Lungenödem. In konzentrierten wässrigen Lösung ist ätzend. Es sollte darauf hingewiesen werden, dass die kommerziellen Salzsäure giftiger ist als reine, weil von Arsen und viele andere Verunreinigungen in ihm enthaltene (siehe hypochlorhydria und ipercloridria).
Salpetersäure: Allgemeine Informationen
Die chemische Verbindung der Formel HNO3. Der Name leitet sich von der Nitro oder Salpeter die Benennung der Kaliumnitrat, von dem, durch die Maßnahmen der Schwefelsäure, wurde von den Alchemisten, die mit den Namen der Radierung angegeben. Die reine Salpetersäure wasserfrei und ist eine farblose Flüssigkeit, die dem Licht ausgesetzt wird, ist in Gelb für langsame Zersetzung in Wasser, Sauerstoff und Stickstoff Kohlendioxid gefärbt; dieser bleibt in der Säure aufgelöst, so dass es eine gelbe Farbe mehr oder weniger belastet wird. Die Salpetersäure ist mischbar mit Wasser in allen Berichten und bildet mit ihm ein azeotrop, enthält die 68,5% Salpetersäure hat eine Dichte von 1,42 und stellt einen gemeinsamen Salpetersäure, die auf dem Markt befindet. In wässriger Lösung die Salpetersäure verhält sich wie eine Säure fortissimo: in einem 0,1-M-Lösung ist in der Tat für 93 % dissoziiert. Die salpetersäure der Konzentration der Medien oder Konzentrat ist ein starkes Oxidationsmittel und legt schnell den Metallen, wie Gold, Platin und Iridium. Für bestimmte Metalle wie Aluminium, Eisen und Nickel Ätzen mit Salpetersäure sehr konzentriert verursacht die Bildung von einer Schutzfolie von Oxid, die verhindert, dass weitere Oxidation; verwendet mehr verdünnten nicht verliert seine Aktion. Auch nicht-metallische Elemente, wie z.b. Schwefel und Phosphor, reagieren mit konzentrierter Salpetersäure ist in den entsprechenden oxyacids verwandelt. Die Proteine, die in Kontakt mit dem konzentrierter Salpetersäure übernehmen eine Lebhafte gelbe Färbung (xantoproteica Reaktion), weil die darin enthaltenen Tyrosin in nitroderivatives genau in gelber Farbe umgewandelt wird.
Salpetersäure: Vorbereitung Methoden
Die Salpetersäure wurde bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts mit einer Methode im Jahre 1776 entwickelte vorbereitet, angefangen von natürlichem Natriumnitrat (Salpeter aus Chile). Die erste gewerbliche versucht, die atmosphärischen Stickstoff direkt in Salpetersäure zu transformieren und Nitrate Datum zurück zu Beginn des XX Jahrhunderts, mit der Anwendung der Methode Birkeland-Eyde, sagte auch, die Arc. Die Temperaturen der Photovoltaik arc der Stickstoff und Sauerstoff in der Luft zwischen ihnen kombiniert Bildung von Stickstoffmonoxid keine, die nach stark bis auf Raumtemperatur gekühlt oder etwas höher die Dissoziation zu verhindern, dann wird durch Luftsauerstoff mit Chlordioxid oder Stickstoffdioxid NO2 oxidiert. Die letztere, die in Kontakt mit Wasser, reagiert durch die Erzeugung von Salpetersäure und salpetrige Säure; die salpetrige Säure zersetzt sich sofort andere salpetersäure geben und Freigabe von Stickoxiden. Der Prozess ist in der Regel durch die Gleichung dargestellt:
Die Stickoxide so befreit wird mit Chlordioxid, der mit Wasser reagiert und so weiter, bis die vollständige Umwandlung der Stickoxide in Salpetersäure oxidiert. Die Methode Birkeland-Eyde einen sehr hohen Verbrauch von elektrischer Energie und damit notwendig, nachdem in Ländern, die eine große Verfügbarkeit von Energie aus Wasserkraftwerken zu niedrigen Kosten wie Norwegen hatte, es wurde zugunsten von Methoden zur Oxidation von Ammoniak aufgegeben. Die Methode durch den Ammoniak, realisiert im industriellen Maßstab in Deutschland von Ostwald, 1901, war es dann in der ganzen Welt verteilt und ist die einzige heute industriell angewendet. Besteht aus drei Phasen: Oxidation von Ammoniak, Lachgas mit Renditen von 95-98%
Werke
Die Idee, ein Gedicht auf dem Kreuzzug balenata war in den Köpfen der jungen Dichter seit 1559, bei seinem ersten Aufenthalt in Venedig, die von der Bedrohung der türkischen Überfälle entlang der Küsten des christlichen Europa unterstrichen, sondern auch aus der historischen Werte auf die Taten der Kreuzfahrer und aus dem persistenten Speicher von einem Besuch in der Kindheit zum Grab von Papst Urban II. an das Kloster von Cava dei Tirreni: So waren die 110 Oktaven des Gierusalemme, durch ein Gefühl der großen Symphonie durchdrungen, aber stilistisch boorish geboren. Die übermäßige Schwierigkeiten des historischen Epos, Rate unterbrochen Die Gierusalemme, in einer angenehmen Erfüllung in der Welt der Romantik der Ritter zu frönen, während das Streben, die eifrige über die Anwendung der Theorien der Giraldi Cinzio auf Ritterlichen Gedicht, dessen Einheit hatte durch die Anwesenheit eines einzelnen Protagonisten gewährleistet sein: So sah das Licht, in einer sehr kurzen Zeit, die Rinaldo, Gedicht in 12 Songs, in Oktaven, wo Sie den Unternehmen der Paladin kop Singen, entflammt von der Sehnsucht nach Ruhm und aus der Liebe zu Clarice. In der Arbeit sind bereits einige grundlegende Themen tassiani: Das szenografische Geschmack in der Episoden guerreschi, der Wechsel der Landschaften jetzt charmant und hell jetzt cupi und Finsternis, die Sense-trägen und morbide der Liebe, die Mesta Elegie des Todes. Die Rundfahrt heroische Fantasy Tasso wurde unterbrochen, um 1573 und der Priorität der Umgehung in Richtung einer Welt, die nur durch die instinktive Gefühl der Liebe durchdrungen: So wurde das Aminta, eine pastorale Märchen in einer unberührten Atmosphäre und mythischen, die in vollem Umfang den Hedonismus der Renaissance drückt entfernt geboren. Die Tragödie ist durch einen intensiven Wunsch nach Eintauchen in das Leben der Felder, die bis zu den anarchischen Erhöhung der Trunkenheit liebevolle geht durchdrungen, in der Kontroverse mit die Hemmungen, die Heuchelei des moralischen Gesetzes. Im Gegensatz zu den irrationalen und anarchisch, die zu dieser Arbeit gehört (definiert durch Carducci ein "Zeichen") statt der kritischen Reflexion, der in einer breiten Reihe von Schriften gedehnt wird, Jugend reden Der poetische Kunst, in drei Büchern, zu reifen Discorsi del poema Sinbad, in sechs Bücher, Allegorie der "Gerusalemme Liberata" auf die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", von den Überlegungen über drei Songs von G. B. Pigna zu Lektion über ein sonett von Bischof des Hauses: Diese und andere kleinere Schriften bilden zusammen eine Synthese aus Ästhetik im Zeitalter der Gegenreformation, das Prinzip der Rechtsstaatlichkeit, Grund, auf die Leidenschaft gegründet. Beachten Sie, dass das Alter, charmante und würdevollem dei Cavalieri für immer gegangen ist, steht im Gegensatz zu der Vielzahl der freien ariostesche Abenteuer der Einheit des künstlerischen Konzeption, in der Sie wählen müssen, wie in eine solide und robuste Architektur, die Vielzahl der Neigungen und narrative Bewegung. Andere Bedingungen sind die geschichtlichkeit der epischen Erzählung, die auf dem Grundsatz der Aristotelischen der Kunst gegründet als Imitation des Wahren, Austausch der alten klassischen Mythologie mit dem wunderbaren christlichen, das Streben zu einer erhabenen Literatur, dominiert von der Notwendigkeit der Einrichtung und eine große und herrliche "sprechen". Über die Wurzeln dieses komplexen poetische blüht die Gerusalemme Liberata, wo konvergieren in einer ursprünglichen Braid, heroischen Gründen und aus Gründen lyrisch, im Rahmen eines "Spirituellen bifrontismo" ständig über ein Doppel stilistische Register: von sinnlichen Ton und morbide Somit bewegt sich der Ton der energisch und aktiv, während zu Landschaften impietriti in einer Wüste Elend übernehmen strahlenden Himmel und gelassen. Die "heroische" und die "pathetisch" sind genau die beiden Register der tassiano Meisterwerk, personificati bzw. in Rinaldo und Tancredi: In der ersten, Symbol der Wunsch nach Ruhm, Rate der heroischen Menschenbild der Renaissance geerbt erhebt, während in der zweiten Ausdruck der unglücklichen Liebe wirft die Ängste und die tötung Ihrer "melancholische Stimmung". In Gerusalemme conquistata, Geweiteten, auf das Modell der Ilias in der 24 Songs ist klar die Absicht, die Romanze Aspekte der Arbeit zum Vorteil der romanzen der religiösen ANFRAGE VON KLIMA gegen den reformistischen und einige Verbesserungen expressive aufgrund einer mehr scaltrita Weisheit Technik um die Größe nicht für die strukturelle Komplexität und die rhetorische magniloquence der Wiederherstellung kompensieren können. In den letzten Jahren seines Lebens, könnten zum Teil erreichen, der Wunsch, in einer canzoniere, seine Verbreitung Opernproduktion zu sammeln: Im Jahre 1591 wurde in Mantua den ersten Teil der Rime, der liebevollen Charakter und, im Jahr 1593 veröffentlicht wurde, ging nach Brescia der zweite Teil, Charakter encomiastico (posthum die heiligen Lyrik, von marginalen Zinssatz erschien). In der Liebe Gedichte, besonders in Madrigale, Ton petrarcheggiante schmilzt im Geschmack der pathetisch und in den Genuss einer Musikalität, die Elemente der Realität verwandelt, risolvendoli in einem schmerzhaften Beteiligung der Natur zur Stimmung der Dichter; in der encomiastic Gedichte, durch Diagramme von Kostüm höfling und der literarischen Tradition auferlegt, sie machen sich auf den Weg, um einige der Akzente intensiver und traurigen Seele, aus der Entwicklung der Vergangenheit Unglück auf die Stimmung der Flüchtigkeit der Zeit, die in einem ergreifenden Welle von Tränen übersetzt. Die Jahre der Gefangenschaft von Sant'Anna Termine, wie gesagt wurde, die Mehrheit der 28 Dialoge, darin, auf eine lange TraditionBiographie
Der italienische Dichter (Sorrent 1544 - Rom 1595). Sohn des Dichters Bernardo und der Adlige Portia De Rossi, hatte eine Kindheit durch die unreifen Tod seiner Mutter und die ersten Erfahrungen des Exils getrübt: In der Tat in Rom, der Vater, der zu seinem Herrn treu geblieben war, Ferrante Sanseverino, Rebell, der Vizekönig von Neapel erklärt gefolgt, und begleitete ihn in demütigenden Wanderungen auf den verschiedenen italienischen Gerichte, die auf der Suche nach Gastfreundschaft und Arbeit; nach einem kurzen Aufenthalt in Bergamo, wieder zusammen mit seinem Vater nach Urbino, wo die herrlichen Gericht Guidobaldo II. della Rovere, die Buchstaben und die Ritterlichen Künste im Jahr 1559 angebaut, die er mit seinem Vater nach Venedig, wo er das erste Buch der Gierusalemme setzt sich bewegt; im folgenden Jahr ging er Nach Padua intraprendervi für juristische Studien und im Zusammenhang mit den berühmten Schriftsteller, wie S. Die spurs, F. Piccolomini, C. Sigonio eingegeben, die mit dem Namen von "REUIGEN", der "Accademia degli Eterei. In der Zwischenzeit führte er die Rinaldo, in Venedig im Jahre 1562 veröffentlicht, und schrieb Gedichte der Liebe für Lucrezia Bendidio und Laura Peperara. Im Jahr 1565 zog er nach Ferrara, in den Dienst des Kardinals Luigi d'Este, dann (1572) des Herzogs Alfonso II; von Prinzessinnen Lucrezia und Eleonora, Schwestern des Herzogs geschützt, Tasso lebte dann die Zeit menschlich mehr glücklich und textlich mehr fruchtbare seines Lebens: Während Sie weiterhin die Produktion von Liebe Gedichte und encomiastic begann das Aminta, die am Abend des 31. in der Insel des Belvedere auf dem Po vertreten war Juli 1573 zu komponieren, gab Anfang der Tragödie Galealto König von Norwegen und zu einem Ende gebracht im Jahr 1575 mit dem Titel der Goffredo, sein Meisterwerk, die im Jahre 1581 durch den Freund Angelo Ingegneri veröffentlicht werden wird, mit dem Titel der Gerusalemme Liberata. Aber die nervöse Spannung des Dichters, die bereits auf dem Prüfstand durch die fieberhafte kompositorischen Arbeit, nicht neu, anstrengende Arbeit der Revision des Gedichts widerstanden: literarische Figuren von ihm sottoposero den Text von Jerusalem befragt pedantesche Beschwerden der literarischen Charakter und moralischer, übertrieben Zweifel künstlerischen und religiösen Skrupel des Dichters, die auf eine echte psychische Ungleichgewicht gab. Nachdem sie entwickelt haben, in der Allegorie der "Gerusalemme Liberata" (1576), die dünne moralische Bedeutung für ihr Gedicht, bei der Prüfung der inquisitor von Ferrara, accusandosi der Ketzerei und allarmando, der Herzog, der gefährlichen politischen Auswirkungen, die einen neuen Skandal, nach, dass die von der Mutter Renée von Frankreich für seine Ideen calviniste, in der Kurie in Rom erzeugen könnte. Der Freispruch des Inquisitor seine Skrupel und seine Qualen: ein Tag, während er mit Prinzessin Lucrezia vertraute seiner Ängste, geglaubt, das Ausspionieren von einem Diener und die gegen ein Messer nicht beschwichtigen. Durch Herzog im Castello Estense getrennt, dann in das Kloster von San Francesco, die Flucht und gab zu Beginn seiner rastlosen Reisen durch die Halbinsel, jetzt dominiert von einer unheilbaren "Humor melancholisch". Ging nach Sorrent, an seine Schwester Cornelia, verkleidet als Hirten, und verkündet den Tod seines Bruders zu stellen Sie sicher, dass der seine Zuneigung; wieder in Ferrara (1578), ging dann nach Urbino, und nach einem Zwischenstopp in anderen Städten, in Turin. Im Jahre 1579 plötzlich wieder bei Ferrara, während die dritte Ehe des Herzogs Alfonso mit Margherita Gonzaga feiern: Denken zu vernachlässigt werden, proruppe in escandescenze gegen den Herzog, der ihn umgebenden wie verrückt an der Sant'Anna Krankenhaus, wo er für sieben lange Jahre gewohnt. In jenen sieben Jahren Rate, die er einen Appell an alle ihre geistigen Energien sein Würde des Menschen und seine Größe des Dichters (Handlung, die letztere, von Ausgabe fehlerhafter und unvollständiger von Goffredo, trat ohne sein Wissen im Jahre 1580 zu rehabilitieren): aus mehreren von 28 Dialoge und die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", mit dem Eingreifen in die Polemik auf der Priorität der Ariosto leuchtet auf oder vice versa, sondern um literarische Berufe der Klammer der Klarheit wechseln sich ab mit Momenten der Spannung psychische, erschreckend untergraben, indem Halluzinationen und Qual, in Briefen von tiefe Faszination hervorgerufen. 1586 Durch die Fürsprache von Prince Vincenzo Gonzaga freigegeben, ging nach Mantua, wo, als Hommage an seine neue Protector, schrieb die Tragödie Re Torrismondo (1587), die sich aus der Rückforderung von Galealto Jugend. Aber die Umgebung des Hofes nicht seduceva mehr Seele ernüchtert und der Dichter müde und im Oktober 1587 nahm er seine quälenden Wanderungen, auf der Suche nach Gastfreundschaft in Klöstern und in den Häusern der Freunde: der Schrein von Loreto, das Haus von Scipione Gonzaga in Rom (wo er schrieb Rogo amoroso), das Kloster der Olivetaner Mönche in Neapel (wo er komponierte das Gedicht Der Monte Oliveto), doch der Hof von Mantua (wo, zu Ehren des Herzogs Vincenzo Gonzaga, schrieb das Buch der Genealogie der Casa Gonzaga), das Haus von G. B. Manso in Neapel (wo die sieben Tage der geschaffenen Welt unternommen), das Haus von Kardinal Cinzio Aldobrandini, die er widmete, im Jahr 1593, den Wiederaufbau Von seinem Gedicht mit dem Titel Der Gerusalemme conquistata (im selben Jahr zurück die Tränen der Jungfrau und die Tränen Christi), das Kloster von San Benedetto in Neapel (wo, 1594, sah das Licht die sechs Discorsi del poema Sinbad) und schließlich das Kloster von Sant'Onofrio in Rom, auf dem Gianicolo, wo, wie er in einem berühmten Brief schrieb, "mit dem Gespräch Dieser divoti Väter", begann seine "Gespräch im Himmel".
Biographie
(Publíus Lat. Ovidíus Die Nase). Der lateinische Dichter (Sulmona 43a. C.-Tomi 17 d. C.). Der Pferdesport Familie kam Kind nach Rom für seine Studien und sofort aufgedeckt, in die Schule der Rhetorik, Poetik, seine Qualitäten. Es perfektioniert, wie s' verwendet wird, Athen, besuchte Kleinasien und Ägypten und Rückkehr in Rom trat er in den literarischen Kreis von Messalla Corvino. Er hatte viele liebt und drei Frauen, von denen die letzte treu zu den extremen geblieben. Er überzog einige öffentliche Ämter von geringer Bedeutung. Vielmehr den weltlichen Umgebungen, wo seine amourösen Poesie riscossero großer Erfolg dominiert; wurde in den Beziehungen zu den grösseren Dichter der Zeit: Il Castello, Tibullus, Orazio. In Richtung der 3d. C. in der Atmosphäre der augusteischen Zeitalter, wandte er sich an den mythologischen Epos und auf nationaler Ebene mit der Metamorphose und den Glanz. Es war im Laufe genau die Zusammensetzung der Fasti, wenn sich ereignete, in 8d. C., eine Bekanntmachung des Kaisers sofort Italien für Tomi Stadt am Schwarzen Meer verlassen. Die Gründe für die Maßnahme sind undurchsichtig: Der Dichter spricht mehrmals, aber immer so verwirrt oder vage, eine Anspielung auf die Tatsache, dass er ein Staat mit seinem "abscheulich" Gedichte "Master unbequeme Ehebrecher", und leichtfertig unterstützt, eine "Schuld" in einem Herrenhaus; zweifellos ein Handbuch als Ars Amatoria mit der Aktion moralistische und nationale Wiederherstellung durch den Kaiser verfolgt gegenüber. Ein Jahr nach Ovid sbarcava zu Tomes, Dorf am Meer, zwischen den Barbaren und Eis. Poetò noch: Bejammert, Petitionen, die mehr als alles andere in der Hoffnung die Rücknahme des Erlasses des Augustus zu bekommen, aber unnötig, und Tomi der den Tod besiegt hat.
Die Werke
Die Produktion von Ovid hat uns fast die gesamte erreicht. Vor seiner Arbeit der Teenager waren die Amores (Liebe), Sammlung von elegien in fünf Bücher, dann auf drei reduziert werden, zu Ehren eines Corinna, griechische Namen wahrscheinlich einen fiktiven Charakter. Fast gleichzeitig mit dem Amores wurden aus den Heroides (Epistulae), Sammlung von 21 imaginäre Briefe: die ersten fünfzehn sind in der Form der Wehklage von Heldinnen des Mythos und der Geschichte zu ihrer Liebhaber geschrieben, die letzten sechs drei Paare, Briefe der Helden ihrer Frauen und Antworten auf diese letzteren bilden. Der Höhepunkt der Elegie Erotik ist die anschließende Ars Amatoria, ein Gedicht in drei Bücher lehrreich, wie Mann die Frau erobern kann, und halte es und wie die Frau geliebt zu werden. Der Kontrast zwischen dem Engagement der Kunst und die frivolität der Materie kommuniziert ein intelligentes Brio bei der Arbeit, auf die sich die kurze Broschüre (wenig mehr als 800 Verse) von Remedia amoris, auf Wege loszuwerden, eine Frau oder ein Leidenschaft belastend, und ein elegisches Gedicht, Sie haben hundert Verse, auf Kosmetik der weiblichen Schönheit (Medicamina Faciei) gefolgt. Die anschließende Metamorphose eine große Gedicht in 15 Büchern, die in esametri, bestehend aus etwa zwei hundert Geschichten von mythologischen trasmutazioni (Männer in Tieren oder Pflanzen mutierte), ein, in dem unerbittlichen Verbreitung von den anderen reproduziert. Das Thema der Transformation hatte bereits die alessandrini betroffen; es war die Vision von einer instabilen Welt, eine Wirklichkeit, die in ständiger Veränderung. Die ruhelose Persönlichkeit von Ovid, wenn er fühlte sich angezogen, sowie seine Inspiration vielgestaltige, seine visuelle Phantasie und seine poetische Kunst, bestens Vertreter, fähig und durch die schwierigsten Situationen versucht. Die Metamorphose sind sein Meisterwerk: Der Erfolg in vielen dieser Episoden, die in der kontinuierlichen Variation des gleichen Themas, seine poetischen Genius Test, aber es zeigt den Grenzwert in der Kunst ganz außen. In einer Reihe von Episoden ist auch das letzte und unterbrochen Opera Romana von Ovid, der Glanz, in dem der Dichter vorgeschlagen wurde systematisch zu singen, in 12 Bücher in distici elegischen Insertionen, Feste der zwölf Monate des Jahres; konnte nicht schreiben, dass sechs, von Januar bis Juni, vor dem Exil. Zu Tomi Ovid zwei andere Sammlungen von elegien, die fünf Bücher Tristia, eine Reihe von Buchstaben ohne Angaben des Empfängers, in der vom 8. bis 12., beschrieb die Geschichte seiner Verurteilung, die Bitterkeit und die Verzweiflung der Einsamkeit und Abgeschiedenheit von Tomi; sie wurden von den 4 Büchern Epistulae Ex Ponto gefolgt, nicht anders in Ton aus der ersten, aber mehr träge, jede in einen besonderen Charakter. Abschluss der Produktion ovidiana Invektiven Ibis und ein Gedicht über die Fischerei und Fisch (halieutica), von denen es bleiben esametri 135. Das Glück von Ovid in den Jahrhunderten war immens Seit der Kaiserzeit; im Mittelalter wurde er zusammen mit Virgilio, der Klassiker lesen Sie mehr und imitiert. Lesungen von Ovid ist Dante, Petrarca, Boccaccio, Chaucer, der Dichter der Renaissance ernährt. Sannazaro, Boiardo, Ariosto, Tasso ne zeichnete mehr als ein Grund oder erotische idyllische; Ovid war unter den bevorzugten Lesungen von Shakespeare und seinen manierismus war ein Bestandteil der Geschmack des Barock; Góngora und Marino fühlte es sich nachdrücklich den Vorschlag sowie später hörte ihn sympathisch D'Annunzio.
Das Leben
Der italienische Dichter (Florenz 1265 - Ravenna 1321). Wurde von alighiero Bellincione von und nach Nizza in einer Familie von kleinen Adel Stadt (die Ur-Ur-Großeltern Cacciaguida, Ritter von Konrad II., in der Kreuzzug von 1147 gestorben war geboren) nicht mit großen Ressourcen versorgt. Verloren in der Kindheit der Mutter, von 1277 versprochen, Gemma Donati (die Ehe fand um 1285), lebte der Kindheit und Jugend in der üblichen Berufe für junge Menschen seiner Umgebung: Grammatik Studien und rhetorische, literarischen Freundschaften, Treffen mit Persönlichkeiten der etablierten Kultur der Zeit. Dazu gehört an erster Stelle die Guelfo Brunetto Latini, maximale Exponent der rhetorischen Kultur enzyklopädischen - des dreizehnten Jahrhunderts, die durch die Offenlegung in Florenz der Französischen enciclopedismo. Andere kulturelle Komponente der Zeit, die sogenannte poetische Schule "Sizilianische", und dann von der lyrischen Dichter - siculo Toscani, unter denen hatte große Höhepunkte der künstlerischen Persönlichkeit des Guittone d'Arezzo: Lesungen für diese Art das erste Mal poetische von Dante und der disposero zu grundlegenden Begegnung (1283) mit einem anderen Dichter beeinflusst, bereits bestätigt und mehr Alter, Guido Cavalcanti, definiert in das neue Leben "Freund". In diesen Jahren die literarische Erfahrung und das Leben des Dichters erhielt einen ursprünglichen Eindruck und bleiben durch die Begegnung mit Beatrice Portinari: entscheidenden Moment, deren Bedeutung durch das neue Leben erklärt wird. Der Tod seiner geliebten Frau (1290) und die Suche nach einem Komfort zu ihrem Schmerz Dante zu einem tieferen Meditation ging und eine umfangreichere Studien der Philosophie, die schon bald (1295) die Beteiligung am öffentlichen Leben gefolgt. Er hatte bereits die Gemeinde (1289) Kampf um Campaldino (gegen Arezzo) und Caprona (gegen Pisa); aber, im Guelfa Florenz in schwarz Teil aufgeteilt (durch die mächtigen Donati geleitet und vom Papst unterstützt) und Weiß (geführt durch Kreise, moderater und Verfechter eines autonomen Policy), Dante, spontan die Einhaltung der Weißen und gegen die Einmischung von Bonifatius VIII. im Leben der Stadt, primeggiò unter den Führern des Florentiner Politik. Botschafter der Stadt San Gemignano und vor 1300 war die Botschaft, die dem Papst im Jahre 1301, als Karl von Valois (offiziell paciere zwischen den Parteien, sondern versteckte Verfechter der gespendet) in Florenz angefahren gesendet. Mit der Eingabe von Charles in der Stadt die schwarzen Kraft gewonnen: 1302, warf der baratteria, Dante war vor dem Exil verurteilt und dann zum Tod. Der Bandit, war er einer der Unterzeichner, in San Godenzo, der Bund mit dem Ubaldini zu Krieg in Florenz; suchte daher Beihilfen für die Vertreibung in Forlì und Verona und schließlich hoffte, unnötig, an der Befriedung der Parteien im Jahr 1304 von Kardinal Nicolò da Prato versucht. Von den Begleitern getrennt und nicht in einem bewaffneten Versuch gegen Florenz (die Platte, Juli 1304) teil und begann die einsamen Wanderungen für jeden Teil von Italien. Zwischen 1304 und 1306 wurde in Bologna: Es berücksichtigt die De vulgari eloquentia und die convivio, die Markierung der weiter vergrößern und kulturellen Interessen und Zivilisten vertiefen zu komponieren. Nach einem Aufenthalt in Lunigiana an der Malaspina (1306), Dante wurde in Lucca (1308), dann im Casentino. Im gleichen Jahr wird die Wahl des Heinrich von Luxemburg zu Kaiser hat wiedergeboren die Hoffnungen einer Exil, davon überzeugt, dass das Desinteresse der Vergangenheit Kaiser und längerer Urlaub des Reiches wurden Determinanten der politischen Ordnung und Moral von Italien und Europa darstellt und dass die kommenden in Italien von Henry VII. Würde wieder Ordnung und Frieden haben. Aber der Tod von Henry (1313), danach seine Mission war, darüber hinaus von Florenz, von der päpstlichen Kurie und der König von Neapel, troncò jeden Traum von Frieden, und Dante, um 1316, in Verona an Cangrande della Scala repariert, und später in Ravenna, an Guido da POLENTA: Hier vollendete er die Komödie und hier überholte er ihn zu Tode, am 14. September 1321.
Der Jugendliche arbeitet und die Reime
Charakter von Franca tutorial, vor allem sprachlichen und Metrisch, haben zwei literarische Kompositionen zu Dante in Kraft der Stil zugeschrieben, die Detto d'amore und die Blume, die im Rahmen der ideale Lektion von Brunetto Latini geboren. Die sagte, Gedicht in distici von sieben verstümmelt - Silben sind gereimten Couplets, ist Jugend Überarbeitung eines Teils des Roman de la Rose. Mehr spät, weit mehr spigliato, die meisten Atem, die Blume, "Krone" von 232 Sonette, parafrasa und fasst Fähigkeiten mit den Parteien die Erzählung des Römischen gleichen omettendone, die Lehrmäßigen Abschweifungen, aber nicht die Ideen umstritten. Die erste Arbeit von unbestrittenen Vaterschaft und Inhalt absolut original ist das neue Leben (Ca. 1293), das sammelt 31 lyrics in einem Frame der Prosa, eine Feier der des Dichters Liebe zu Beatrice, und ist nicht nur der erste autobiografische Roman unserer Literatur, aber auch das Manifest des persönlichen Konzeption, der zwar innerhalb der stilnovo, Dante von Liebe und Poesie hatte es inspiriert. In der ersten und zweiten Sitzung mit Beatrice, die wundersame Wirkung von seinen Gruß und Leiden für den Verlust, die interiorizzarsi des Gefühls, die Vorahnung, dass der Tod des geliebten und der Qual für sein Verschwinden; unter Hinweis auf die Suche nach Trost in der Liebe eine "freundliche Frau" und den inneren Kampf, dass es bis zu den siegreichen folgt Durchsetzen der Gedanken von Beatrice und die Absicht, ihr "Was Nie fue sagte d'Nein', Dante legt den Grundstein für die Zukunft die ersten Kern der Komödie zu sagen. Gleichzeitig überschreitet die Art und den Inhalt der stilnovo, Erarbeitung der eigenen Konzept der Liebe, der nicht nur die Frucht des geistlichen Adel und eine Quelle der inneren Erneuerung, aber absolute Gefühl, das sich in seine eigene Belohnung findet und eröffnet das Wissen (analog) des Göttlichen, durch die Betrachtung der Vollkommenheit und Schönheit des geliebten Menschen. Für den besonderen Charakter, die das neue Leben übernimmt in seinem menschlichen Rundfahrt und poetische von Dante, es ist nur ein Teil der Gedichte in der Dekade 1283-93 enthalten. In anderen Reime (die Produktion endet um 1308), ein Moment und sicilianeggiante guittoniano, durch eine provenzalismo Weise zu kennzeichnen, passieren die Zeugnisse der Beitritt des Dichters zu stilnovismo, erste generische und Schule, dann scopertamente cavalcantiano, dann die Einhaltung der Module des großen Maestro, guinizzelli. Andere Reize ist beispielsweise die "tenzone mit Forese Donati (Ca. 1293-96), realistisch in den Formen und stechend in Inhalt: it, fällt die Hypothese der apocrifità, bleibt als Beweis von Geschlecht und Sprache, bemerkenswert an sich und für die zukünftige Verwendung in der Komödie. Die modernen Liedern allegorische Lehre und (einschließlich der drei dann kommentiert in der convivio), während wieder durch stilnovistica thematische und guinizzelliana (mit Aszendenten guittoniane), zeigen einen neuen Dante, dass Dichter von Tugend und Wissenschaft, während in der Rime reich Zweideutige und von "PETROSE" (modelliert, mit offensichtlichen technischen Darlehen und thematische, auf Trobar clus der provenzalischen Arnault Daniel) eine hohe Forschung in Kunst und Stil, die das Thema einer brennenden Leidenschaft Trigger wird nicht bezahlt. Die allegorische Titel lehrmäßige und binden zurück viele der Kompositionen des Exils (einschließlich der Song auf Gerechtigkeit drei Frauen), Zeugen einer vollen Besitz der Stil und starken moralischen und zivilen Engagements. Aber nicht ganz verschwinden die alten Themen: Setzt die poetische Korrespondenz mit Cino da Pistoia (bereits vor dem Exil), liefert mit seinem Song "Montanina", die Darstellung der Liebe despotischen in Toni stilnovo; das letzte Experiment schließt (wenn Sie vernachlässigen zahlreiche Rime zweifelhafter Mittel) die lyrischen Zyklus von Dante Alighieri, wichtig, nicht nur für das Verständnis der Persönlichkeit des Autors (zu experimentieren und Spielen, die ursprünglich die Formen und Inhalte poetische Verschiedene stärker gedehnt), sondern auch für das künftige Verhalten der italienischen Oper.
, die von den Dialogen von Plato bis zu den Abhandlungen der Renaissance kamen verweisen, Adressen der viele politische Probleme, moralische, ästhetische, weltlichen, dann stark in den Gerichten debattiert: Fehlt sicherlich, die in diesen Schriften, ein original spekulative Haltung und das Wackeln der Schriftsteller zwischen Platonismus und aristotelismus sind häufig; die besten Dialoge sind diejenigen, in denen wir direkt ausdrücken die autobiographische Vorschläge, wie der Vater der Familie, zu der der Gefangene von Sant'Anna seine Sehnsucht Sehnsucht nach einem ruhigen inneren Frieden anvertraut. Ein Novum in der literarischen Produktion des sechzehnten Jahrhunderts wird durch die Tragödie Re Torrismondo, im nördlichen Land überträgt der Grund classic incestuose Hochzeit gekennzeichnet. In der geschaffenen Welt, schließlich Kurs drückt den Zustand des Menschen vorzeitig gealterte und in dem Wunsch, Ruhe und Frieden. Im Jahr 1976 wurde durch E. der Kranken, eine Komödie zugeschrieben, Intrichi d'amore veröffentlicht: Nach dieser eine Kontroverse zwischen den Gelehrten, von denen einige die Vaterschaft des Tasso Komödie verweigert wurde geöffnet hat.
nderte als positive Elemente zu den Erfindungsreichtum des menschlichen Geistes, vom alessandrinismo bestimmte Tendenzen des Mittelalters in verschiedenen formalen Errungenschaften, von Natura morta in der Malerei zur Gartenarbeit künstlerische, auf die Dekoration der Juwelen und die Witze, die in der Musik. Etwas unregelmäßiger sowieso besteht in der Barock, ab dem Ende von vor einigen Jahrhunderten gekennzeichnet ist: Es reicht von barrueca, pearl seltsame Form und in jedem Fall nicht perfekt rund, oder das Adjektiv französischen Barock (Herkunft spanisch-portugiesischen), um die traditionelle italienische baroco verbunden zu werden (von der scholastischen Philosophie des Mittelalters abgeleitet). Auszunehmen, wäre "Arten von Verschleiß" werden (von Cheater), das auch als "Täuschung" zitiert. Und es sollte auch beachtet werden, um die Hypothese (zweifellos gewagt), die sich mit spanischen barrueco berrueco oder Gedanken, jenseits der unregelmäßigen Perle oder scaramazza, zunächst auf "steilen Klippe" (und es war einfach das Beispiel des Rokoko aus dem Französischen rocaille zu verbinden). Was auch immer der Ursprung des Namens Barock, erste verstanden durch die Rationalisten und neoklassischen aus dem achtzehnten Jahrhundert, als freak und Extravaganz, es ist sicher, dass seit einigen Jahren die Prüfung der Kunst und Literatur der einen großen Teil Europas, zwischen dem vollen Cinquecento und Beginn des achtzehnten Jahrhunderts, die Währung im positiven Sinne Manifestationen einer Zivilisation, die auf Neue Gesehnt und die höchste Achtung und Wertschätzung kritische (und nicht nur die Frage des Geschmacks in der Sphäre des Hedonismus) in der Phantasie, im Östrus, auf der Suche nach dem Neuen. Diese Bewertung ist umso notwendiger, wenn man berücksichtigt die Entwicklung, dass der Barock in der Welt im Schriftverkehr an die Kultur der einzelnen Völker hat und auch in seinen eigenen Grenzen erfinderisch, in England, wo die Renaissance in seinem Wert der Zivilisation perfekt im Geschmack der Unternehmen verliehen wurde und in der Verehrung der Form, fast wie eine oberste Eroberung des petrarchismo. Bereits sagte, dass in der italienischen Literatur der prebarocco Geschmack der Begründung des Aretino, Fantasy, die theatralische Rhetorik der Tür und vor allem mit den begleitenden Veranstaltungen sehr Polemik gegen den Klassizismus, des literarischen Naturalismus von Bruno die Unmöglichkeit, in einem einheitlichen alles, um auch die Errungenschaften der Hochrenaissance betrachten; erst recht die französische preziosismo mit Akzenten genuin barocke dichter Hugenotten und Katholiken, die metaphysischen dichter Englisch (Definition berühmten dryden) und andere Autoren in der barocken lebenswichtige Forschung der Neuheit bestätigen und desto besser der Schöpfung im Erfindungsreichtum und im Genius außerhalb jeder Regel darstellen.
