zeichnen. Von stolz, Corneille vertieft seine Qualitäten poetische mit kritischen Grundsätze, von denen sich der Glaube seine Reden und seine Vorworte und die gleichen Examens, mit denen begleitet die Veröffentlichung der Werke. Die gültige Antwort greift die mit neuen Tragödien ausgelöst haben. Zwei in nur einem Jahr (1640): Horace (Horace) und Cinna. Horace ist wieder einmal das Drama der Liebe und die Pflicht, für die Empfindungen, die duellisten (Horatii und Curiatii) binden an Frauen der gegnerischen Familien. Corneille es zum Richelieu gewidmet, vielleicht mit einem Anflug von Ironie, vielleicht, um zu zeigen, dass die drei "Einheiten" (Met) nicht verhindern konnte ihn arbeitet gleichermaßen gültig zu erstellen. Auch Cinna, durch die Abhandlung De clementia Seneca inspiriert, war erfolgreich. Aber auf jeden Fall die Oper mehr hoch, nachdem die Cid und in der Tat für die Kritik, das Meisterwerk im absoluten Sinne, ist polyeucte (1642), zweifellos als die "Canon" der Tragödie corneliana. Die Angelegenheit wurde Corneille aus historischen Surius zur Verfügung gestellt worden. Polyeucte ist die christliche Drama der Liebe Gottes triumphiert über die menschliche Liebe und des Sieges der religiöser Gefühle, die in der Liebe mutiert ist ein Gefühl der ehelichen Treue. Ein Jahr nach der Darstellung von seinem Meisterwerk Corneille in Szene La Mort De Pompée gelegt hat und menteur, zeigt er sich offen in der zweiten und in der Suite du Menteur, comedy thema. Es ist eine zutiefst fruchtbare für die Dichter, der im Jahre 1644 schrieb und vertreten Rodogune und, später, Héraclius (1646). Sein Ruhm hatte groß geworden. Ihn an der Akademie (1647) gewählt, dann schrieb Nicomède (1651). Ein Jahr nach dem Sturz von Pertharite nehmen ihn überrascht und die avvilì. Er kehrte nach Rouen, wo er an der Übersetzung der Nachfolge Christi arbeitete als Entlastung von ihre Sorgen Familie sposatosi (in 1640, hatte Söhne von Gesundheitsstörungen, die Ihm nicht ein paar Schmerzen und dass die premorirono). Er widmete sich gleichzeitig für eine Gesamtausgabe seiner Werke zu kümmern. Kehrte er an das Theater nur im Jahre 1659, auf Einladung der Betriebsleiter Fouquet, und hatte Erfolg mit Edipe. Der Aufenthalt in Paris, Corneille ist vollständig verstanden, dass die Zeiten sich geändert wurden: die Grüne Jugend war vorüber und mit ihm die Herrschaft von Louis XIII und der Suk-cessiva Regentschaft von Anna von Österreich. Jetzt mit Ludwig XIV. und Die neue Klassik in der Kunst und Literatur, das Gericht und die Öffentlichkeit bevorzugten Quinault und Racine. Eine poetische Welt neue genommen hatte, der Ort der basieren, wie die großen Vorbilder der Antike, auf den Kontrast der Leidenschaften: Grund lieber zu Corneille, deren Tragödie definiert wurde Theater der Wunsch und die Pflicht. Er fuhr fort, ohne mehr zu schreiben, aber der Scheitelpunkte von polyeucte und Cinna. Der Stil des Einen, der als einer der größten Dichter Frankreichs und erstrahlt in seiner ganzen Kraft auch in anderen Werken: la Toison d'Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), (1672), Pulchérie Suréna (1674), mit dem er seine Aktivitäten als Dramatiker weg für immer vom Theater geschlossen; zehn Jahre nach seinem Tod in der allgemeinen Gleichgültigkeit. In Corneille, wo Gefühl und Stolz als unersetzliche Qualitäten von Individualität das höchste Opfer dargestellt, und vielleicht mehr in der Rhetorik, die im eigentlichen Sinne tragisch, Frankreich oft reflektiert hat, für ein Festhalten an der psychologischen Leben der Mensch zu jeder Zeit, aus literarischen Theorien.
Der spanische Maler (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 - Madrid 1664). Er in Sevilla geschult, und das lebhafte Zentrum von einem figurativen Kultur der realistischen Natur. 1617 eröffnete er sein eigenes Geschäft an Llerena, in der Extremadura, aber 1629 ließ er sich zurück nach Sevilla und blieb dort (mit Ausnahme bei einem Aufenthalt in Madrid im Jahre 1634) bis 1659 Ca. Wenn reduziert, in extremer Armut, zog er nach Madrid, wo er vergeblich im kulturellen Klima der Stadt eingefügt werden ausprobiert. Die Aktivität von Zurbaran ist esplicò fast ausschließlich in der Produktion von heiligen Bilder in sehr hoher Zahl (Ca. 600) und die Qualität manchmal nicht erhaben, zum Teil aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Mitarbeitern, teilweise in Momenten der Krise des Malers, vor allem in den letzten Jahren des Lebens, wenn es von seinen Zeitgenossen zugunsten von Murillo weitergegeben. Der Stil von Zurbaran umfasst sowohl der Naturalismus typischen sevillanischen, entwickelt und auf die höchsten Ergebnisse für die Verwendung von Farbe geholt, immer klar und strahlend auch in dunklen Tönen; sowohl die disegnativa Tradition des Manierismus Spanisch, was der Maler seine Kompositionen in den Gestalten der ersten Etage zu lösen, trägt, von eleganten Konturen und Schneidezähne, deutlich von der neutralen mittel oder dunkel getrennt, außerhalb jeder historischen Ambiente. Die meisten seiner Werke wurden als hingebungsvolle Zyklen für Kirchen und Klöster von Sevilla und andere spanische Städte (derzeit unter verschiedenen Museen verstreut), aufrichtig Teilhaber der religiöse Gefühl beliebt (Gemälde für die Merced Calzada in Sevilla, 1629 durchgeführt; Gemälde für Nuestra Senora de la Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). Die berühmte Reihe von Heiligen, die Pierce durch misticheggianti cues Feier dekorativ Elegant. Um 1633 Zurbaran widmete sich auch für eine kurze Zeit zu Natura morta, eines der größten Meisterwerke des Genres, der absoluten Reinheit: die Schale der Zedern, ein Korb mit Orangen und Schale mit Rosa (1633, bereits in Florenz, der Contini Bonacossi Sammlung, von 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Stiftung). Der Einfluss von Zurbaran, eher in Spanien beschränkt, wurde stattdessen riesige in Lateinamerika, vor allem in Peru, wo der Maler zahlreiche Werke im Zeitraum 1640-58 gesendet.
Murillo, Bartolome Esteban
Der spanische Maler Sevilla (1617-1682). Die künstlerischen Anfänge von Murillo, die im Wesentlichen an die Stadt Weihnachten ab, zuerst als Student der mittelmäßigen Juan del Castillo, als eigenständige Maler, sensibel für die Kunst von Ribera, Zurbarán, Velázquez; den Jugendlichen arbeitet, Stark im Design und modelliert, aber wesentlich kleiner Vorlagen, die auch der generischen caravaggismo schwebt in Spanischer Sprache zeigen. Kontakte mit der italienischen Malerei, durch B. Die Cavallino und A. Vaccari, flämischen und (vielleicht besucht der königlichen Sammlungen während einer Reise nach Madrid im Jahre 1648, wo er die Werke von Rubens und Van Dyck studieren konnte), trieb eine ursprüngliche Bedeutung des colorismo Veneto, tritt eine leichte Verwendung tief szenografische und Barock. Diese Zeichen erscheinen bereits in der elf Gemälde mit Wunder der franziskanischen Heiligen für das Kloster der gleichnamigen Ordnung in Sevilla (1645-48), heute zerstreut und in der Geburt der Jungfrau (Paris, Louvre), triumphal Anfänge einer langen Tätigkeit im Dienst der Bruderschaften und Ordensgemeinschaften, innerhalb dessen Murillo erwies sich als aufrichtiger Dolmetscher und überzeugend der Mystik counter-reformistischen. Die Bedeutung realistisch sanft, beliebte Volksmusik und kommunikativen der Heiligen Episode, zunehmend in den Werken reif (Zyklus für das Hospiz der Caritas in Sevilla, Ca. 1670-80: die Heilung des Gelähmten am Pool, London, National Gallery; die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Washington, National Gallery), verbunden mit der Raffinesse der Farben und eine hohe Qualität der formalen, der Kompositionen von Murillo Themen Die beliebtesten religiösen oleografia (denken der unzähligen Versionen von der Unbefleckten Empfängnis, von denen einige in Madrid Prado), das gekommen ist, zu verändern, in der Abnutzung des Bildes, die real und hohem künstlerischen Wert ermöglicht haben. Die Zyklen der Gemälde der Gattung popolaresco (Jungen, die Frucht essen, Monaco, Alte Pinakothek Galizisch, das Fenster, Washington, National Gallery), effektiven Öffnungen auf der Schelmenroman Welt, ein Genre destinatoa großer Erfolg eröffnet bis zum achtzehnten Jahrhundert vorgelegt, und die Porträts der naturalistischen Einstellung (Gentleman mit Kragen, Madrid, Prado), zur Klärung der tiefste Inspiration des Künstlers, die darauf abzielt, die Ausdrucksmöglichkeiten der Farbe zu verbessern, manchmal mit compiacimenti tugendhafte beitragen wird. " Siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" zu vertiefen.
Das Lexikon
Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko.
Kunst: in Frankreich
Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard.
Kunst: In anderen Europäischen Ländern
Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil dTheater
Ein interessanter Aspekt des Barock ist vom Theater, vor allem in Frankreich gegeben und teilweise auch in Italien: mit Forschung Prunk, Sinnlichkeit, der entfesselte Leidenschaft, von schrecklichen Szenen, spektakuläre Effekte, Überraschungen. Es ist offensichtlich eine Entwicklung von Gründen von Theater der Renaissance (Einfluss von Seneca) in der Studie von Leidenschaften und auf der Suche nach heftigen Nebenwirkungen, makaber oder unmoralischen incesti (inklusive) auch in Werken der moraleggianti Trends. Politische stolz, ungezügelte Leidenschaft (auch auf Seiten der Frauen) zu Extremen oft in einer verschwenderischen Szenario sind die "Wunder", die so viel mehr "Wow" mit dem Spektakel der abgeschnittenen Köpfe auf der Szene, unerwartete Auszeichnungen, etc. Typische theatralische Werke Barock sind die ermenegildo von Emanuele Tesauro in Italien (und, für einige Element, das Adam Andreini), und in Frankreich Scédase von A.Hardy, Charite von Poullet, Machabée der Virey du Gravier und Saint Vincent von Boissin de Gallardon. Der visuelle Effekt s Die barocke Sprache der Zeichen auf der Szene begleitet, während in Werke mehr hoch, mit einem durchdringenden Sprache, wenn auch imaginifico, das zentrale Thema erscheint oft im Spiel der Kontraste zwischen Fiktion und Realität, zwischen Traum und Leben. Denken Sie an die Tragödie elisabettiana, Shakespeare, Molière, Racine, Calderón und seine berühmte Komödie La Vida es Sueño und alle spanischen Theater. Von der neuen poetische Welt künstlerische und wären dann abgeleiteten Regeln für eine neue Poetik werden; der Geschmack, jeder Art und Weise würde immer erwartet die Regeln. Auf diese Weise wird die barocke machte sich eine Anforderung der modernen Poesie, dass der autonome Schöpfung und spontan, nicht in seinen tiefen Sinn der Natur ausgeschlossen, dass viel von hedonistischen, die sich auch im Bauwesen und in der Kunst des Hauses offenbart und den Weg für alle Anforderungen der Moderne, in einem Kampf mit der Zeit. Es war das Bewusstsein, dass auch die Kunst und Literatur der menschlichen Arbeit und dann verbunden mit die Wechselfälle der Welt, mit der Pracht der Entdeckungen und mit der Erwartung des neuen Glories. In diesem Erfordernis der Barock ist durch moderne als einer historischen Periode, die neuen Entwicklungen gehört hat, auch in der Romantik (selbst wenn dieser als formal Fach jeder Erneuerung verurteilt für zu eng an das Diktat der Aufklärung und des Rationalismus des 18. Jahrhunderts). In der Tat viele Aspekte der Romantik und moderne Poesie kann nur mit den Räumlichkeiten des barocken erklärt werden.
Kunst: Allgemeine Informationen
In der gegenständlichen Kunst union, Schritt chronologisch zwischen Manierismus und, dass das Endergebnis der barocken selbst, war das Rokoko (17. Jh. und Anfang des XVIII). Ausgehend von der manierismus sie skizzieren können eine Genese des Barock (Generika unbedingt Angesichts der Komplexität des Phänomens, dass der Begriff impliziert), erneuerten Sensibilität für Natur, jenseits von Stilen und Formen vorgegebenen, bezeichnet die manieristische Krise der Verschleiß gezeigt hatte, durch Wiederholung der Module jetzt erschöpft. Die Krise Ästhetik und kognitive Manierismus, die religiösen und die Politik der Gegenreformation eine Kritik von innen fördern zu den klassischen Kanons und Formen des Ausdrucks, das Gefühl und das Aussehen bewerten: nicht untersucht die mehr das Verhältnis von Natur und der Formen, aber es wirft einen neuen Bericht emotionale und formalen zwischen Menschen und Dingen. Für diese bedeutende Erneuerung werden wir alle diese verschiedenen bedeutet, dass eine geschickte Technik bis zum illusionismus zur Verfügung stellt die barocke Künstler machen. Der Raum in der Architektur ist umfassend und organische: seiner geometrischen Grund nicht mit seinem Wesen zusammen, sondern ist ein Mittel, die Grenze zwischen Schein und Wirklichkeit zu überwinden. Die Aussicht ist illusiva und szenografische, immer in Beziehung zu den Zuschauer: In Gebäuden sind offen nach außen in einen kontinuierlichen Dialog mit den städtischen Raum oder mit der Landschaft; in der heiligen Blades, in der die Geste lädt eine emotionale Beteiligung; in der Skulptur immer in dynamischen Beziehung mit dem Raum, der Häuser. Zu einer intimen Wechselbeziehungen zwischen Kunstwerk und Betrachter und Raum entspricht eine umfassendere Haftung zwischen den verschiedenen Techniken: Malerei und Skulptur sind in der Architektur eingefügt ändern; Architektur und Dekoration sind zur gleichen Zeit geboren. Das Licht, das ist ein wesentliches Element im Raum Barock, ist nicht mehr der "lumen" klare und absolute der Renaissance, aber eine unendliche "relativ", die in den Gängen der Kirchen schlüsselt die Strukturen zu erheben, macht die Farben oder Li Rips mit plötzlichen Strahlen auf den Leinwänden, erhöht die Oberfläche des Marmor, Stuck, aus vergoldetem Holz. Die barocke Sprache, die in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts von Rubens, Bernini und Borromini Eroberung entwickelt, um die Mitarbeiter auf allen Ebenen: Handwerker, Modellbauer, Carver, argentieri tragen zu seiner Verbreitung mit wichtigen Beiträgen. Aus diesen wesentlichen Aspekte des neuen Stil sollte nicht seine tiefe Festhalten, dass die historische Wirklichkeit, mit der wächst und entwickelt: Die absoluten Monarchien (Spanien und Frankreich) und dem Papsttum postcontroriformistico beitragen mit Geboten und kategorische Imperative für die Bestimmung von einige der Formen, die den Bau der Kirche und des Hofes: Valga, zum Beispiel die Typologie der Kirche mit einem einzigen Schiff, nach dem Vorbild des einer von Jesus del Vignola, dass für die perfekte Funktionalität liturgischen, breitet sich in Europa und Amerika geschieden werden. Noch kann man die besonderen Aspekte übersehen, die Bearbeitungen auf nationaler und regionaler Ebene und noch weniger den dynamischen ANTITHESE zwischen Klassizismus rhetorische und insgesamt Überschreitung der Kanoniker (Architektur), zwischen Realismus und allegorischen decorativismo (Malerei), in den Sie die Europäischen Barock und das Zusammenleben innerhalb der nationalen kulturellen Situationen vorbildlich konfigurieren: in Italien das Verhältnis zwischen Bernini und Borromini, zwischen Caravaggio und Pietro da Cortona. So können wir innerhalb des Europäischen Barock einige große Ströme und Einflussbereiche, die nicht die Einheit der ein internationales Phänomen untergraben. Eine naturalistische Aktuelle und szenografische, aus Italien und Spanien erstreckt sich in Mitteleuropa und durch die engagierte Arbeit der religiösen Orden, erreicht die amerikanischen Kolonien; eine aktuelle akademische und klassischen in Frankreich, England, Holland und schließlich die große Strömung der Realismus Caravaggio, Phänomen anscheinend polemisch gegen des Barock in seiner dekorativen Sinn und szenografische, aber das ist von der gleichen Aufmerksamkeit auf Natur geboren, jenseits der klassischen Tradition, die wir einer der Punkte, die von der Einführung des neuen Stil gedacht hatte.
Die Prämie der Vita e opere
E drammaturgo Scrittore Tedesco (Augusta 1898 - Berlino ist 1956). Appassionato dei Residui spettacoli Popolari di Burattini e cantastorie della sua Città e assiduo frequentatore di Kabaretts, Taube wenn esibì più Tardi con Testi e musiche Eigentümer, wenn mischiò nel 1917 alla anarchica Di Monaco, abbandonando gli Studi di Medicina. Nel 1918 prestò servizio Militare kommen in einem Lazzaretto infermiere e nel 1919 divenne attivo membro di eine Sowjetische operaio in seno alla Repubblica Comunista bavarese. Nello stesso anno, Monaco, terminò Es suo Primo dramma, Baal, in Cui esplode Was "Mito", baalico vitalistico, divenuto dionisiaco, Poi, seppure Meno vistosamente, die Komponente di una Serie di Gemeinden brechtiani, IVI compreso Galilei. Ancora nel 1919 Brecht scrisse der Commedia ispirata alla rivoluzione monacense, e POI insignita del Premio Kleist (1922), Trommeln in der Nacht (Tamburi nella notte), in Cui ist già il Tema della unterliegendes agitava manipolazione dell'uomo hat Opera di ein soziales sistema-politisch-moralischen e in Cui usava Per la prima Volta scritte su striscioni didascaliche dissacranti, intese eine scuotere Il pubblico Dalla sua Tradizionale passività. Nel 1922 Brecht wenn recò Per la prima Volta hat Berlino. Nello stesso anno sposò Marianne J. Zoff e Dalla loro Unione nacque La Figlia Hinweis in Arte kommen Hanne Hiob. Nel 1924 Herr Reinhardt lo chiamò al Deutsches Theater di Berlino, e In questa Città Brecht wenn stabilì, stringendo amicizia Col Gruppo dadaista e con der Attrice Helene Weigel, da sposata ihn nel 1928 e Dalla quale Ebbe durch Figli. Lavorava intanto hat Mann ist Mann (A uomo è Ein uomo), ambientato im kolonialen Indien alla Kipling, Taube, wenn die gesamte compiva alienazione manipolazione e di Ein povero scaricatore smarritosi nella Società capitalistica. B. Wenn die impegnò nello Studio del marxismo PER TUTTO IL decennio 1926-36. Intanto, nel 1927, pubblicava Die sua prima raccolta di Versi, Hauspostille (Libro di devozioni domestiche), feroce paródia delle devozioni apprese Dalla Chiesa Madre Cattolica, e collaborava con E. Piscator alla messinscena di Abenteuer des braven Soldaten Schweyk (it Buon soldato Švejk), tratto Dal celebre romanzo del ZEKO Jaroslav Hasek. Mein fu ES 1928 hat Brecht consacrare uno dei maggiori Geni teatrali del Secolo: è Die Trionfo, allo Schiffbauerdamm di Berlino, della Dreigroschenoper (die Oper Da Tre soldi). Es Teatro di Brecht rivela epico, Sue ascendenze Anti-aristoteliche, i suoi legami Col mistero Medievale, Col Teatro elisabettiano, con gli Spagnoli Del Siglo de Oro, con cinesi e giapponesi, e quindi Die SUA rottura Col Teatro sia sia naturalistico impressionistico, fondati entrambi sull'Einfühlung, die Empathie emotiva e irrazionale fra Schenna e Platea, der facoltà von immedesimarsi dello Spettatore nello Stato von Animo dell'attore, e sull'identificarsi dell'attore Col personaggio, con Es duplice Effetto di creare o ein Mondo irreale o Eine illusione di realtà e Comunque, di consolidare La coscienza della condizione dell'immutabilità Umana, caposaldo, questo, del conservatorismo Borghese. Wenn deve assistere hat uno Spettacolo nicht immersi Nella "penombra narcotica "Della Sala, ma kommen, wenn assisterebbe hat eine Incontro Sportivo, e cioè con competenza e con Passione; die Attore non DEVE "interpretare "meiner" riferire" er personaggio, così kommen Chi ha assistito hat eine Stradale incident può che Sono sopraggiunti riferirne haben nicht alle Oscuro. Crescendo, Klimax, catastrofe e aristotelica catarsi Sono sostituiti da una Serie di sciolta Szene, narrativo inframmezzato di montaggio Songs e di mimate Party (große importanza attribuiva Brecht, sul Modello del Teatro Osteuropa, Al Gesto), che devono produrre "Effetto di straniamento" (Verfremdungseffekt), Ossia ein brusco cambiamento di e Tono, wave Evitare die Empathie. Scopo di Brecht è mostrare allo spettatore, Attraverso ein FATTO immaginario (O anche desunto da schöneck precedenti), una situazione Reale negativa (in Fondo sempre Die disumanità del capitalismo), che abbiamo Der obbligo di analizzare trasponendola in Termini, dialettici razionali, pro POI Mutarla: Il Piacere del Teatro è appunto Die voluttà del capire, l'esercizio della Ragione critica alla Ricerca di soluzioni. Il primo periodo creativo di Brecht wenn Conclure con Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (1929; Ascesa e caduta della Città di Mahagonny), Storia di una giungla von Asphalt capitalistica sui Cui peccati" non può più abbattersi es Giudizio universale, thront Mahagonny è già das Inferno. Die Musica è di K.Weill, Col quale Brecht aveva iniziato una collaborazione che continuò feconda fino al 1933 Quando anche Weill, pro die avvento del nazismo, dovette scegliere Die esilio. Nello stesso 1929, Dopo eine decennio ribellione anarchico Di più genericamente - antiborghese di espressionistica Matrix, Brecht inizia una Serie di drammi propriamente didattici, di Stretta osservanza marxista: v'è tuttavia Chi scorge in ihm ein Figlio dell'espressionismo anche nelle opere Reifen, V'è Chi nega Die Appartenenza di Brecht al Movimento, e constatando in Ihm den assenza von ogni propensione Metafisica, religiosa e irrazionalistica, lo pone sulla Linea dei Grandi "cinici", Büchner, Heine, Wedekind, Morgenstern.
Religion
Das religiöse System, die Bauten und die imperiale Struktur der Inca unterstützt Sie konfigurieren als Polytheismus vom Kult der Sonne ausgerichtet - Gott, Inti, eine beinahe göttliche Verkörperung des Reiches. Zu Inti ist täglichen Mahlzeiten und Opfer des Blade angeboten. Sonnenwenden und Tagundnachtgleichen wurden die Grundlage für ein festliches Kalender in der Regel solar. In allen Tempeln Inti irgendeine Form der Verehrung hatte, so sehr, dass die ersten spanischen Chronisten jeder Tempel als "Tempel der Sonne" für schlechthin und jeder Priester als "Priester des Sun" erschien. Die chronisten der Spanier auch genannt "Jungfrauen der Sonne "bestimmte Jungfrauen zu verschiedenen Funktionen öffentlichen sakralen eng mit dem Königtum verbunden: Namen, der nicht übersetzt noch der indianische Name (acllacuna, "Frauen", die "gewählten") noch die inca Empfängnis geweiht. Die Hauptstadt des Reiches stand der wichtigste Tempel der Sonne, die so genannte Coricancha, wo brannte ein solares Feuer mehrjährig. Die coricancha war eine Art von Pantheon, dass alle die Göttlichkeit offiziell anerkannten begrüßten, dass sich die traditionellen Inka Göttlichkeit, und diejenigen der verschiedenen Populationen Unterwerfung: Illapa ("Tuono-Lampo"), ist ein Gott der gesamten Andenregion; Pachacamac, eine Art Höchste Wesen der zentralen Küste, Eingetragen von Inca conquest in den Reihen der Götter von Inti geregelt; eine Reihe von "Müttern" göttlichen: Mutter Luna (Mama-Quilla) Braut von Inti, Mutter Meer (Mama Cocha) offenbar mit einer unbekannten Erfahrung zu Inca bis zu der Eroberung der Küstenregion verbunden, Mutter Erde (Pacha Mama) wichtige Göttin pan-Peruanischen, und Mutter Mais (Mama Sara), die in privaten Gottesdienst, auch identifizieren konnte mit einzelnen Maispflanzen außerordentlich gewachsen. Neben real, der coricancha bestätigt auch bestimmte Objekte Verehrter, sagte huaca, der in einem gewissen Sinne, hatte die Fähigkeit, in sich selbst die Heiligkeit der eroberten Gebiete, aus denen sie kamen, konzentrieren. Man könnte sagen, dass sie auf der Ebene der Religion vertreten, der Bestätigung der Stadt Cuzco, die Ihnen die Rolle der Hauptstadt des Reiches beherbergte. In der Regel bezeichnet der Begriff huaca es Sachen (Bilder, Steine, Bäume, etc.), Orte (Quellen, Höhen, etc.) und Gebäude (Kapellen, Gräber, etc.) als "heilig" oder die Sitze von Ausstellungen des "Heiligen". In Bezug auf den Kult der unzähligen Lokale huaca, die auf religiöser Ebene die Einheit des Reiches gefährden könnten, gab es zwei offizielle Einstellungen: Auf der einen Seite haben wir versucht, die huaca Wichtiger accogliendole, materiell oder symbolisch in der coricancha aufzunehmen, die unter die Gerichtsbarkeit des Gottes Inti; auf der anderen Seite versuchte er, die restlichen zerstören, wie es die 9 Kaiser, Pachacutec ("Reformer der Welt"), für diese "Feind der huaca" sagte. Zu den religiösen Gebäude des Reiches gegenüber, neben der Huaca, auch die Kulte der lokalen Vorfahren, für die Fähigkeit, eine menschliche Gruppe gebunden durch die Anbetung von einem gemeinsamen Vorfahren (ayllu) produzieren, und daher auch auf die gleichen innerhalb bestimmter Grenzen, die von der größeren Gemeinschaft bilden, die reich freigegeben. Das Empire behielt die ayllu, sondern beraubt sie ihrer Merkmale "ethnischen" und Religiöse. Das Empire ist in zwei Hälften unterteilt, die "obere" und "untere", wiederum in zwei Abschnitte unterteilt: Es dauerte also vier seyu, durch zwei ideale verlaufenden Linien, die bei Cuzco, die zum kulturellen Zentrum der Stadt, ein Welt Eroberung bestimmt oder in der vierseitige Darstellung des Empire zu transponieren, sagte, "Land der vier Regionen" (tahuantinsuyo). Die Inka Kaiser, bei Cuzco, der war ein Sohn der Sonne" (Intip churin), ein lebender Gott. In seiner eigenen Familie war der Hohepriester, der villac Umu. In diesem Einungsprozeß zu muss auch die religiöse Reform des achten Kaiser Hatum Tupac, der den Kult der Viracocha eingeführt und nahm den Namen angezeigt werden. Viracocha war eine kulturelle Held der andinen Bevölkerung, oder vielleicht ein "Schöpfer faul", in verschiedenen Mythen erinnert, aber nie das Objekt der Anbetung. Seine erste und einzige die Tempel waren tatsächlich errichtet von Hatum Tupac, die er gab, um Viracocha den Charakter von "Vater" Universal, durch den Austausch von einzelnen "Vorfahren" der verschiedenen ethnischen Gruppen. Mit dem Erwerb von Viracocha wurden komplexe theologische Ausarbeitung (einschließlich erinnert an die Einsetzung der Souveränität, von Viracocha zu Inti und Inti übertragen an den Kaiser und die Formeln für die einzelnen solar Opfer ein Opfer wurde zum Viracocha im Namen der Inti), die manchmal in der Gebete und Lieder von hohen geistigen und ästhetischen Wert ausgedrückt wird geboren.
Biographie
Der italienische Dichter (Sorrent 1544 - Rom 1595). Sohn des Dichters Bernardo und der Adlige Portia De Rossi, hatte eine Kindheit durch die unreifen Tod seiner Mutter und die ersten Erfahrungen des Exils getrübt: In der Tat in Rom, der Vater, der zu seinem Herrn treu geblieben war, Ferrante Sanseverino, Rebell, der Vizekönig von Neapel erklärt gefolgt, und begleitete ihn in demütigenden Wanderungen auf den verschiedenen italienischen Gerichte, die auf der Suche nach Gastfreundschaft und Arbeit; nach einem kurzen Aufenthalt in Bergamo, wieder zusammen mit seinem Vater nach Urbino, wo die herrlichen Gericht Guidobaldo II. della Rovere, die Buchstaben und die Ritterlichen Künste im Jahr 1559 angebaut, die er mit seinem Vater nach Venedig, wo er das erste Buch der Gierusalemme setzt sich bewegt; im folgenden Jahr ging er Nach Padua intraprendervi für juristische Studien und im Zusammenhang mit den berühmten Schriftsteller, wie S. Die spurs, F. Piccolomini, C. Sigonio eingegeben, die mit dem Namen von "REUIGEN", der "Accademia degli Eterei. In der Zwischenzeit führte er die Rinaldo, in Venedig im Jahre 1562 veröffentlicht, und schrieb Gedichte der Liebe für Lucrezia Bendidio und Laura Peperara. Im Jahr 1565 zog er nach Ferrara, in den Dienst des Kardinals Luigi d'Este, dann (1572) des Herzogs Alfonso II; von Prinzessinnen Lucrezia und Eleonora, Schwestern des Herzogs geschützt, Tasso lebte dann die Zeit menschlich mehr glücklich und textlich mehr fruchtbare seines Lebens: Während Sie weiterhin die Produktion von Liebe Gedichte und encomiastic begann das Aminta, die am Abend des 31. in der Insel des Belvedere auf dem Po vertreten war Juli 1573 zu komponieren, gab Anfang der Tragödie Galealto König von Norwegen und zu einem Ende gebracht im Jahr 1575 mit dem Titel der Goffredo, sein Meisterwerk, die im Jahre 1581 durch den Freund Angelo Ingegneri veröffentlicht werden wird, mit dem Titel der Gerusalemme Liberata. Aber die nervöse Spannung des Dichters, die bereits auf dem Prüfstand durch die fieberhafte kompositorischen Arbeit, nicht neu, anstrengende Arbeit der Revision des Gedichts widerstanden: literarische Figuren von ihm sottoposero den Text von Jerusalem befragt pedantesche Beschwerden der literarischen Charakter und moralischer, übertrieben Zweifel künstlerischen und religiösen Skrupel des Dichters, die auf eine echte psychische Ungleichgewicht gab. Nachdem sie entwickelt haben, in der Allegorie der "Gerusalemme Liberata" (1576), die dünne moralische Bedeutung für ihr Gedicht, bei der Prüfung der inquisitor von Ferrara, accusandosi der Ketzerei und allarmando, der Herzog, der gefährlichen politischen Auswirkungen, die einen neuen Skandal, nach, dass die von der Mutter Renée von Frankreich für seine Ideen calviniste, in der Kurie in Rom erzeugen könnte. Der Freispruch des Inquisitor seine Skrupel und seine Qualen: ein Tag, während er mit Prinzessin Lucrezia vertraute seiner Ängste, geglaubt, das Ausspionieren von einem Diener und die gegen ein Messer nicht beschwichtigen. Durch Herzog im Castello Estense getrennt, dann in das Kloster von San Francesco, die Flucht und gab zu Beginn seiner rastlosen Reisen durch die Halbinsel, jetzt dominiert von einer unheilbaren "Humor melancholisch". Ging nach Sorrent, an seine Schwester Cornelia, verkleidet als Hirten, und verkündet den Tod seines Bruders zu stellen Sie sicher, dass der seine Zuneigung; wieder in Ferrara (1578), ging dann nach Urbino, und nach einem Zwischenstopp in anderen Städten, in Turin. Im Jahre 1579 plötzlich wieder bei Ferrara, während die dritte Ehe des Herzogs Alfonso mit Margherita Gonzaga feiern: Denken zu vernachlässigt werden, proruppe in escandescenze gegen den Herzog, der ihn umgebenden wie verrückt an der Sant'Anna Krankenhaus, wo er für sieben lange Jahre gewohnt. In jenen sieben Jahren Rate, die er einen Appell an alle ihre geistigen Energien sein Würde des Menschen und seine Größe des Dichters (Handlung, die letztere, von Ausgabe fehlerhafter und unvollständiger von Goffredo, trat ohne sein Wissen im Jahre 1580 zu rehabilitieren): aus mehreren von 28 Dialoge und die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", mit dem Eingreifen in die Polemik auf der Priorität der Ariosto leuchtet auf oder vice versa, sondern um literarische Berufe der Klammer der Klarheit wechseln sich ab mit Momenten der Spannung psychische, erschreckend untergraben, indem Halluzinationen und Qual, in Briefen von tiefe Faszination hervorgerufen. 1586 Durch die Fürsprache von Prince Vincenzo Gonzaga freigegeben, ging nach Mantua, wo, als Hommage an seine neue Protector, schrieb die Tragödie Re Torrismondo (1587), die sich aus der Rückforderung von Galealto Jugend. Aber die Umgebung des Hofes nicht seduceva mehr Seele ernüchtert und der Dichter müde und im Oktober 1587 nahm er seine quälenden Wanderungen, auf der Suche nach Gastfreundschaft in Klöstern und in den Häusern der Freunde: der Schrein von Loreto, das Haus von Scipione Gonzaga in Rom (wo er schrieb Rogo amoroso), das Kloster der Olivetaner Mönche in Neapel (wo er komponierte das Gedicht Der Monte Oliveto), doch der Hof von Mantua (wo, zu Ehren des Herzogs Vincenzo Gonzaga, schrieb das Buch der Genealogie der Casa Gonzaga), das Haus von G. B. Manso in Neapel (wo die sieben Tage der geschaffenen Welt unternommen), das Haus von Kardinal Cinzio Aldobrandini, die er widmete, im Jahr 1593, den Wiederaufbau Von seinem Gedicht mit dem Titel Der Gerusalemme conquistata (im selben Jahr zurück die Tränen der Jungfrau und die Tränen Christi), das Kloster von San Benedetto in Neapel (wo, 1594, sah das Licht die sechs Discorsi del poema Sinbad) und schließlich das Kloster von Sant'Onofrio in Rom, auf dem Gianicolo, wo, wie er in einem berühmten Brief schrieb, "mit dem Gespräch Dieser divoti Väter", begann seine "Gespräch im Himmel".
Geschichte: Allgemeine Informationen
Sie wissen, dass die Firma Inca. Erst gegen Ende des XII Jahrhunderts zu konsolidieren und vor allem am Anfang des XIII. Unmittelbar nach dem Start nahm die expansive Phase. Es stammte Auseinandersetzungen mit den benachbarten Völkern, immer mit dem Sieg der Inkas beendet. Dies geschah auch, um die Mitte des XIV Jahrhunderts, in Übereinstimmung mit dem Sonnenuntergang des Reiches von Tiahuanaco, die das Gebiet des Titicacasees beherrscht hatte. Die Handwerker der ersten Errungenschaften waren die Inkas (der Begriff wird hier in seiner zweiten Bedeutung verwendet, d. h., dass der "Herr", "Kaiser") der beiden großen Hurincusco Dynastien (oder hurin Sáyac) und Hanancusco (oder Hanan Sáyac): d.h. Sinchi Rocca, Lloque Yupanqui, Mayta Capac espugnatore (Festung von Tiahuanaco und Gründer von Arequipa), Capac Yupanqui, Rocca, yahuar Huacac. 1438 bestieg er den Thron Pachacutec: unter seinem Zepter Status Inca seine maximale Leistung erreicht, gelingt unter anderem das Königreich Huanca auszurotten und endgültig unterwerfen, weiter im Norden, dem Grand Chimúecimo Inca, Túpac Yupanqui (1471-93), das Imperium neu organisiert, der den Namen des Tahuantinsuyo: das Wort bedeutet "die vier (tahua) Regionen (suyo) Nationen". Diese vier Regionen waren: Collasuyo, Antisuyo, Chinchayusuyo und Cuntisuyo. Als Hauptstadt war nach Cuzco bestätigt. Túpac Yupanqui und seinem Nachfolger Huayna Cápac (1493-1525) erweitert die Grenzen des Staates bis zu den Fluss Maule in Chile zu S und N bis Quito, mit Außenposten, die in der aktuellen Kolumbien eingedrungen. Aber nun das Reich war rückläufig, durch mollezze und Korruption untergraben. Huayna Cápac, Vernachlässigung der rechtmäßigen Ehefrau, von der er seinen Sohn Huáscar hatte, verbunden mit einer Prinzessin des Stammes der Scyris (Quito), der ihm einen zweiten Sohn, Atahualpa. Vor dem Sterben, die souveränen Währungen Tahuantinsuyo in zwei Königreiche von gleicher Größe, die jeweils anvertrauten Huáscar und Atahualpa. Sie rangen die einzigartige Kraft und ging nach unten in das Feld ein. Die Höhe dieses Konflikts kamen die spanischen Eroberer von F. Pizarro. Huáscar wurde 1532 im Auftrag von Atahualpa getötet; Diese, gefangen durch Pizarro, ermordet im folgenden Jahr. Auf diese Weise das Leben der Inka Reich endete, werden Kolonie von König von Spanien. Seine Impressum, blieb jedoch in der Geschichte Lateinamerikas, weil es das Zentrum einer fortschrittlichen Zivilisation gewesen war.
Geschichte: Die politische und soziale Struktur
Von vielen irrtümlich als "sozialistische", der Status der Inkas hatten eine politische Struktur vertikal: absolute Spitze war der Kaiser, oder Inca, primäre Quelle für alle Befugnisse. Er verehrt, als Sohn der Sonne, die einzelnen Positionen von Regierung und Li gab aufgeteilt nach einer starren Hierarchie der Kasten. Die Mitglieder der kaiserlichen Familie waren die Aristokratie Executive und unter Ihnen den souveränen wählte die höchsten Beamten. Sie folgten den curacas, d. h. Würdenträger der unteren Rang, noch wichtig. Das Reich war damit in seiner mehr territoriale Wahlkreise verabreicht: fahren jede der Regionen der Tahuantinsuyo inca stellte Vizekönig (APO), in der Regel bezeichnet zu seinen engsten Familienmitglieder (Brüder oder Onkel); Provinzen wurden tukrikuk anvertraut, oder Gouverneure. Es gab keine Komponenten der populären Darstellung. Priester und militärischen mit den Politikern in der Verwaltung der Stromversorgung zusammen. Die grundlegende Einheit der Gesellschaft Inka war die ayllu, Institution vor Bildung der Reich und von den Inkas gehalten, aber so organisiert, um sich von ihm jeder autonomen Trend. Während die ayllu preincaico einer menschlichen Gruppe oder als solche, die in einem bestimmten Gebiet sitzt Bestand und venerante einen gemeinsamen Vorfahren, von denen das Grab oder die Mumie erhalten, die Inca Empire beraubt Ihn seiner Merkmale "ethnischen" und Religiöse und machte es zu einem territorialen Einheit auf administrativer Ebene. Gegründet Neue ayllu, in dieser Funktion, indem sie als Lehen zu wichtigen Persönlichkeiten, die, nach dem toten, den Ort des gemeinsamen Vorfahren. Jeder Kaiser begann auch eine neue Königliche ayllu verwiesen wurden alle männlichen Kinder zu verbinden, ohne die Erstgeborenen, die dazu bestimmt ist, Kaiser zu werden und als solche ihre eigenen ayllu zu bilden. Jeder ayllu wurde durch ein Kapitel von ihren Mitgliedern und über einen Ältestenrat gewählt. Die waren in der Gemeinschaft, nicht der Einzelne. In Bezug auf das Recht auf Eigentum, gehörte es zu den Inka, absolute Monarch des göttlichen Ursprungs; er hatte jedoch die Freude, die Aufteilung der staatlichen Vermögenswerte in drei Teile: Der erste verkauft den Gott der Sonne und der zweite ist für sich reserviert, die dritte das Übertragen zu ayllu. Der Anbau der Land der Sonne und der Inkas war die Zuständigkeit der Gemeinschaft. Die gemeinsame Mann war, monogam, polygam nur die Edle. Die Inka hatten eine Frau (coya) -, die für die Reinheit der Kastenzugehörigkeit war im Allgemeinen seine Schwester - und verschiedene sekundäre Frauen oder konkubinen. Die villac Umu, Hohepriester, gehörte das Recht auf die reale Ayllu, der Bestätigung der Geist theokratischen, auf dem das Imperium informiert. Sie haben keine Beweise für literarische Werke: Sie müssen daher der mündlichen Traditionen, gesammelt und von den Chronisten spanische Eroberung übergeben zufrieden sein. Es hat die Nachrichten vor allem von Songs und Balladen, die verherrlichten die Unternehmen der Kaiser und die wurden anlässlich von speziellen Zeremonien durchgeführt. Das Europäische Jahr des interkulturellen Dialogs von Gericht composero auch epische Gedichte, sagte oder vor dem souveränen gesungen. Alles geschrieben, jedoch. Das einzige Instrument, das ist irgendwie weiß, dass dienen könnte zu "schreiben" oder "Record" war die quipo: Das cordella, aus denen hingen Garne kleiner, Befestigung mit der Sprache der Knoten die Projektionen, die von jenen maneggiava. Und wer war der maneggiava Quipu - kamayoc, d. h. eine Art Schreiber oder offizielle Dolmetscher, die Regierungsbeamte serviert, um Berechnungen und Erhebungen durchzuführen. In Bezug auf die Kommunikation, die Inkas hatten ein Straße-System effizient genug. Es gab zwei Hauptstraßen: Die strada regia oder Anden Cápac (-nan), lange 5200 km, die von der nördlichen Grenze durch Ecuador, Peru, Bolivien, eine Band von Argentinien und Chile bis Maule, lief entlang der Cordillera und endete um Purumauca, Bahnhof mehr in den Süden; und die Küstenstraße, lange über 4000 km, die von Túmbes hinabgestiegen, Norden, auch bis zu den Fluss Maule. Weil sie das Rad nicht wissen, die Inkas hatten keine Notwendigkeit für breite Straße mittel: Diese wurden Wanderwege, sowohl durch die Truppen, die beide von Beamten, sowohl durch den Kurier.
Religion
Das religiöse System, die Bauten und die imperiale Struktur der Inca unterstützt Sie konfigurieren als Polytheismus vom Kult der Sonne ausgerichtet - Gott, Inti, eine beinahe göttliche Verkörperung des Reiches. Zu Inti ist täglichen Mahlzeiten und Opfer des Blade angeboten. Sonnenwenden und Tagundnachtgleichen wurden die Grundlage für ein festliches Kalender in der Regel solar. In allen Tempeln Inti irgendeine Form der Verehrung hatte, so sehr, dass die ersten spanischen Chronisten jeder Tempel als "Tempel der Sonne" für schlechthin und jeder Priester als "Priester des Sun" erschien. Die chronisten der Spanier auch genannt "Jungfrauen der Sonne "bestimmte Jungfrauen zu verschiedenen Funktionen öffentlichen sakralen eng mit dem Königtum verbunden: Namen, der nicht übersetzt noch der indianische Name (acllacuna, "Frauen", die "gewählten") noch die inca Empfängnis geweiht. Die Hauptstadt des Reiches stand der wichtigste Tempel der Sonne, die so genannte Coricancha, wo brannte ein solares Feuer mehrjährig. Die coricancha war eine Art von Pantheon, dass alle die Göttlichkeit offiziell anerkannten begrüßten, dass sich die traditionellen Inka Göttlichkeit, und diejenigen der verschiedenen Populationen Unterwerfung: Illapa ("Tuono-Lampo"), ist ein Gott der gesamten Andenregion; Pachacamac, eine Art Höchste Wesen der zentralen Küste, Eingetragen von Inca conquest in den Reihen der Götter von Inti geregelt; eine Reihe von "Müttern" göttlichen: Mutter Luna (Mama-Quilla) Braut von Inti, Mutter Meer (Mama Cocha) offenbar mit einer unbekannten Erfahrung zu Inca bis zu der Eroberung der Küstenregion verbunden, Mutter Erde (Pacha Mama) wichtige Göttin pan-Peruanischen, und Mutter Mais (Mama Sara), die in privaten Gottesdienst, auch identifizieren konnte mit einzelnen Maispflanzen außerordentlich gewachsen. Neben real, der coricancha bestätigt auch bestimmte Objekte Verehrter, sagte huaca, der in einem gewissen Sinne, hatte die Fähigkeit, in sich selbst die Heiligkeit der eroberten Gebiete, aus denen sie kamen, konzentrieren. Man könnte sagen, dass sie auf der Ebene der Religion vertreten, der Bestätigung der Stadt Cuzco, die Ihnen die Rolle der Hauptstadt des Reiches beherbergte. In der Regel bezeichnet der Begriff huaca es Sachen (Bilder, Steine, Bäume, etc.), Orte (Quellen, Höhen, etc.) und Gebäude (Kapellen, Gräber, etc.) als "heilig" oder die Sitze von Ausstellungen des "Heiligen". In Bezug auf den Kult der unzähligen Lokale huaca, die auf religiöser Ebene die Einheit des Reiches gefährden könnten, gab es zwei offizielle Einstellungen: Auf der einen Seite haben wir versucht, die huaca Wichtiger accogliendole, materiell oder symbolisch in der coricancha aufzunehmen, die unter die Gerichtsbarkeit des Gottes Inti; auf der anderen Seite versuchte er, die restlichen zerstören, wie es die 9 Kaiser, Pachacutec ("Reformer der Welt"), für diese "Feind der huaca" sagte. Zu den religiösen Gebäude des Reiches gegenüber, neben der Huaca, auch die Kulte der lokalen Vorfahren, für die Fähigkeit, eine menschliche Gruppe gebunden durch die Anbetung von einem gemeinsamen Vorfahren (ayllu) produzieren, und daher auch auf die gleichen innerhalb bestimmter Grenzen, die von der größeren Gemeinschaft bilden, die reich freigegeben. Das Empire behielt die ayllu, sondern beraubt sie ihrer Merkmale "ethnischen" und Religiöse. Das Empire ist in zwei Hälften unterteilt, die "obere" und "untere", wiederum in zwei Abschnitte unterteilt: Es dauerte also vier seyu, durch zwei ideale verlaufenden Linien, die bei Cuzco, die zum kulturellen Zentrum der Stadt, ein Welt Eroberung bestimmt oder in der vierseitige Darstellung des Empire zu transponieren, sagte, "Land der vier Regionen" (tahuantinsuyo). Die Inka Kaiser, bei Cuzco, der war ein Sohn der Sonne" (Intip churin), ein lebender Gott. In seiner eigenen Familie war der Hohepriester, der villac Umu. In diesem Einungsprozeß zu muss auch die religiöse Reform des achten Kaiser Hatum Tupac, der den Kult der Viracocha eingeführt und nahm den Namen angezeigt werden. Viracocha war eine kulturelle Held der andinen Bevölkerung, oder vielleicht ein "Schöpfer faul", in verschiedenen Mythen erinnert, aber nie das Objekt der Anbetung. Seine erste und einzige die Tempel waren tatsächlich errichtet von Hatum Tupac, die er gab, um Viracocha den Charakter von "Vater" Universal, durch den Austausch von einzelnen "Vorfahren" der verschiedenen ethnischen Gruppen. Mit dem Erwerb von Viracocha wurden komplexe theologische Ausarbeitung (einschließlich erinnert an die Einsetzung der Souveränität, von Viracocha zu Inti und Inti übertragen an den Kaiser und die Formeln für die einzelnen solar Opfer ein Opfer wurde zum Viracocha im Namen der Inti), die manchmal in der Gebete und Lieder von hohen geistigen und ästhetischen Wert ausgedrückt wird geboren.
Kunst
Die Inkas Spuren hinterlassen bemerkenswerter ihrer Präsenz in allen Bereichen, in denen verbreiten. Bleiben überall viele Konstruktionen, Adobes an der Küste und in Stein auf der Hochebene, die immer Merkmale trapezförmigen Öffnungen haben. In der Gegend von Cuzco ist gebaut, mit großen Steinblöcken polygonalen (Bastionen, Stützmauern) oder mit Steinblöcken rechteckig (Gebäude). Die Architektur von Inca in allen seinen Maulwurf und Schönheit nach Machu Picchu, die wiedergefundene Stadt 1911 von Hiram Bingham sichtbar ist. Die keramische Inca glänzend polychrome und produziert Vasen und andere Behältnisse in exzellenter Verarbeitung. Im Hinblick auf die Metallverarbeitung, die wichtigste Neuerung war die Verbreitung der Verwendung von Bronze im ganzen Reich, aber die schönsten Objekte (Figuren, Ornamente, Schmuck verschiedene) sind in Gold und Silber; die Produktion war sehr groß zu sein und unschätzbaren Wert (man denke an den berühmten Garten an der Tempel der Sonne von Cuzco, mit Reproduktionen in Gold mit Figuren von Göttlichkeit, von Tieren und Pflanzen), sondern wurde weitgehend von der Spanischen zerstört. Werke spürbar wurden von den Handwerkern der Hof hat nicht nur im Bereich Schmuck und Keramik, aber auch in der Weberei und glyptic.
Definition
Sm. Spanisch (Anpassung der Arabischen mudeggian, s. von dagian, bleiben) in englischer Sprache als Sm verwendet. Und Hinzufügen (pl. MUDÉJARES). Name der Moslems von Spanien blieb treu zum Islam in die Gebiete zurückerobert von Christen; insbesondere: Mudejar Stil, der künstlerischen Produktion aufgrund der Muslime, die nach der Reconquista, weiter nach christlichen Grundsätzen zu arbeiten, verewigen die maurische Tradition.
Kunst
Die mudejar Stil, die oft convisse und mit anderen gemischt (es spricht von der romanisch-gotische mudejar Mudejar -, usw.) in der vielgestaltigen Rahmen der spanischen Architektur, in unterschiedlichen Zentren und Zeiten blühte: in Toledo im XII Jahrhundert, Valladolid, Guadalajara, Sevilla, Teruel und Zaragoza, Cordova in späteren, bis zu dem 16. Jahrhundert. In der Architektur der repräsentativsten Beispiele sind aus der Kirche S. Maria la Blanca (1405) in Toledo, von der Alcar (1364-78) und von der Casa de Pilatos (1492-1533) in Sevilla, sowie aus der spätgotischen tiburium der Kathedrale von Burgos (1568). Aber es ist vor allem im Bereich der dekorativen Künste, die Mudejar hatte eine außerordentliche Blüte; seine Zeichen sind jedoch sicherlich eine direkte Fortsetzung jener Moreschi, deren Tradition, obwohl mit Einsätzen der Gotik und der Renaissance, ist in einigen Sektoren bis jetzt durch die beliebte Produktion erhalten. Die Dekoration der Kapelle von S. Fernando in der Moschee von Cordoba (1258) und der Alcázar in Sevilla sind Zeugen der Mehr auffällige dieses Phänomen, dass, zumindest zunächst, seine künstlerischen Hauptstadt in Toledo. Die Gründe moreschi (Stalaktiten, Arabesken, Inschriften cufiche, Rauten) Sie oft vermischen sich mit der naturalistischen Pflanzen und Tiere der gotischen Stil. Sehr weit verbreitet war, die Holzschnitzerei die Pfosten, Regale, Stände, etc. zu schmücken, kombiniert mit Vergoldung und Farben, sowie die Verwendung von Keramik für die Wände, Hufe und Böden (typisch für Andalusien ein keramisches Mosaik sagte alicatado). Die Fabriken von Valencia warf die Mode der Azulejo, Blau auf weißem Hintergrund, während diejenigen von Manises und Malaga wurde Spezialisten in der Produktion von keramischen alustro. Waren beträchtlich und schließlich der Produktion von Waffen, die schmiedeeisernen, Leder, Stoffe, Stickereien und Teppichen; letztere ein wichtiges Zentrum der Produktion wurde Alcaráz (bis zum 17. Jh.).
Physiologie
Die Salzsäure hat erhebliche physiologische Bedeutung als Bestandteil des Magensaftes. Es wird von den Parietalzellen des Magens Drüsen in Konzentrationen, die in der Größenordnung von 170 mEq/Liter abgesondert wird, entsprechend 0,3-0,5%. In der Praxis sind diese Werte unterscheiden sich erheblich in Bezug auf die Intensität und die Art der Reize, die die Schleimhaut erreichen, die Rate der Magenentleerung, den Charakter der Diät, angesichts der Tendenz der Salzsäure mit dem alkalischen Radikale von Lebensmitteln zu reagieren. Auf der anderen Seite gibt es im Magen ein wesentlicher Mechanismus für die Anpassung, die die Sekretion von Salzsäure bei den Säuregehalt des Magensaftes die Grenzwerte überschreitet. Die Cl-Ionen? In den Magen von Schleimhaut Zellen mit einem aktiven Mechanismus gegen den Konzentrationsgradienten freigegeben. H+-Ionen sind ihrerseits durch die Dissoziation der Kohlensäure geliefert
Das ist in großen Mengen in die belegzellen aus der Reaktion von Kohlendioxid (CO2) und Wasser (H2O) katalysiert durch das Enzym Carboanhydrase gebildet. Loione HCO? 3 zurück in das Blut durch die Kombination mit dem Natrium zirkuliert. Die Säure im Magen Salzsäure hat mehrere Funktionen: verwandelt die pepsinogeno in pepsin, deshalb verleiht der Magen hat einen stark sauren pH-Wert (1-2) Geeignet für Verdauungs- Verdauung von Proteinen, und insbesondere für die Hydrolyse von Kollagen, stimuliert die Bauchspeicheldrüse Sekretion, mildert den Rohstoff Cellulose, befreit die dreiwertigem Eisen aus organischen Verbindungen Essen, so dass die Absorption. Von großer Bedeutung ist schließlich die antiseptischen Maßnahmen der Salzsäure auf die Mikroorganismen, die pathogen sind und nicht ausgeübt - Pathogene, die in großer Zahl den Magen erreichen.
Toxikologie
Gasförmiger Salzsäure ist sehr giftig für die Atemwege und verursacht Reizungen der Schleimhaut der Bronchien und Lungenödem. In konzentrierten wässrigen Lösung ist ätzend. Es sollte darauf hingewiesen werden, dass die kommerziellen Salzsäure giftiger ist als reine, weil von Arsen und viele andere Verunreinigungen in ihm enthaltene (siehe hypochlorhydria und ipercloridria).
Salpetersäure: Allgemeine Informationen
Die chemische Verbindung der Formel HNO3. Der Name leitet sich von der Nitro oder Salpeter die Benennung der Kaliumnitrat, von dem, durch die Maßnahmen der Schwefelsäure, wurde von den Alchemisten, die mit den Namen der Radierung angegeben. Die reine Salpetersäure wasserfrei und ist eine farblose Flüssigkeit, die dem Licht ausgesetzt wird, ist in Gelb für langsame Zersetzung in Wasser, Sauerstoff und Stickstoff Kohlendioxid gefärbt; dieser bleibt in der Säure aufgelöst, so dass es eine gelbe Farbe mehr oder weniger belastet wird. Die Salpetersäure ist mischbar mit Wasser in allen Berichten und bildet mit ihm ein azeotrop, enthält die 68,5% Salpetersäure hat eine Dichte von 1,42 und stellt einen gemeinsamen Salpetersäure, die auf dem Markt befindet. In wässriger Lösung die Salpetersäure verhält sich wie eine Säure fortissimo: in einem 0,1-M-Lösung ist in der Tat für 93 % dissoziiert. Die salpetersäure der Konzentration der Medien oder Konzentrat ist ein starkes Oxidationsmittel und legt schnell den Metallen, wie Gold, Platin und Iridium. Für bestimmte Metalle wie Aluminium, Eisen und Nickel Ätzen mit Salpetersäure sehr konzentriert verursacht die Bildung von einer Schutzfolie von Oxid, die verhindert, dass weitere Oxidation; verwendet mehr verdünnten nicht verliert seine Aktion. Auch nicht-metallische Elemente, wie z.b. Schwefel und Phosphor, reagieren mit konzentrierter Salpetersäure ist in den entsprechenden oxyacids verwandelt. Die Proteine, die in Kontakt mit dem konzentrierter Salpetersäure übernehmen eine Lebhafte gelbe Färbung (xantoproteica Reaktion), weil die darin enthaltenen Tyrosin in nitroderivatives genau in gelber Farbe umgewandelt wird.
Salpetersäure: Vorbereitung Methoden
Die Salpetersäure wurde bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts mit einer Methode im Jahre 1776 entwickelte vorbereitet, angefangen von natürlichem Natriumnitrat (Salpeter aus Chile). Die erste gewerbliche versucht, die atmosphärischen Stickstoff direkt in Salpetersäure zu transformieren und Nitrate Datum zurück zu Beginn des XX Jahrhunderts, mit der Anwendung der Methode Birkeland-Eyde, sagte auch, die Arc. Die Temperaturen der Photovoltaik arc der Stickstoff und Sauerstoff in der Luft zwischen ihnen kombiniert Bildung von Stickstoffmonoxid keine, die nach stark bis auf Raumtemperatur gekühlt oder etwas höher die Dissoziation zu verhindern, dann wird durch Luftsauerstoff mit Chlordioxid oder Stickstoffdioxid NO2 oxidiert. Die letztere, die in Kontakt mit Wasser, reagiert durch die Erzeugung von Salpetersäure und salpetrige Säure; die salpetrige Säure zersetzt sich sofort andere salpetersäure geben und Freigabe von Stickoxiden. Der Prozess ist in der Regel durch die Gleichung dargestellt:
Die Stickoxide so befreit wird mit Chlordioxid, der mit Wasser reagiert und so weiter, bis die vollständige Umwandlung der Stickoxide in Salpetersäure oxidiert. Die Methode Birkeland-Eyde einen sehr hohen Verbrauch von elektrischer Energie und damit notwendig, nachdem in Ländern, die eine große Verfügbarkeit von Energie aus Wasserkraftwerken zu niedrigen Kosten wie Norwegen hatte, es wurde zugunsten von Methoden zur Oxidation von Ammoniak aufgegeben. Die Methode durch den Ammoniak, realisiert im industriellen Maßstab in Deutschland von Ostwald, 1901, war es dann in der ganzen Welt verteilt und ist die einzige heute industriell angewendet. Besteht aus drei Phasen: Oxidation von Ammoniak, Lachgas mit Renditen von 95-98%
Werke
Die Idee, ein Gedicht auf dem Kreuzzug balenata war in den Köpfen der jungen Dichter seit 1559, bei seinem ersten Aufenthalt in Venedig, die von der Bedrohung der türkischen Überfälle entlang der Küsten des christlichen Europa unterstrichen, sondern auch aus der historischen Werte auf die Taten der Kreuzfahrer und aus dem persistenten Speicher von einem Besuch in der Kindheit zum Grab von Papst Urban II. an das Kloster von Cava dei Tirreni: So waren die 110 Oktaven des Gierusalemme, durch ein Gefühl der großen Symphonie durchdrungen, aber stilistisch boorish geboren. Die übermäßige Schwierigkeiten des historischen Epos, Rate unterbrochen Die Gierusalemme, in einer angenehmen Erfüllung in der Welt der Romantik der Ritter zu frönen, während das Streben, die eifrige über die Anwendung der Theorien der Giraldi Cinzio auf Ritterlichen Gedicht, dessen Einheit hatte durch die Anwesenheit eines einzelnen Protagonisten gewährleistet sein: So sah das Licht, in einer sehr kurzen Zeit, die Rinaldo, Gedicht in 12 Songs, in Oktaven, wo Sie den Unternehmen der Paladin kop Singen, entflammt von der Sehnsucht nach Ruhm und aus der Liebe zu Clarice. In der Arbeit sind bereits einige grundlegende Themen tassiani: Das szenografische Geschmack in der Episoden guerreschi, der Wechsel der Landschaften jetzt charmant und hell jetzt cupi und Finsternis, die Sense-trägen und morbide der Liebe, die Mesta Elegie des Todes. Die Rundfahrt heroische Fantasy Tasso wurde unterbrochen, um 1573 und der Priorität der Umgehung in Richtung einer Welt, die nur durch die instinktive Gefühl der Liebe durchdrungen: So wurde das Aminta, eine pastorale Märchen in einer unberührten Atmosphäre und mythischen, die in vollem Umfang den Hedonismus der Renaissance drückt entfernt geboren. Die Tragödie ist durch einen intensiven Wunsch nach Eintauchen in das Leben der Felder, die bis zu den anarchischen Erhöhung der Trunkenheit liebevolle geht durchdrungen, in der Kontroverse mit die Hemmungen, die Heuchelei des moralischen Gesetzes. Im Gegensatz zu den irrationalen und anarchisch, die zu dieser Arbeit gehört (definiert durch Carducci ein "Zeichen") statt der kritischen Reflexion, der in einer breiten Reihe von Schriften gedehnt wird, Jugend reden Der poetische Kunst, in drei Büchern, zu reifen Discorsi del poema Sinbad, in sechs Bücher, Allegorie der "Gerusalemme Liberata" auf die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", von den Überlegungen über drei Songs von G. B. Pigna zu Lektion über ein sonett von Bischof des Hauses: Diese und andere kleinere Schriften bilden zusammen eine Synthese aus Ästhetik im Zeitalter der Gegenreformation, das Prinzip der Rechtsstaatlichkeit, Grund, auf die Leidenschaft gegründet. Beachten Sie, dass das Alter, charmante und würdevollem dei Cavalieri für immer gegangen ist, steht im Gegensatz zu der Vielzahl der freien ariostesche Abenteuer der Einheit des künstlerischen Konzeption, in der Sie wählen müssen, wie in eine solide und robuste Architektur, die Vielzahl der Neigungen und narrative Bewegung. Andere Bedingungen sind die geschichtlichkeit der epischen Erzählung, die auf dem Grundsatz der Aristotelischen der Kunst gegründet als Imitation des Wahren, Austausch der alten klassischen Mythologie mit dem wunderbaren christlichen, das Streben zu einer erhabenen Literatur, dominiert von der Notwendigkeit der Einrichtung und eine große und herrliche "sprechen". Über die Wurzeln dieses komplexen poetische blüht die Gerusalemme Liberata, wo konvergieren in einer ursprünglichen Braid, heroischen Gründen und aus Gründen lyrisch, im Rahmen eines "Spirituellen bifrontismo" ständig über ein Doppel stilistische Register: von sinnlichen Ton und morbide Somit bewegt sich der Ton der energisch und aktiv, während zu Landschaften impietriti in einer Wüste Elend übernehmen strahlenden Himmel und gelassen. Die "heroische" und die "pathetisch" sind genau die beiden Register der tassiano Meisterwerk, personificati bzw. in Rinaldo und Tancredi: In der ersten, Symbol der Wunsch nach Ruhm, Rate der heroischen Menschenbild der Renaissance geerbt erhebt, während in der zweiten Ausdruck der unglücklichen Liebe wirft die Ängste und die tötung Ihrer "melancholische Stimmung". In Gerusalemme conquistata, Geweiteten, auf das Modell der Ilias in der 24 Songs ist klar die Absicht, die Romanze Aspekte der Arbeit zum Vorteil der romanzen der religiösen ANFRAGE VON KLIMA gegen den reformistischen und einige Verbesserungen expressive aufgrund einer mehr scaltrita Weisheit Technik um die Größe nicht für die strukturelle Komplexität und die rhetorische magniloquence der Wiederherstellung kompensieren können. In den letzten Jahren seines Lebens, könnten zum Teil erreichen, der Wunsch, in einer canzoniere, seine Verbreitung Opernproduktion zu sammeln: Im Jahre 1591 wurde in Mantua den ersten Teil der Rime, der liebevollen Charakter und, im Jahr 1593 veröffentlicht wurde, ging nach Brescia der zweite Teil, Charakter encomiastico (posthum die heiligen Lyrik, von marginalen Zinssatz erschien). In der Liebe Gedichte, besonders in Madrigale, Ton petrarcheggiante schmilzt im Geschmack der pathetisch und in den Genuss einer Musikalität, die Elemente der Realität verwandelt, risolvendoli in einem schmerzhaften Beteiligung der Natur zur Stimmung der Dichter; in der encomiastic Gedichte, durch Diagramme von Kostüm höfling und der literarischen Tradition auferlegt, sie machen sich auf den Weg, um einige der Akzente intensiver und traurigen Seele, aus der Entwicklung der Vergangenheit Unglück auf die Stimmung der Flüchtigkeit der Zeit, die in einem ergreifenden Welle von Tränen übersetzt. Die Jahre der Gefangenschaft von Sant'Anna Termine, wie gesagt wurde, die Mehrheit der 28 Dialoge, darin, auf eine lange Tradition, die von den Dialogen von Plato bis zu den Abhandlungen der Renaissance kamen verweisen, Adressen der viele politische Probleme, moralische, ästhetische, weltlichen, dann stark in den Gerichten debattiert: Fehlt sicherlich, die in diesen Schriften, ein original spekulative Haltung und das Wackeln der Schriftsteller zwischen Platonismus und aristotelismus sind häufig; die besten Dialoge sind diejenigen, in denen wir direkt ausdrücken die autobiographische Vorschläge, wie der Vater der Familie, zu der der Gefangene von Sant'Anna seine Sehnsucht Sehnsucht nach einem ruhigen inneren Frieden anvertraut. Ein Novum in der literarischen Produktion des sechzehnten Jahrhunderts wird durch die Tragödie Re Torrismondo, im nördlichen Land überträgt der Grund classic incestuose Hochzeit gekennzeichnet. In der geschaffenen Welt, schließlich Kurs drückt den Zustand des Menschen vorzeitig gealterte und in dem Wunsch, Ruhe und Frieden. Im Jahr 1976 wurde durch E. der Kranken, eine Komödie zugeschrieben, Intrichi d'amore veröffentlicht: Nach dieser eine Kontroverse zwischen den Gelehrten, von denen einige die Vaterschaft des Tasso Komödie verweigert wurde geöffnet hat.
es Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).
