Das Lexikon
Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko.
Kunst: in Frankreich
Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard.
Kunst: In anderen Europäischen Ländern
Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).
Allgemeine Beschreibung
Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung bringt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um dDas Problem der Sprache und Stil
An der kritischen Arbeit und Poetik von Dante Alighieri geht der Verdienst zu den vulgären Italienische würde der Sprache der Kunst, wenn das neue Leben begrenzt ist die Verwendung der Volkssprache auf der Ebene der Praxis Poetik des lyrischen Dichter der Liebe zu rechtfertigen, in ConvivioDante beginnt eine Rede mehr allgemein über die italienische Sprache, riconoscendole, die in der einführenden Vertrag, jene Merkmale der Freundlichkeit, Reichtum, Eigentum, Güte, die bis dahin nur im Lateinischen (und Französischen zugeschrieben wurden). Die gleiche Art der Volksmund Prosa der Convivio verwendet (periodare aus komplexen und hoch, auf, dass Latein - Schule modelliert) und den Inhalt der lyrics kommentiert in der Oper wird von der Jugend Operette (und Dante selbst bewusst ist, lösen), entsprechend den unterschiedlichen Erfahrungen der Autor ist, aus dem Exil gesammelt und auf den Vertragsgegenstand, die Frucht der philosophischen Studien und der bürgerlichen und politischen Engagement. Der Volksmund wird dann "Neue", die auf der Straße zu verstehen, die "die Sonne" beleuchten, d. h. die Latein, "nicht leicht". Es ist die Anerkennung der Gültigkeit ideal und Praxis des vulgären Italienisch als Sprache der Wissenschaft und Kunst die Durchführung zeitnah, Theorie und Anwendungen zusammen, diese These enthalten ist, wird in der De vulgari eloquentia (1304-05), Latein Arbeit in 4 Bücher entworfen, aber in Kapitel XIV des Buch II. Aus den Erklärungen der Autor, welche sich auf das Beispiel selbst führt als Dichter der Tugend, es scheint klar zu sein, dass die Sprache, die er behandelt, ist, dass der Kunst: Insbesondere ist die Sprache und der Stil der gleichen Dante in seiner höchsten lyrischen Produktion von ethischen Inspiration. In diesem Sinne ist der Vertrag über die Sprache wieder an den Convivio, der große Songs in es auskommentiert (konkrete Anwendung der Theorie), um alle stilistischen Forschung von Dante, die durch das neue Leben und die Reime geöffnet und zusammengefasst und durch die Komödie abgeschlossen. Die Sprache lebt gleichzeitig als Mittel der Kommunikation und als künstlerische Schöpfung wiederum innoviert, als die "neuen", von denen der Autor die Notwendigkeit konzeptioneller und ethisch-politischen und wie die Realisierung von sehr präzise stilistische Möglichkeiten gespürt hatte.
Kindheit, wenn er die Hochschule der Jesuiten, wo das Theater war ein normaler didaktisches Instrument sorgte, und durch die Straßen von Sevilla, wo Sie mit Blick auf die Frage der Lope de Rueda, erste Student der Italienischen Komödianten zu rezitieren, beobachtet. Aber die widrigen Umstände frustriert, dass Berufung; und wenn ne dolse mehrmals, auch und besonders, wenn am Abend vor seinem Tod (1615), konnte nur veröffentlichen, ohne in der Lage zu sehen nie vertreten, Ocho comedias y ocho entremeses nuevos Nunca representados (acht Komödien und acht Neue interludes nie vertreten). Aber zur gleichen Zeit im Teatro Cervantes haben versucht, einen anderen Track: der Roman. Im Jahr 1585 eine bescheidene Herausgeber von Alcalá de Henares, Juan Gracian, veröffentlicht den ersten Teil der Galatea, eine pastorale Roman in Prosa und Vers, vermutlich in Italien begonnen, nach dem Vorbild der Arkadien der Sannazzaro, aber das wurde nie fertiggestellt, obwohl Cervantes promettesse mehrmals - das letzte Mal vor drei Tagen sterben - der zweite und letzte Teil zu geben. Wenig geschätzt, im Allgemeinen, von Kritikern, die Galatea hat stattdessen eine erhebliche Bedeutung, nicht nur, weil es enthält viele autobiografische Daten und Erinnerungen an viele liebe Freunde der Jahre von Italien (nicht alle unter ihrer "pastorale Verkleidung" gekennzeichnet), aber auch cervantini, weil Sie Fragen zum ersten Mal Themen in der Regel später in den großen Werken wieder aufgenommen. Im gleichen Jahr 1585 Datensätze, sondern ein echter Coup Szene, in der das Leben des Autors: die Aufgabe, die endgültige Darstellung von jede literarische Tätigkeit. "Ich hatte andere Dinge zu tun - er schrieb im Vorwort zur 1615 lakonisch zitiert -, habe ich den Stift und Komödien..." Links. Und er hat nicht nur das Stift, aber auch Madrid, sich selbst zu widmen, in Andalusien, einem bescheidenen Beruf: die Sammlung von Nahrung für die Expedition, die Philip II. gegen die Ketzer, England, der berühmten Armada vorbereitet, die zum vollständigen Ausfall (1588). Beigetragen, vielleicht, um die Szene zu schlagen, die seltsame Ehe (Dezember 1584) Der heute trentasettenne Verfasser mit einem jungen ländlichen Hidalga: Catalina Salazar, geboren und aufgewachsen in einem Dorf von La Mancha toledana Esquivias lebte, (das Land von Don Quijote). Seltsame Ehe für den Unterschied im Alter, Bildung und Ideen, die es gibt zwischen den beiden Ehegatten, der hatte aber keine Söhne (ein direkter Nachfahre von Cervantes, zusätzlich zu den schwer bestimmbaren Sohn Napoletano, wird Isabel de Saavedra bleiben, im November 1584 geboren, liebt mit einer Schauspielerin Ana Franca de Rojas, und offiziell durch den Verfasser) anerkannt. Von 1585 bis in die frühen Jahre des 17. Jahrhunderts die Biographie von Cervantes ist, zumindest in Erscheinung, leer von literarischen Fakten.
Werke: das Meisterwerk von Don Quijote
Die gramo Handwerk - nach der Ernte essen für die Armee, die buscandosi unter anderem eine Exkommunikation des Kapitels der Kathedrale von Sevilla, die Sammler von Steuern (alcabalero), die Abhängigkeiten von gierigen und unehrliche Unternehmer - Die fruttò, mit einigen flüchtigen Moment des Wohlstands, vor allem disgusti Und wehe nicht beenden, so dass zu einem bestimmten Zeitpunkt (1590) Kirchen von Verlassen für Amerika, mit dem wahrscheinlichen Absicht des Expatriate für immer: Wenn ein bürokrat nicht hatte unverblümt beantwortet Nein, vielleicht die Don Quijote (Don Quichotte) würde nie geschrieben wurden. Im Jahr 1597 den Bankrott und die Flucht von einem Banker - der Auftragnehmer einen Aufenthalt von einigen Monaten im Gefängnis von Sevilla beschafft; und hier, vermutlich für "dar Zeitvertreib Geist melancholisch und getötet", begann die Don Quixote, in der Form von kurzen Novella zu komponieren. In diesen Jahren hatte er sicher eine Menge zu lesen und zu schreiben, etwas: Verse, Theater, Novellen der Italienischen, vielleicht sogar für Kontakte mit Autoren sivigliani (als Mateo Alemán, deren Guzmán de Alfarache am Ende des XVI. Jahrhunderts, der Ära der Schelmenroman). Schließlich verlassen die Andalusien, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, Valladolid, Sitz des Gerichtshofes zu verlagern und der Regierung, seine komplizierte Konten mit den Steuerbehörden, Cervantes trug das seco eine bemerkenswerte literarische Gepäck: verschiedene Novellen, darunter die wunderbare Rinconete y Cortadillo, und fast der gesamte erste Teil des Don Quijote, für die sie fragte und im Jahr 1604 die vorgeschriebene "Privileg" gewonnen. Ein Jahr später wurde das Werk in Madrid veröffentlicht auf einem schlechten Edition des Verlages Juan de la Cuesta, und der Erfolg war sofort als unerwartete. Links Valladolid - wo er hatte andere Ärger mit Gerechtigkeit für den Mord an einem bestimmten Ezpeleta, in der die Armen Cervantes es absolut kam - der Schriftsteller zog er nach Madrid, wo er die letzten zehn Jahre des Lebens zu verbringen (mit einigen zu Esquivias, wo er an der Frau zu wohnen Reisen). Der Erfolg von Don Quijote (verschiedene Editionen, auch Piraten und eine erste englische Übersetzung) nicht brachte ihm einige der Wohlstand, noch die von vielen weh, Schulden befreit, Familie Pies. Im Jahr 1610 vergeblich versucht, für Neapel der Neue vizekönig Lemos zu verlassen; und vielleicht der letzte Rückschlag und Vorahnung der kommenden Ende der induzierten die literarische Tätigkeit zu intensivieren: im Jahr 1613 ging aus dem schönen Novelas ejemplares Novelle Exemplare), im Jahr 1614 die Viaje der Parnassus (Weg des Parnassus), im Jahre 1615 den zweiten Teil des Don Quixote und die Ocho comedias y ocho Entremeses, und schließlich in 1617 Los trabajos de Persiles y Sigismunda (die Leiden des Persile Sigismonda und), posthum, da Cervantes war tot am 22. April des Vorjahres von Diabetes und Arteriosklerose. Der Brief der Widmung von Persile an den Grafen von Lemos, vom 19. April 1616, ist ein wunderbares Dokument der Melancholie zurückgetreten; und unter anderem neue Werke, wie der zweite Teil der Galatea, Weeks von Jardín (Wochen der Garten), vielleicht eine Sammlung von novellen wie das Decameron, und Bernardo, verloren gegangen ist oder nicht, das je geschrieben wurde versprochen. Was blieb, war jedoch mehr als genug Cervantes eine der größten Schriftsteller aller Zeiten zu tun.
Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung bringt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um die Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der Darstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
ie Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der DDas Problem der Sprache und Stil
An der kritischen Arbeit und Poetik von Dante Alighieri geht der Verdienst zu den vulgären Italienische würde der Sprache der Kunst, wenn das neue Leben begrenzt ist die Verwendung der Volkssprache auf der Ebene der Praxis Poetik des lyrischen Dichter der Liebe zu rechtfertigen, in ConvivioDante beginnt eine Rede mehr allgemein über die italienische Sprache, riconoscendole, die in der einführenden Vertrag, jene Merkmale der Freundlichkeit, Reichtum, Eigentum, Güte, die bis dahin nur im Lateinischen (und Französischen zugeschrieben wurden). Die gleiche Art der Volksmund Prosa der Convivio verwendet (periodare aus komplexen und hoch, auf, dass Latein - Schule modelliert) und den Inhalt der lyrics kommentiert in der Oper wird von der Jugend Operette (und Dante selbst bewusst ist, lösen), entsprechend den unterschiedlichen Erfahrungen der Autor ist, aus dem Exil gesammelt und auf den Vertragsgegenstand, die Frucht der philosophischen Studien und der bürgerlichen und politischen Engagement. Der Volksmund wird dann "Neue", die auf der Straße zu verstehen, die "die Sonne" beleuchten, d. h. die Latein, "nicht leicht". Es ist die Anerkennung der Gültigkeit ideal und Praxis des vulgären Italienisch als Sprache der Wissenschaft und Kunst die Durchführung zeitnah, Theorie und Anwendungen zusammen, diese These enthalten ist, wird in der De vulgari eloquentia (1304-05), Latein Arbeit in 4 Bücher entworfen, aber in Kapitel XIV des Buch II. Aus den Erklärungen der Autor, welche sich auf das Beispiel selbst führt als Dichter der Tugend, es scheint klar zu sein, dass die Sprache, die er behandelt, ist, dass der Kunst: Insbesondere ist die Sprache und der Stil der gleichen Dante in seiner höchsten lyrischen Produktion von ethischen Inspiration. In diesem Sinne ist der Vertrag über die Sprache wieder an den Convivio, der große Songs in es auskommentiert (konkrete Anwendung der Theorie), um alle stilistischen Forschung von Dante, die durch das neue Leben und die Reime geöffnet und zusammengefasst und durch die Komödie abgeschlossen. Die Sprache lebt gleichzeitig als Mittel der Kommunikation und als künstlerische Schöpfung wiederum innoviert, als die "neuen", von denen der Autor die Notwendigkeit konzeptioneller und ethisch-politischen und wie die Realisierung von sehr präzise stilistische Möglichkeiten gespürt hatte.
Kindheit, wenn er die Hochschule der Jesuiten, wo das Theater war ein normaler didaktisches Instrument sorgte, und durch die Straßen von Sevilla, wo Sie mit Blick auf die Frage der Lope de Rueda, erste Student der Italienischen Komödianten zu rezitieren, beobachtet. Aber die widrigen Umstände frustriert, dass Berufung; und wenn ne dolse mehrmals, auch und besonders, wenn am Abend vor seinem Tod (1615), konnte nur veröffentlichen, ohne in der Lage zu sehen nie vertreten, Ocho comedias y ocho entremeses nuevos Nunca representados (acht Komödien und acht Neue interludes nie vertreten). Aber zur gleichen Zeit im Teatro Cervantes haben versucht, einen anderen Track: der Roman. Im Jahr 1585 eine bescheidene Herausgeber von Alcalá de Henares, Juan Gracian, veröffentlicht den ersten Teil der Galatea, eine pastorale Roman in Prosa und Vers, vermutlich in Italien begonnen, nach dem Vorbild der Arkadien der Sannazzaro, aber das wurde nie fertiggestellt, obwohl Cervantes promettesse mehrmals - das letzte Mal vor drei Tagen sterben - der zweite und letzte Teil zu geben. Wenig geschätzt, im Allgemeinen, von Kritikern, die Galatea hat stattdessen eine erhebliche Bedeutung, nicht nur, weil es enthält viele autobiografische Daten und Erinnerungen an viele liebe Freunde der Jahre von Italien (nicht alle unter ihrer "pastorale Verkleidung" gekennzeichnet), aber auch cervantini, weil Sie Fragen zum ersten Mal Themen in der Regel später in den großen Werken wieder aufgenommen. Im gleichen Jahr 1585 Datensätze, sondern ein echter Coup Szene, in der das Leben des Autors: die Aufgabe, die endgültige Darstellung von jede literarische Tätigkeit. "Ich hatte andere Dinge zu tun - er schrieb im Vorwort zur 1615 lakonisch zitiert -, habe ich den Stift und Komödien..." Links. Und er hat nicht nur das Stift, aber auch Madrid, sich selbst zu widmen, in Andalusien, einem bescheidenen Beruf: die Sammlung von Nahrung für die Expedition, die Philip II. gegen die Ketzer, England, der berühmten Armada vorbereitet, die zum vollständigen Ausfall (1588). Beigetragen, vielleicht, um die Szene zu schlagen, die seltsame Ehe (Dezember 1584) Der heute trentasettenne Verfasser mit einem jungen ländlichen Hidalga: Catalina Salazar, geboren und aufgewachsen in einem Dorf von La Mancha toledana Esquivias lebte, (das Land von Don Quijote). Seltsame Ehe für den Unterschied im Alter, Bildung und Ideen, die es gibt zwischen den beiden Ehegatten, der hatte aber keine Söhne (ein direkter Nachfahre von Cervantes, zusätzlich zu den schwer bestimmbaren Sohn Napoletano, wird Isabel de Saavedra bleiben, im November 1584 geboren, liebt mit einer Schauspielerin Ana Franca de Rojas, und offiziell durch den Verfasser) anerkannt. Von 1585 bis in die frühen Jahre des 17. Jahrhunderts die Biographie von Cervantes ist, zumindest in Erscheinung, leer von literarischen Fakten.
Werke: das Meisterwerk von Don Quijote
Die gramo Handwerk - nach der Ernte essen für die Armee, die buscandosi unter anderem eine Exkommunikation des Kapitels der Kathedrale von Sevilla, die Sammler von Steuern (alcabalero), die Abhängigkeiten von gierigen und unehrliche Unternehmer - Die fruttò, mit einigen flüchtigen Moment des Wohlstands, vor allem disgusti Und wehe nicht beenden, so dass zu einem bestimmten Zeitpunkt (1590) Kirchen von Verlassen für Amerika, mit dem wahrscheinlichen Absicht des Expatriate für immer: Wenn ein bürokrat nicht hatte unverblümt beantwortet Nein, vielleicht die Don Quijote (Don Quichotte) würde nie geschrieben wurden. Im Jahr 1597 den Bankrott und die Flucht von einem Banker - der Auftragnehmer einen Aufenthalt von einigen Monaten im Gefängnis von Sevilla beschafft; und hier, vermutlich für "dar Zeitvertreib Geist melancholisch und getötet", begann die Don Quixote, in der Form von kurzen Novella zu komponieren. In diesen Jahren hatte er sicher eine Menge zu lesen und zu schreiben, etwas: Verse, Theater, Novellen der Italienischen, vielleicht sogar für Kontakte mit Autoren sivigliani (als Mateo Alemán, deren Guzmán de Alfarache am Ende des XVI. Jahrhunderts, der Ära der Schelmenroman). Schließlich verlassen die Andalusien, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, Valladolid, Sitz des Gerichtshofes zu verlagern und der Regierung, seine komplizierte Konten mit den Steuerbehörden, Cervantes trug das seco eine bemerkenswerte literarische Gepäck: verschiedene Novellen, darunter die wunderbare Rinconete y Cortadillo, und fast der gesamte erste Teil des Don Quijote, für die sie fragte und im Jahr 1604 die vorgeschriebene "Privileg" gewonnen. Ein Jahr später wurde das Werk in Madrid veröffentlicht auf einem schlechten Edition des Verlages Juan de la Cuesta, und der Erfolg war sofort als unerwartete. Links Valladolid - wo er hatte andere Ärger mit Gerechtigkeit für den Mord an einem bestimmten Ezpeleta, in der die Armen Cervantes es absolut kam - der Schriftsteller zog er nach Madrid, wo er die letzten zehn Jahre des Lebens zu verbringen (mit einigen zu Esquivias, wo er an der Frau zu wohnen Reisen). Der Erfolg von Don Quijote (verschiedene Editionen, auch Piraten und eine erste englische Übersetzung) nicht brachte ihm einige der Wohlstand, noch die von vielen weh, Schulden befreit, Familie Pies. Im Jahr 1610 vergeblich versucht, für Neapel der Neue vizekönig Lemos zu verlassen; und vielleicht der letzte Rückschlag und Vorahnung der kommenden Ende der induzierten die literarische Tätigkeit zu intensivieren: im Jahr 1613 ging aus dem schönen Novelas ejemplares Novelle Exemplare), im Jahr 1614 die Viaje der Parnassus (Weg des Parnassus), im Jahre 1615 den zweiten Teil des Don Quixote und die Ocho comedias y ocho Entremeses, und schließlich in 1617 Los trabajos de Persiles y Sigismunda (die Leiden des Persile Sigismonda und), posthum, da Cervantes war tot am 22. April des Vorjahres von Diabetes und Arteriosklerose. Der Brief der Widmung von Persile an den Grafen von Lemos, vom 19. April 1616, ist ein wunderbares Dokument der Melancholie zurückgetreten; und unter anderem neue Werke, wie der zweite Teil der Galatea, Weeks von Jardín (Wochen der Garten), vielleicht eine Sammlung von novellen wie das Decameron, und Bernardo, verloren gegangen ist oder nicht, das je geschrieben wurde versprochen. Was blieb, war jedoch mehr als genug Cervantes eine der größten Schriftsteller aller Zeiten zu tun.
Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung bringt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um die Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der Darstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
arstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
