Das Lexikon
Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko.
Kunst: in Frankreich
Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard.
Kunst: In anderen Europäischen Ländern
Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).
Allgemeine Beschreibung
Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung briDie didaktische Drama
Die didaktische Drama (lehrstücke), auf einer Dialektik einfach hammer und strukturiert, sind echte Lehren des Marxismus für öffentliche und Akteure. Es mehr gültig und poetisch unter diesen gelungen ist Die heilige Johanna der Schlachthöfe (1929-31; Santa Giovanna von Schlachthöfen), im Chicago der Jahre der Rezession ähnlich wie in London der Dreigroschenoper gesetzt: die Gangster-magnaten von Fleisch NIS m von Schiller sprechen, die Arbeiter in Prosa, und Joanna Dark, inbrünstigen Mitglied der Heilsarmee, Versuch einer Mediation, die den Glauben an Gott und wenn vor revolutionären zu verlieren, aber, während einer Revolte getötet, wird "integriert" aus dem System, die Heiligen verkünden wird. 1932 Brecht arbeitete auf dem Drehbuch von S. DudowKuhle Wampe (aus dem Namen eines Bezirk von Berlin) und es stellte sich heraus Roman Die madredi Gorkij in Murmeln, die nach wie vor eines der deutlichsten Beispiele für epische Theater sterben. Im Jahr darauf in Paris Gedichte Lieder, Chöre (Gedichte, Lieder, Chöre) veröffentlicht, Brecht nahm den Weg des Exils. Die Nazis verbrannten seine Werke im Lagerfeuer vor der Oper in Berlin. Die Emigration führte Brecht erste hat Prag, Wien, Zürich, dann hat Krone (Lugano) und schließlich in Dänemark. Im Jahr 1935 begann, Furcht und Elend des Dritten Reichs (Furcht und Elend des Dritten Reiches), künstlerisch einfach glücklich zu arbeiten, dass die Regelung die Schrecken der Verfolgung beschuldigt. Nach einer Reise Moskau im gleichen Jahr, bei denen es hat direkten Kontakt mit Tee zu Formalitäten Theorien der Šklovskij, Brecht hat eine neue Reihe von Meisterwerken. In "Der gute Mensch von Sezuan (die gute Seele der Seciuan) Ru überblickt, in Pessimismus total und radikalen Ablehnung jeder Religion, das Gebot der gegenseitigen Hilfe unter den Elenden, zu mischen, der Solidarität, der Klasse, der Barmherzigkeit und der elementare Bedürfnis der Wärme, die Brecht nennt Referenzen und widmete er sehr jung, das berühmte Gedicht von der Referenzen der Welt" (Von der Freundlichkeit der Welt). Dies muss heute gut, negative in einem revolutionär sein, kann Positiv und nur zufrieden sein, in der Gesellschaft ohne Klassen und ohne Ausbeutung. 1938/39 Brecht erwartet im ersten Entwurf von Leben des Galilei (Leben des Galilei), wird das Problem der Beziehung zwischen wissenschaftlichen Entdeckungen und ihrer sozialen Anwendung und Politik und im Schießen 1939, in Mutter Courage und ihre Kinder (Mutter Courage und ihre Kinder) das Thema der Absurdität des Kampfes der gegen andere Unterdrückte anstatt gegen die Unterdrücker gemeinsame Unterdrückten. Nach Schweden zog, Brecht schrieb ein Drama - Prozess gegen Militarismus, das Verhör des Lukullus (en Prozess der Lukullus), während in London die Svendborger Gedichte (Gedichte in Svendborg), Verbindungen Ger en 1933 und EN 1939 verlassen. 1940 Brecht in Finnland aus Schweden, und die aus der Geschichte Der finnische Schriftsteller H. Wuolijoki zog es "beliebte Drama "Herr Puntila und innerhalb von Knecht Matti (Herr Puntila und sein Knecht Matti), die Geschichte einer schwierigen Beziehung zwischen einer klug Fahrer und es seinem Herrn. Noch in Finnland Brecht schrieb "Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui (Tee fassbare Aufstieg des Arturo Ui), wo umschreiben, Goethe und Shakespeare erzählt die Unternehmen einer Bande von Gangster (die Nazis) NIS Gemüse Märkte von Chicago, und unmittelbar nach der Fragmente in Prosa Flüchtlingsgespräche (Dialoge von Flüchtlingen). 1941 Brecht links Finnland und durch die Sowjetunion erreichten die Vereinigten Staaten vereinbaren in Hollywood. Hich Brecht, der auch als Drehbuchautor des Films arbeitete, Schießen in Schweyk im zweiten Weltkrieg (Schweyk im zweiten Weltkrieg) die Figur des Soldaten Assay und naiv von Hašek, vorbei an unversehrt unter und Henker Lichter und Front in Stalingrad hat eine Phantasmagorische Dialog mit Hitler. Das neue Meisterwerk ist Der kaukasische Kreidekreis (en Kreis von Gips des Kaukasus), schriftliche Ger en 1944 und EN 1945 und dann triumphierend durch die Berliner Ensemble am Schiffbauerdamm vertreten, mit dem Direktor des gleichen Brecht: hich entsteht eine der Lehren von Brecht, erklärten Feind der einzelnen Heroismus: Kurve nicht brechen, auch verschlechtern sich für eine Zukunft, in der es überwältigt wird sopraffattore oder besser sein zu speichern ist nicht mehr die Unterdrückung.
Die Bewegungen der Gewässer: Gezeiten
Die Gezeiten des Atlantik sind hauptsächlich semidiurno Rhythmus und haben in der Regel starke Amplitude, geht von der Annahme aus, dass Werte sind besonders hoch in bestimmte Küstengewässer oder Schächte: Während die durchschnittliche Werte haben Sie 11,4 m in der Bucht von Fundy und 10,1 m in der Bucht von Frobisher (beide in Kanada), 10,4 m bis Puerto Gallegos (Argentinien), 9,7 m an der Mündung des Severn (Großbritannien), 9,3 m in Bréville-sur-Mer (Frankreich); die maximale Werte höher als die Welt sind 19,6 m in der Bucht von Fundy, 18 m nach Puerto Gallegos und 17,4 m in der Bucht von frobisher. Der Tidenhub ist jedoch relativ bescheiden in den Inseln im offenen Ozean entfernt; ist zum Beispiel von 1,2 m auf den Azoren und 0,60 m in Sant'Elena.
Wirtschaftliche Ressourcen
Die Fischerei ist von erheblicher wirtschaftlicher Bedeutung, weil sie verknüpft sind industrielle und kommerzielle Aktivitäten, die einige Länder (Island, Norwegen, Österreich, Portugal). Nicht alle der Atlantik ist fishful; einige Bereiche sind schlecht in Fisch, andere Reiche: Diese zu den hohen Prozentsatz an nahrhaften Salze in Wasser aufgelöst und die daraus resultierende Fülle von Plankton verknüpft sind. Im nördlichen Ende des Atlantiks intensiv für den Fang von Hering und Kabeljau ausgeübt; Sehr fischig Ares einige Bereiche auf der iberischen Küste und der nord-westlichen Afrika; in kalten Gebieten Austral war das Siegel die Jagd auf die Wale und andere Meeressäuger praktiziert, sehr in den letzten Jahren gesunken und die derzeit von der internationalen Abkommens zur Erhaltung der Kleinwale (Wale, Delfine und Schweinswale) geregelt, im Schwarzen Meer, dem Mittelmeer und dem Atlantischen Ozean, im Juni 2001 unterzeichnet. Mehr lokalisiert ist das Angeln an der Küste (Krabben, Hummer in Großbritannien an den Küsten von Spanien und Portugal, Garnelen auf das Meer in der Karibik und im Golf von Mexiko), während wichtig sind die Austern und Muscheln an den französischen Küsten, Engländer, Belgier, us. Bereiche sehr Fischig sind jene an Terranova, von Island, dem Dogger Bank und der Bereich zwischen den Kanarischen Inseln und der Küste von Mauretanien zu erweitern. Entlang den Ufern von einigen Ländern (Irland, Frankreich) ist die Sammlung von Algen durchgeführt, die von der Lebensmittel- und chemischen Industrie eingesetzt. Die letztere, außerdem, abgeleitet von der Salze im Wasser des Ozeans zu den guten Teil der weltweiten Produktion von Brom. Da die Bodenschätze, bekannt seit dem letzten Jahrhundert die reichlich vorhandenen Präsenz, auf der Unterseite der Atlantik, polymetallischer Knollen. Diese Ablagerungen, die vor allem mit Mangan (25 %) und Eisen (15 %), haben eine Form und Größe, aber deren Anordnung in großen Tiefen bisher problematische Ausbeutung gemacht hat, sich nicht zu einem wirtschaftlichen Bequemlichkeit gegen die Verfügbarkeit von terrestrischen Reserven von Mineralwasser. Die starke Präsenz von diamantiferi Ablagerungen im Außen - die Küste Namibias, die begonnen wurde, Ausbeutung. Die grundlegende Ressource der ozeanischen Hintergrund ist in jedem Fall, Kohlenwasserstoffe vertreten, von den Festlandsockel des Meeres von Norwegen extrahiert, der Nordsee und dem Golf von Mexiko, in den Antillen Meer und den Golf von Guinea. Insbesondere die Nordsee geführt hat, in den 80er Jahren des XX Jahrhunderts, die Großbritannien in den ersten Plätze in der Weltrangliste von Erdöl produzierenden Ländern. Die zunehmende Nutzung der wirtschaftlichen Ressourcen hat ernsthafte Probleme für das ökologische Gleichgewicht geschaffen. Im Nordatlantik Becken manche Fischarten (einschließlich Thunfisch), nach Jahrzehnten der unkontrollierte Fischfang, sind stark dezimiert. Auch das Bohren der Ölquellen und mit den damit verbundenen Transporten, Marine oder zu führen, bilden heute eine beständige Quelle der ökologischen Gefahr, auf die die Umweltverschmutzung durch die Prozesse der Urbanisierung und Industrialisierung der Küsten- und durch immer intensiver maritime Bewegung von der atlantischen Häfen generiert hinzugefügt wird, gehört zu den größten der Welt.
Seeverkehr und Flugzeuge
Der Atlantik ist der Ozean, auf dem Sie tun die meisten maritimen Verkehr sind, nach besonderen Richtlinien orientiert. Insbesondere für die Träger der Routen des Nordatlantiks, die Europa verbindet mit Nordamerika und damit im Zusammenhang den industrialisierten Regionen mit hoher Bevölkerungsdichte, verbringen einen großen Teil des gesamten Atlantischen Verkehr und der Welt, die sich in erster Linie auch für den Personenverkehr. Die Routen sind zu den wichtigsten Häfen des westlichen Europa (London, Liverpool, Le Havre, Antwerpen, Rotterdam, Hamburg) und südlichen (Lissabon, Barcelona, Marseille, Genua) auf der einen Seite angeschlossen und die kanadischen Häfen (Montreal) und in den Vereinigten Staaten (New York, Philadelphia, Baltimore, New Orleans) auf der anderen. Ein weiterer Lichtstrahl gebrochen Mid-Atlantic, weniger wichtig, aber immer noch beachtliche, konvergiert, die von den Häfen Europas und, in einem größeren Ausmaß, von denen in Nordamerika, in Richtung des Kanals von Panama. Bedeutung, sowohl für den Güter- als auch für die Passagiere, den Balken aus Europa zu den wichtigsten Häfen Südamerikas (Recife, Rio de Janeiro, Santos, Montevideo, Buenos Aires) geleitet wird. Handel immer intensiver Auftreten auf den Strecken im westlichen Atlantik zwischen Häfen in den USA und Kanada, aus denen die sag industrielle Produkte, und die Häfen von Südamerika (Venezuela, Brasilien, Uruguay, Argentinien), von der als Rohstoffe. In konstanter Erhöhung Leitlinien zwischen Europa und Nordamerika mit Afrika. Das Bündel von Routen zwischen Europa und der afrikanischen Küste hat eine Zunahme ihrer Bedeutung gesehen nach der Schließung des Suezkanals in Konflikten zwischen Ägypten und Israel von 1956 und 1967, dass der Transit erstarrte bis 1975) und ist damit der wichtigste Weg für große Tanker Transport von Öl zwischen Asien und Europa. Die Wiedereröffnung der Kanal hat durch nur teilweise die Bedeutung ging in bezug auf die Kohlenwasserstoffe, während die Spur von Suez va erholt sich wenig durch wenig Relevanz für andere Waren. Kürzeste Wege vereinen Afrika (Dakar, Accra, Lagos, Kapstadt) nach Südamerika und den beiden Südamerikanischen Küsten zwischen ihnen durch die Straße von Magellan. Die wichtigsten Routen des Luftverkehrs sind nahezu identisch mit denen des Seeverkehrs, sondern noch mehr durch den Verkehr, gerichtet ist oder kommt aus den Vereinigten Staaten dominiert. Die wichtigsten sind die Routen der Nordatlantik, durch das die meisten Passagiere weltweit transportiert; in erhöhen auch die Freizügigkeit von Waren, obwohl viel weniger wichtig. Andere Träger der Routen, sekundär in Bezug auf die vorhergehende, Europa, der Karibik und Südamerika vereinen und sogar auf diesen Routen, die Bewegung der Passagiere in einem kontinuierlichen Wachstum.
Allgemeine Informationen
(Rio Amazonas.). Der Fluss Südamerikas, die in der Region der Anden und Kreuze von W E Brasilesettentrionale Tee geboren wurde, ihre Gewässer in den Atlantischen Ozean zu gießen. Formulare mit seinen Nebenflüssen den großartigsten der hydrographischen System der Welt: Es ist der zweite Fluss, für die Länge der Erde (6280km, vom Beginn des Ucayali, der längsten Äste sorgentiferi gemessen), aber es ist das erste für das Einzugsgebiet (7 Millionen 50.000 km², einschließlich des Beckens Tocantins, die von einigen als seinem Nebenfluss angesehen). Anderen Zeitpunkt kann noch besser veranschaulicht die Pracht dieser Fluss: wenn es erreicht das Meer, seine durchschnittliche Durchflussmenge ist 200 Tausend m3/s und seine Ufer entfernt sind von einer anderen Zertifizierungsstelle. 10 km; die Mündung, 580 200 km, ist übersät mit Inseln. Der Einfluss der Menge Wasser, die dem Amazonas führt zum Meer macht sich sogar Offshore fühlte: In einem Umkreis von über 300 km in der Tatsache, dass das Wasser des Ozeans deutlich entspannt werden. Bei Flut ist jedoch das Meer, das mit seinem Wasser tief in das Hinterland Invasion der Fluss durchdringt. Die Auswirkungen zwischen den Strom des Flusses und die Flutwelle ist manchmal so heftig ein düsteres Rauschen, dass Indigene pororoca tätigen.
Der Kurs
Den Amazonas bilden in den Peruanischen Gebiet, Ca. 100 km SSW von Iquitos, der aus der Union von den Flüssen Ucayali und Marañón, der Abstieg aus den Anden in Richtung S-N; kurz hinter Iquitos dreht sich und seinem Kurs der Ebene ab. Nachdem Sie von der linken auf den Beitrag des Rio Napo und nach einer kurzen Strecke auf der Grenze zwischen Kolumbien und Peru, in der Korrespondenz der Stadt Benjamin Constant in brasilianischen Gebiet gebildet; hier ist der Fluss breit 2500 m und Folien nur 65 m mit einem minimale Steigung (aber das aktuelle ist in einigen Strecken sehr empfindlich ist, aufgrund der großen Fluss); folglich seinen Kurs wird durch eine große Anzahl von Windungen bewegte, parallelen Zweigen, Lagunen und sekundären Abzweigungen und das Bett, sehr tief, Neoprenanzüge von kontinuierlichen und neigt zunehmend bereits in Manaus 5 km auf 3160 km im brasilianischen Gebiet den Fluss (der von der Grenze nach Manaus zu erweitern Wird aufgerufen, Solimões) erhält das Wasser von mehreren Nebenflüssen der Abstieg aus den Hochebenen von Guayana und Brasilien; die wichtigsten sind die von der Rechten (Juruá, Purus, Madeira, Tapajós, Xingu), während zwischen die der linken desto größer ist die Rio Negro. Öffnet mit einem immensen Mündung Tiefen von 75 bis 100 m, verwirrend sein Wasser mit denen des Tocantins, von der es getrennt ist nur durch die große Insel Marajó: dies ist der Grund dafür, dass einige der Tocantins seinem Nebenfluss betrachten. Der Fluss schiffbar, außerhalb der Andenregion, stellt einen sehr wichtigen Kommunikationsweg (Ca. 44.000 km mit den Zuflüssen), in einigen erstreckt sich die nur für die Marktdurchdringung in den amazonischen Regenwald: Die ozeanische dampfschiffe wie in Manaus, die kleinere Schiffe bis zur Mündung des Flusses Huallaga (Peru) während die Inder, mit den Pirogen, Tee fast völlig.
Mann peruanischen politischen (Lima 1949). Ausgebildet an der Universität von Lima, Madrid und Paris, in seine Heimat zurückzukehren, um die konstituierende Versammlung (1978) und in der Folge an das Parlament (1980-85) gewählt. Mitglied der Alianza beliebte Revolucionaria Americana (APRA) wurde er Sekretär im Jahre 1982 und in den Präsidentschaftswahlen 1985 gewann mit einem breiten Rand, wobei davon ausgegangen wird, dass die Führung des Landes am 28. Juli. Offenbart, während seiner Lieferungen, nicht aber auf die Höhe für die Lösung der Probleme von Peru und alienatosi die Gunst der Bevölkerung, der Linken und der Gewerkschaften mit der Verabschiedung der strenge Maßnahmen, um eine Politik der nationalen Planung, die in den Präsidentenwahlen von 1990, García nicht die erste Runde überwinden konnten und zur Wahlurne zu gehen. 1992, nach den Vorwürfen der Korruption mossegli von Präsident Fujimori, zog das Land zurückkehren zu können. Zehn Jahre später als Kandidat bei den Präsidentschaftswahlen 2001, von seinem Gegner Alejandro Toledo gewonnen. 2006 gewann die Präsidentschaftswahlen, die nach dem Wahlgang mit Ollanta Humala.Das Lexikon
Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko.
Kunst: in Frankreich
Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard.
Kunst: In anderen Europäischen Ländern
Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).
Allgemeine Beschreibung
Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
Kleinere Arbeiten
Ein Notebook Autogramm mit Korrekturen und renoviert, behält die Mehrheit der lateinischen Texte von Ariosto, dating in den meisten Fällen an die Jugend der Dichter (Ca. 1494-1504). Einige sind wenig mehr als Schule Übungen; in anderen aber die Technik ist ausgereift und scheinen bereits Einstellungen und Erfindungen verdient mehr Ariosto. Wenn der lateinischen Musa wurde bald von dem Dichter und der lyrische vernacular er viel länger (1493-ca kultiviert aufgegeben. 1525) und zeigt in der warmen Sinnlichkeit, sie durchdringt, desto tiefer die Assimilation der Lateinischen erotisch. In der Cassaria (1508), die erste reguläre Komödie italienisch und in den Suppositi (1509 dargestellt) Ariosto benutzt das klassische Verfahren der contaminatio: Charaktere und Situationen der lateinischen Modelle in einem neuen Schuß verdreht. Die anderen Komödien des Ariosto (Der Nekromant, Lena, Studenten) haben Art frames Die meisten novella und direkte Verweise auf die moderne Welt. Zeichnet sich unter Ihnen die Lena für die komplexen Charakter, der die Arbeit aufgerufen wird und die unklare Situation, in der es sich bewegt. Die sieben Satiren wurden in tercets zwischen 1517 und 1525, d. h. während der Zeit nach der ersten Ausgabe des Furioso; sie sind Mo'von Briefen an Verwandte und Familie gewidmet. Der Ton der Satiren ist conversativo: Möglichkeiten, Familie, sogar sprichwörtlich, Witze, liebenswert, so daran zu erinnern, dass die satiren, den Briefen oraziane; aber in der Substanz, die Satire des Ariosto ist weit von der Orazio, diktiert, wie es durch eine moralische Ressentiments erlebt und so viel von der Weisheit hedonistischen gelitten. Nicht täuschen Haltungen rinunciatari, die lobpreisungen der abitudinarietà Serena und meditativen sesshaftes Leben: sie haben eine dialektische Funktion (Zeigen in der Klappe auf der Aufhebungen die feste Entschlossenheit der Ariosto ihre Arbeit des Dichters zu schützen) und eine Kontroverse (mit Blick auf die unzähligen Formen des Karrierismus und Ehrgeiz). Unter der Oberfläche der bonarietà v ist eine Energie Ethik, Ariosto, Zeit und Ort, wusste, wie man in zu handeln. Und ich bin index Buchstaben (über 200), so dass in der Nähe der Satiren für die Haltung, in der Sie die Ariosto präsentiert: nicht für den Druck bestimmt sind, sind sie in konkrete Gelegenheiten geschrieben und mit bloßen Sprache und wirksam.
Orlando furioso
Es war schon sehr in der Zusammensetzung der 1507 erweitert; es kam zu seinem endgültigen Aspekt im Jahr 1532 (die Cinque canti, posthum erschienen, bezeugen, zusätzlich, dass ein gewisser Rückgang in der Ader des Dichters, presentimenti eines anderen Geschmack). Dies zeigt, wie das Gedicht konstituiert hat, überwältigend, in den Mittelpunkt der schöpferischen Tätigkeit des Ariosto. Nach einer ersten Definition, die Furioso war eine Art Ergänzung zum Orlando Innamorato, dass M.M.Boiardo, vom Tod gerupft, unvollendet gelassen hatte. Aber es ist eine andere ideologische Perspektive, in der sich das Ariosto, mit Bezug auf die Chips und Boiardo, der ritterlichen Welt: Kein attraktiver Paradigma und obwohl weit entfernten, aber literarische Fiktion, die feiern die Werte noch vorhanden (der Heldenmut, Ehre, besonders liebe) und durch dessen Zeichen erhöhen die Vielfalt, und oft die Größe des menschlichen Handelns. So akzeptiert die Immersion der karolingischen Zyklus (EPIC) in den bretonischen Atmosphäre und Romantik der Runde Tisch, Fortsetzung der Wechsel zwischen Nutzung der Romane mittelalterlichen Französischen (viel bei Ferrara geschätzt) und klassische Texte, Ariosto etwas absolut Neues auch in Stil und Sprache erarbeitet. Komplex, aber calibratissima, die Struktur des Gedichts, die aus 40 Songs der letzten Ausgabe auf 46 gebracht wurde. Gerüst bilden die Ereignisse des Krieges zwischen Carlo Magno und Agramante: Der Wechsel von Perioden der Ruhe und halten Sie mit denen der Krieg guerreggiata, die Bewegungen der Figuren regelt. Diese strukturelle Methode ist durch die Anwesenheit, diskret aber festen erhärtet, Dichter, der eine subtile Kunst der Übergänge der Leser zu einem übergeordneten Betrachtung des extremen positive und negative Stimmung bringt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um die Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der Darstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
Allgemeine Beschreibung
ngt, Grenzen (Tragisches und Komisches, Erhabenes und miserabel), die möglicherweise von Zeit zu Zeit die menschlichen Handelns zu erreichen. Zwei sind die wichtigsten Frames, die in der Weise abgelegt werden beschrieben, auf dem Gerüst durch Kriegsereignisse bildete: Sie betreffen Orlando und Ruggiero. In ihren Abenteuern (zwischen denen ist eine dünne antagonistischen Parallelität) Klar ist die Intention, die in vorbildlicher Weise das Gleichnis von zwei moralischen Persönlichkeit, durch eine Zeichnung, die mit Ruggiero Bewusstsein seines eigenen Seins führt und seines Schicksals die Orlando zu epischen Ausmaßes seiner Herkunft führt zu zeichnen. Auch die anderen Charaktere sind konsistent in ihrer Komplexität und ihrem Design, während die idealisierte, nie die Realität verrät. Für den Rest, der Phantasie des Ariosto nicht an eine Flucht aus der Realität ab, sondern um die Schaffung einer poetischen Welt, die der Realität wiederholt in größerem Umfang und mit größerer Freiheit des Experimentierens, die Proportionen. Wir fassen Sie die Beziehung der gegenseitigen Notwendigkeit zwischen Verpflichtung realistisch in den einzelnen Porträts nachweisbar, im Panorama der menschlichen Neigungen, in der Darstellung der Aktionen und Reaktionen, die sie Regieren und auf der anderen Seite die dilettoso Hingabe an die Möglichkeiten der Märchen und die Flucht fantastisch, unter Paläste und verzauberten Inseln, zwischen ippogrifi und interstellare Reisen, zwischen Märchen und wundersame Waffen Unverwundbarkeit, zwischen Riesen und Monstern. Es ist ein sinnvolles Verhältnis und allusively von Ariosto produziert, die durch die zeitgenössische Literatur und unterstreicht gentlemanly moralistischen erkennt die Wahrheit und das effettualità Zeichen und Gefühle, während mit der Ironie oder mit den Witz markieren den Rand der freie Erfindung. Die Ironie übt eine kontinuierliche Zurück zum Gleichgewicht, nicht nur zu entdecken, wie diese Flüge der Phantasie, sondern auch durch die Dämpfung der Spitzen der Idealisierung. Die Ironie ist wirklich ein Zeichen von Weisheit, aber die Weisheit, auch den Wert der Illusion und Phantasie kennt. Die bildmarke Ariosto's neigt in der Tat zu verklären, meist die Vision neu nach dem Geschmack der Renaissance des architektonischen euritmia und chromatische Effekte, aber ebenso oft erstellen: Ja eine poetische Welt mit unerschöpflichen Möglichkeiten und Perspektiven zur Verfügung zu wecken. Die Fantasie ist, abschließend eine der Dimensionen der Sinn für die Schönheit der Ariosto; und das Gefühl der Schönheit zeigt die Dichtung in dem Umfang, der inspiriert und zurückhält. Diese Maßnahme ist ganz offensichtlich in dem Lächeln des Dichters: ein Lächeln der Warnung, weil die Realität der Poesie ist nicht mit der Realität verwechselt. Aber dieses Lächeln erhellt auch die Freude der Erfindung, ist Ausdruck der Zuneigung des Autors hin zu einer Welt, die sein werden, auch mit der Stoff aus dem die Träume sind, aber das hat die Vitalität der Kunstwerke.
