Allgemeine Beschreibung
Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
Per L'Arte
Mr. Jean, A. Mezel, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1959; F. Fortini, Movimento surrealista, Milano, 1960; J. Marcel, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1960; Herr Brion, phantastische Kunst, Parigi, 1961; A. Breton, Manifeste des Surrealismus, Parigi, 1962; S. Waldberg, Surrealismus, Ginevra, 1962; J. Pierre, Surrealismus, Losanna, 1965; R. Passeron, Geschichte der surrealen Malerei, Parigi, 1968; W. S. Rubin, Dada, Surrealismus und ihrem Erbe, New York, 1968; J. Corti, Wörterbuch Abstract des Surrealismus, Parigi, 1969; S. Alexandrinische, Wörterbuch der surrealen Malerei, Parigi, 1973; S. Waldberg, die Häuser von Hypnos, Parigi, 1976; A. Breton, Interviews, Roma, 1991.
Per Il Cinema
A. Kyrou, der Surrealismus in Kino, Parigi, 1953; R. Manvell (a Cura di), die Nascita del Cinema, Milano, 1961; S. Tyler, U-Film - eine kritische Geschichte, New York, 1969; G. Rondolino (a Cura di), die occhio tagliato - documenti del Cinema dadaista e Surrealista, Turin, 1972; A. Schwarz, ich surrealisti, Milano, 1989.
Biografia
Poeta statunitense (Hailey, Idaho, 1885 - Venedig 1972). È Tra i maggiori rappresentanti dell'avanguardia Storica del Novecento, che sia incarnò Nella sua Opera di Poeta sia Nella sua Opera di e scopritore critico di talenti. Giunto in Italia nel 1908, wenn stabilì Poi ein Londra e in seguito a Parigi, ritornando in Italia (a Rapallo) dal 1924. Per La sua adesione Al fascismo, motivata da verwirrt teorie politisch-economiche espresse in vari Saggi, e pro die Sue trasmissioni da Radio Roma Durante la Guerra fu tradimento accusato di e rinchiuso nel 1945 im Campo Concentramento presso slab Pisa Wettbewerbsbehörde americane, e quindi internato in einem Ospedale psichiatrico negli Stati Uniti, Wave evitargli Es processo e Die schlafplaetze condanna ist tot. Dimesso nel 1958, ritornò in Italia, Taube visse Fino alla tot.
Opere
Formatosi su Dante, Gli e i provenzali stilnovisti, kommen appare Dalla raccolta di Saggi der Geist der Romantik (1910; Lo spirito romanzo) e dalle Sue libere versioni Di Cavalcanti, confusamente imbevuto di Cultura europea, nella Poesia giovanile abgewechselt tendenze Fra musicali e preraffaellite, aneliti alla concisione Classica e es Desiderio di ridare durezza consistenza e" "Alla poesia compromessa tardoromantiche sdolcinature Platte. E Seguace scopritore di T.E. Hulme, POI pro Breve tempo Segretario di W. B. Yeats, nel elaborò 1912-13 e lanciò I Principi della poetica imagista, da Cui wenn staccò quasi subito pro Dar Vita, Assieme hat W. Lewis, H. Gaudier-Brzeska e altri, Al vorticismo, che sostituiva alla Die fissità dell'Immagine im vorticoso Movimento immagine, e che im Tal senso Ebbe punti di Kontakt Col futurismo Italiano. Contemporanea è Die scoperta, Grazie agli appunti di E. Fenollosa da ihm Editi, dell'ideogramma cinese kommen möglich Mezzo Di Poesia, scoperta che Gli aprì Via alla poesia Maggiore. Alla Raccolta Cathay (1915) e allo Studio dei Nr. giapponesi (1916) seguiva nel 1920 poemetto Hugh Selwyn Mauberley, che rappresenta Es kulminiert della Poesia giovanile di Pound e tipico Beispiel Di quella forma", "sincopata basata sullo Staccato e sulla avrebbe giustapposizione, che Eliot applicato Alla sua Terra desolata Proprio in seguito alla sollecitazione poundiana. Già da qualche anno Pound aveva cominciato Der stesura della sua Oper Maggiore, quei Cantos che im Ursprung aspirare dovevano Al dantesco Anzahl di Cento e a cui Egli avrebbe dedicato tutta La Vita, creando una Summa poetica brillante e farraginosa, ispirata e confusa. Basati sul Guenther omerico della discesa agli inferi e sul Guenther ovidiano della Metamorfosi, ich Cantos vogliono essere ein compendio della Storia e della Civiltà Contemporanea, spaziando da METR greci hat provenzali METR, dal motivo Americano quello confuciano hat. Es Relativizzando Tempo, per Cui tutte le esperienze Sono contemporanee, e mescolando Lingue e Stili Alternativen (compresi Gli ideogrammi cinesi), Essi inseguono in una Panoramica storica, Mitologica, letteraria e autobiografica Franta e sconnessa Der incarnazioni del mostro dell'Usura, Visto da Pound kommen Sie Guenther negativo che unterbrechen flusso es lebenswichtig. Die progressione dei Cantos (16 nel 1925, 27 nel 1928, 30 nel 1933, 41 nel 1934, 50 nel 1937, 71 nel 1940) kulminierte anche nei poeticamente Pisaner Cantos (1948), alla ispirati prigionia del Poeta e Alla scoperta del Dolore: una sorta di Purgatorio hat Cui seguono barlumi di Paradiso intravisto Nella sezione Rock-Drill: 85-95 (1956), in der Throne, 96-109 (1959) E NIS frammenti pubblicati nel 1970. Sono forse der Oper più ambiziosa del Novecento Americano, ein coacervo di brillanti intuizioni confusioni e Politiche, di Momenti di altissima Poesia e oscurità incomprensibili, anche Pro die ECCESSO DI plurilinguismo. In quegli stessi anni Pound proseguiva Die SUA Opera di critico (das ABC des Lesens e es Neue, Del 1934; Leitfaden für Kulchur, 1938; Ich literarische Essays raccolti da Eliot nel 1954), di traduttore estremamente Libero meine acutissimo nel cogliere i Valori poetici (Konfuzius, 1947; Die klassische Anthologie, 1954; Übersetzungen, 1954) e di saggista politisch-economico. E radikale innovatore kommen teorico e Poeta, Mentor di Eliot e di Joyce, con Sue dottrine politiche oscurò Die SUA stessa visione Poetica. Die poesia del Novecento gli deve moltissimo sul Piano del linguaggio e delle poetiche Form; dibattuta Ancor oggi è Die qualità della sua riuscita.
Platerésco
Hinzufügen und Sm. (Pl. m. Chi) [Spanische plateresco, von platero, Silberschmied, Goldschmied]. Der architektonische Stil der starke dekorative Wirkung in Spanien in der ersten Hälfte des XVI Jahrhunderts bekannt. Seine komplexe Bildung beigetragen Elemente aus der Spätgotik, abgeleitet aus der italienischen Renaissance und der Französischen und von der Mudejar Kunst, sowie die üppige Geschmack für Dichte und akribische geschmückt aus der Schmuck abgeleitet. Der Begriff plateresco Tat am Ursprung angegeben Die elaboratissima Dekoration der Objekte aus Gold und Silber, und wurde mit Bezug auf die Architektur, die von Ortiz Zuñiga, platerescas Dekorationen der königlichen Kapelle in der Kathedrale von Sevilla definiert ist, angewendet. Beispiele Die meisten Charakteristisch für diesen Stil sind in Salamanca (Universität, 1516-29; Palast von Monterrey), Toledo (Krankenhaus von S. Cruz, 1504), Sevilla (Ajuntamento), Alcalá de Henares (Universität, 1540-53) und Guadalajara (Palacio del Infantado). " Siehe Gedea Kunst Bd. 6 pp 246-252" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 6 pp 246-252" zu vertiefen.
Das Lexikon
Sm. Und hinzufügen (pl. m. Chi) [XVIII. Jahrhundert; Prob. Mit dem Begriff baroco Schule].
1) Sm, Zeitraum des künstlerischen und literarischen, der geht von der vollständigen Klassizismus des 16. Jahrhunderts auf die Arcadia und in der Regel den Rationalismus, der Anfang des 18. Jahrhunderts.
2) auf literarische oder künstlerische Werke hinzu, dass dieser Stil oder einige ihrer Aspekte zu reproduzieren: barocke Malerei; ein Palast, eine barocke Kirche. Durch die Erweiterung, mit einem Farbverlauf spregiativa, üppige, künstliche, geschwollen, bizarre, ungeschickt: "Barocke Stage Coach überlastet der Ori, Flocken der Glocken" (Gozzano).
Literatur
Die Barocke in das Geschlecht war mit der Italienischen secentismo identifiziert, mit dem concettismo und mit der Spanischen gongorismo und, wie die historische Periode, in der Er zu manifestieren hatte, als grundlegende und typische im siebzehnten Jahrhundert ausgewertet wurde. Angesichts der exemplarische Charakter der Renaissance, von dem zweifellos für die Entwicklung der formalen Werte entstanden, und die innovativen Elemente oft impersonati in ausdrucksstarken Genialität und Ideenreichtum bizarre und launisch, war einfach die barocke von Leerheit und Interessen rein äußerlichen und capziosi Schuld. Seit dem siebzehnten Jahrhundert war das Jahrhundert der Gegenreformation und der spanischen Vorherrschaft in Italien, die kritische Literatur des Risorgimento, nachdem der Morgen Überlegungen der Aufklärung und der Arcadia auf Barock, hat die Vorliebe für formale Erfindungsgabe und Neuheitsrecherchen externen mit dem Mangel an Ideen im Bereich der politischen und sozialen und mit der Bewertung der Technik der Zeit als Spiel- und Hedonismus Ende in sich zusammenfallen. Von der Idee der Widerrufsbelehrung ist früh in der Geschichte der italienischen Literatur bestanden und in ihrer kritischen Einschätzung zu, daß der leeren Literatur und unfruchtbar, mit vollständiger Vernachlässigung der bildenden Kunst und Musik, wo auch mit Expansion in ganz Europa und Fin in Lateinamerika, sie bemerkt Blitze der Helligkeit Erfindungsreichtum und tiefen Sinn dekorativ. Für eine Auffassung von Kunst und Poesie streng verbunden mit der carducciano Klassizismus und die für die Beurteilung der Zivilisation verbunden mit den Gründen des Risorgimento in der Geschichte der italienischen Literatur von De Sanctis, Benedetto Croce ein Urteil negativ fast auf die barocke verstanden als secentismo, wenn nicht nur als Erweiterung der sich verschlechternden marinismo, mit Auslassungen, in genau untersuchen, darstellende Kunst und Musik in der berühmten Geschichte des Barock in Italien, 1929. Der Philosoph war jedoch, bevor Calcaterra, Jet und andere Gelehrte, der größten Kenner der Poesie und Italienische Briefe des siebzehnten Jahrhunderts; aus dieser Sicht, die Proben Proben und die neuen Assays auf italienische Literatur des siebzehnten Jahrhunderts, jeweils in 1911 und 1931, und die verschiedenen Editionen von Schriftstellern der Zeit, ohne genau die mehr Gefühl in seiner barocchismi, Basile de Lo Cunto (Gesicht in Italienisch vom Kreuz selbst als Pentamerone"). In dem Urteil oft negativ über die Gründe mehr flashy geräumig und in der Tat der Kultur, statt der Spiritualität, der barocken Literatur und Poesie, die kritische Position des Kreuzes ist von langer Dauer in der gleichen kritischen Italienischen Universität und sogar mit einer schlechten Bewertung des Beitrags der renommierten von Spanien, von der Renaissance hin zu neuen Eroberungen der Form bewegt: in Wirklichkeit bereits Karl Vossler, in seiner großen Verehrung des Kreuzes, konnte nicht akzeptieren das Urteil des Freund und war in Buchstaben dann in ihre Korrespondenz versammelt, die Bedeutung von Góngora und anderen spanischen Dichter. Die Verwendung negativer beurteilen das Konzept des Barock (im wahren Sinne des Bewegung merkwürdige und seltsame) nach Elemente der poetischen gongorismo (oder culteranismo) Spanisch, Französisch und Englisch preziosismo eufuismo hat manchmal der Begriff auf einen negativen Wert in der Geschichte der Kunst selbst reduziert wird. Und dies mit schweren Enttäuschung derer, die die barocke Architektur in Europa oder Lateinamerika bewundert und Sie verlassen die Faszination der Musik genau definierten Barock. Im Gegensatz zu diesem Trend negatrice oder zumindest Begrenzung, der barocken im Allgemeinen und insbesondere der Literatur (für entlang Zeit secentismo von Kritikern genannt) ist die Erhöhung des Katalanischen Eugenio D'Ors, die in seinem berühmten Buch, in französischer Übersetzung 1936 verbreitete, sah die barocke als Zeit Herr des Geistes und in seiner Typologie, die vantò im Gegensatz zum Klassizismus, verstanden als ein Moment der formalen Harmonie und, im Bereich der Kultur, euritmia. Viele Trends, die schon in einer bestimmten Weise zum Ausdruck von Wölfflin seit 1888 mit der Renaissance und des Barock und mit dem Aufstieg der neuen Trends Kritik an der Kunst als reine Sichtbarkeit verbunden, die Gelegenheit haben, polemisch zu manifestieren sich in die Fußstapfen von D'Ors für eine vollständige Bewertung der barocken Erfindungsreichtum, Geschmack für das Neue und das brillante, für die Ablehnung der Regeln mehr oder weniger Schule des Klassizismus. Wenn in der Vergangenheit Nisard könnte werfen einige Französische Romantik, wie der lateinische Dichter der Dekadenz, jetzt rühmen ist unregelmäßig Gründen aber Innovatoren mehr Jahrhunderte als positive Elemente zu den Erfindungsreichtum des menschlichen Geistes, vom alessandrinismo bestimmte Tendenzen des Mittelalters in verschiedenen formalen Errungenschaften, von Natura morta in der Malerei zur Gartenarbeit künstlerische, auf die Dekoration der Juwelen und die Witze, die in der Musik. Etwas unregelmäßiger sowieso besteht in der Barock, ab dem Ende von vor einigen Jahrhunderten gekennzeichnet ist: Es reicht von barrueca, pearl seltsame Form und in jedem Fall nicht perfekt rundKunst
Im Bereich Bildende Kunst der surrealistischen Bewegung, um 1924 erbaut, war eine Fortsetzung des Dadaismus, die Aspekte der Reaktion zum formalismus kubistischen, Nihilist, Erhöhung der Unsinn und des Irrationalen, Nutzung der Elemente der psychischen Automatismus und der Zufälligkeit. Die gleichen Arbeiten der Dadaisten haben mehrere Berührungspunkte mit denen der Surrealisten, von denen einige in der Tat kam aus der Dada-bewegung (Ernst, H. Arp, M. Ray etc.). Wichtiger Bestandteil der surrealistischen kunst war auch der metaphysischen Malerei, die mit der Arbeit von G. De Chirico insbesondere bereits mit Klarheit einige charakteristische Merkmale: nebeneinanderstellungen unveröffentlichte Objekte neigen zu einer neuen und versteckte Bedeutung, das Gefühl der Leere durch einzigartige Erfindungen und Strukturierung Vorausschau festgelegt, die gleiche Atmosphäre, die aus diesem Vakuum, Dichte von Ambiguität und Geheimnis floss skizziert. Neben diesen kulturellen Hintergrund aus, das seine Kraft Surrealismus müssen als auch die primäre Rolle der Psychoanalyse, die einen völlig neuen Horizont der Kunst eröffnet hatte: die Welt des Traumes und seine Bedeutungen betrachtet werden. Neben dem Dichter um Breton versammelten nach Paris kam Malern unterschiedlicher Herkunft (Ernst, Y. Tanguy, Masson, R. Magritte, Dalì, S. Delvaux, J. Miró, V. Brauner usw.), die mit personalissimi Beiträge an die surrealistischen Schlacht für 15 Jahre gehalten hat, bis zum Vorabend des Zweiten Weltkriegs, nicht ohne Krise, Kontraste und interne Polemik. Die schnelle und allgemeine Verbreitung der surrealistischen kunst aus Europa, Amerika, Japan, wurde von den gleichen Bedingungen begünstigt und das Klima in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen, die der Künstler eine reiche und thematischen aktuelle Inspiration gab, das Drama, die auf Europa und dass Künstler Surrealisten wusste, wie man mit monströsen Bilder und terrifiche, Dichte von Bedeutungen (K. zum Ausdruck erreicht werden Seligmann auf S. Nash, W. Paalen, A., D. Bräunen, J., O. Tunnard Dominguez, W. Freddie, V. Brauner, W. Lam, bis zu S. Picasso). In Bezug auf die Malerei, Surrealismus gab Anlass zu zwei Trends ("Zwei Seelen"), ein Realist (dass jeder insbesondere wollte das Instrument calligraficamente hervorgerufen) und eine Zusammenfassung. Die Surrealisten "veristi" ist jedoch durch eine Formensprache, die nur scheinbar in die Realität verlassen ausgedrückt, denn tatsächlich absichtlich verformt wurde und äußerst gekünstelt, so Subtraktion des Objekts von seiner Identität und Standort die üblichen ihn zu verändern im Bereich der ungewöhnlichen Verbände (also Magritte, Delvaux, Dalí, Ernst). Die Tendenz, die "abstrakten" statt behauptete sich mit den Künstlerinnen und Künstlern, die als Masson und später Miró, an einem realen psychischen Improvisation. Allerdings sowohl durch die erste und die zweite Kunst wurde als ein Fahrzeug des Wissens irrationalen, Austausch des Okkulten und die offensichtliche und dem erklärten versiegelt. Die historische Periode, Fermenten und Anreize der Surrealismus abgeschlossen haben, die in die Kunst des Zweiten Weltkrieges entstanden und immer noch Handeln in der zeitgenössischen Malerei: die psychischen Automatismus, zum Beispiel, war der erste Schritt in diese Richtung" schreiben Sie "Automatische, zugrunde liegt, viele Trends der Amerikanischen und Europäischen Kunst, sowie die Technik der Collage und der Wiederentdeckung des Objekts "Abgelehnt" bilden die Grundlage der Nouveaux Réalistes. Zeugnis des Interesse noch am Leben, im Laufe der Jahre für das Phänomen des Surrealismus, ist die grosse retrospektive Ausstellung in 2002 im Centre Pompidou in Paris, das sammelt die wichtigsten Werke der Periode (Die Violon d'Ingres von M.Forst,, Porträt prémonitoire de Guillaume Apollinaire, G. De Chirico u.a.). " Siehe Gedea Kunst Vol.9 pp 294-306" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Vol.9 pp 294-306" zu vertiefen.
Theater
Aus der künstlerischen Programme der Bewegung und insbesondere aus den Formulierungen von Breton, der ihn ein Beispiel für die Dekadenz betrachtet und das Inverkehrbringen von der Kunst ausgeschlossen, Theater belegt einen Teil ist sehr in der literarischen Produktion surrealistischen beschränkt, obwohl er beim Booten von einer Tragödie von Apollinaire. Es gab einige Texte, Aragon, R. Desnos und die gleichen Breton, die rein auf die Veröffentlichung (das interessanteste ist die Place de l'Étoile, 1927, desnos) und es waren vor allem die theoretischen Ausarbeitungen und Versuche zur Inszenierung von Artaud und die wichtigen Komödien von R. Vitrac. Beide, gerade für diese Theater Erfahrungen, wurden offiziell von der Bewegung ausgeschlossen und war Gegenstand von vituperi und Polemiken, voll Schwätzens, wie anlässlich der Regia artaudiana der Traum von A. Strindberg, wenn die offizielle Surrealisten gehetzt zu stören und Artaud bei der Polizei. Die Wege und an die surrealistischen Ideologie ist direkt auch inspiriert die einzigartige theatralischen Text von Picasso, die désir attrapé par la Queue (1944). Aber mehr als für die Werke, die es direkt ableiten, Surrealismus in Theater ist wichtig für die Einfluss auf Dramaturgie ausgeübt, so hat "state-of-the-art, auf J. Cocteau und H. Pichette, die auf ersten Adamov und an G. Schéhadé usw., den Teufelskreis des Rationalismus Borghese und öffnet den Weg, um die Spontaneität, mit der nicht der semantischen Sprache, die Flucht in Richtung der wunderbar.
Tanz
Die ersten Ballette Surrealisten erschien in Deutschland und nicht versteckte Die espressionistiche Matrizen. Von R.Laban G. Steinweg, W. Gert ist bestanden (1929) mit größerer Reinheit in der Bal von G. Balanchine, für die de Chirico zeichnete die Kostüme. Aber der Surrealismus in Tanz gefunden seine Akzente am höchsten mit L. Massine, der 1939 in New York Bacchanale präsentiert zwei Jahre später von Labyrinth und 1944 von Mad Tristan gefolgt, nach der Musik von Wagner, F. Schubert und Still Wagner anvertraut, die von den Ballets de Monte-Carlo und Russen aus Balletten des Marquis von Cuevas vertreten. Der surrealistische Phänomen in Italien gefunden seine größere Interpreter in A. Savinio, Bruder von De Chirico, mit dem er den Tod von Niobe (1925), während allein Savinio schrieb er die Musik für das Leben des Menschen der M. Wallmann und gemalten Szenen.
Kino
Der Film direkt inspiriert und bewusst an die surrealistischen Bewegung wurde, am Ende der 20er Jahre, eine Anlegestelle der historischen Avantgarde Französisch. Unter ihnen, im Jahre 1928, die coquille et le Geistliche von G. Dulac auf einem Text von A. Artaud, Chien Andalou von L. und S. Dalí, Buñuel das À-Toile de Mer von Man Ray auf Verse von R. Desnos, der ersten Essays von Ch. Dekeukeleire und H. Storck (Ca. 1930) in Belgien, der sang ein poète (1930) von Cocteau (obwohl Nebenfluss eher seiner Mitarbeiter Symbolismus) und vor allem die L'âge d'Or (1930) von Buñuel, surrealistische Filmemacher nicht nur in Form, sondern auch im Inhalt anarchistischen und libertären, und dass Er für alle seine Aktivitäten geblieben. In den USA, der "Schule" noch immer viel in Sodom (1933-34) von J. S. Watson und M.Webber und die Anthologie in Farbe Träume, die man für Geld kaufen kann (1947) von H. Richter bearbeitet, Dispergieren dann innerhalb von Hundert die neue Avantgarde, des Experimentierens und der unterirdischen Rivoli transplantiert. Breiter ist statt der Einfluss ausgeübt durch den Surrealismus auf einzelnen Filmemacher (zum Beispiel auf dem belgischen A. Delvaux), die in einem gewissen Sinne ist das Interesse in seiner Zeit brachte der Surrealisten bestimmte Strömungen des Kinos unbewusste reagiert, abenteuerlich und wunderbar (von G. Méliès zu L. Feuillade, Filme Hollywood auch d'Amour fou).
Für Literatur
M. Nadeau, Histoire du Surréalisme, Paris, 1945; F. Alguié, / du Surréalisme, Paris, 1955; idem, Entretiens sur le Surréalisme, Paris, 1955; A. Kyrou, Surréalisme au cinéma, Paris, 1963; J. L. Bédouin, la poésie surréaliste, Paris, 1964; Y. Duplessis, Surréalisme, Paris, 1969; R. Bréchon, Surréalisme, Paris, 1971; B. Pompili, Breton/Aragon. Probleme des Surrealismus, Bari, 1972; verschiedene Autoren, Surrealismus, mit einem Vortrag von P. A. Iannini, Paris-rom, 1974; J. Chénieux, M. Motorhaube, Surréalismes, London, 1981; A. Biro, R. Passeron, Wörterbuch général du surréalisme et de ses Umgebung, Paris, 1982; J. Chénieux, surréalisme et le Roman (1922-1950), Paris, 1983; G. de Cortanze, surréalisme, Paris, 1985; A. Laserra, L'Aventure surréaliste et les Nouveaux langages, Mailand, 1986; A. und O. Virmaux, die Konstellation surréaliste, Paris, 1987; Y. Bridel, Miroirs du surréalisme. Essai sur la Réception du surréalisme en France et en Suisse française (1916-1939), Lausanne, 1988; R. Vailland, surréalisme Contre La Révolution, Brüssel, 1988; A. Lewi, surréalisme, Paris, 1990.
Sm. Spanisch [aus einer Quelle Eintrag aymará]. Namen der sozialen Einheit der Heiden Aymará und Quechua, die nur von einer begrenzten Anzahl von Familien (in der Regel zehn) auch nicht durch die Bande der Verwandtschaft gebunden waren. Obwohl kein wirklicher Clan, wurde von ähnlichen Regeln wie die des Clans geregelt: Einheit von Saatgut (PATRILINEARE), Verpflichtung der Residenz (patrilocale), doppelte Pflichten (endogamia), gemeinsamer Besitz der Waren, die Bruderschaft des Blutes (der Name der Komponenten des ayllu, yahuarmaci, bedeutet "Verbunden durch Blut"). Die ayllu wurden in Peru und Bolivien im XIX Jahrhundert unterdrückt, aber ihre Struktur geblieben, haben derzeit in der Tat in Peru restauriert worden, in dem Sie das Aussehen der Genossenschaften colcosiano Art staatlich organisiert.
Allgemeine Informationen
Stadt (413.006 ab. 2013) in Peru und die Hauptstadt des Departements des gleichen Namens, auf 3399 m auf einer Hochebene interandino weg vom Fluss Huatanay, in der Cordillera Vilcanota entfernt. Das historische Zentrum ist ein UNESCO-Weltkulturerbe seit 1983. Wichtiger Markt der Landwirtschaft und Viehzucht, ist der Sitz der Textil-, Tanner und Lebensmittel. Universität. Flughafen.
Geschichte
Die ersten Bewohner der Region waren die Huallas, die vermutlich die Quechua sprach wie die Inkas. Die Stiftung von Cusco (in Quechua, "Nabel"), dann wird die politische, kulturelle und religiöse Leben der Inkas, stammt aus dem XII Jahrhundert und s'würde mit dem Aufstieg der Power Inca: Manco Cápac der Gründer gewesen wäre identifizieren, während die Inca Pachacutec (1438-71) Der große Reformator war und ist eine kosmopolitische Stadt. Wenn der 15. November 1533 Männer von Juan Pizarro ging in die Hauptstadt, war dies in einer Krise der Crescenza und Assimilation der verschiedenen Nationalitäten. Pizarro baute dort seinen Palast und die Stadt behielt Teil seiner Pracht während der Kolonialzeit. Wenig durch wenig, sank jedoch zugunsten der neuen Hauptstadt Lima. Cusco jedoch blieb in der Mitte der Widerstand gegen den Eindringling, sowohl in der Revolte von Manco Cápac II. im Jahr 1536 oder in der túpac Amaru von 1780.
Architektur
Die koloniale Stadt modern und steht auf der Website der Hauptstadt des Inkareiches, deren Lage war in der Mitte des Reiches von den vier Teilen der Welt (tahuantinsuyo). Mehrere Male durch die Erdbeben in seinen Teil postincaica zerstört, Cusco bewahrt noch interessante Spuren seiner Vergangenheit Pracht. Die Wände der massiven Steine, perfekt zum Quadrat und ohne den Einsatz von Kalk verpflichtet, noch stehen bleiben und dienen häufig als Grundlage für Gebäude und kolonialen Kirchen. Durch die Chronisten wissen Sie, wer nach Cusco mindestens neun kaiserlichen Paläste existierte, in Bezug auf den Tod eines jeden Kaiser seine Wohnung verlassen wurde und der Nachfolger, wenn es erstellt eine neue. Das Gebäude noch überraschender war jedoch die Tempel der Sonne, beschichtet mit Blattgold, auf dem die Strahlen der Astro widerspiegeln; Neben diesem gab es die Coricancha (Garten von Gold), wo zwischen den Bäumen und natürlichen Blumen arrangiert wurden Replikationen in Gold und Silber von Pflanzen, Tieren und Menschen des Landes: all dies war geschmolzen, offenbar, in einer Nacht durch die Eroberer. Eine perfekte Idee der Skill building Inca ist in der unmittelbaren Umgebung von Cusco, vor allem Sacsahuaman gefunden, mächtige großsteingräber Festung mit drei Aufträge, die die Stadt komplett verteidigt und für die Überwachung von denen waren genug, um nur ein paar Männer, und das stellt eines der größten Werke der militärischen Technik.
Quechua
Familie ethno-linguistische von Südamerika ein Time Spread aus Ecuador, Bolivien West bis zum äußersten nördlichen Regionen von Chile und im Nordwesten von Argentinien. Die Quechua sind auch heute noch eine der größten ethnischen Gruppen in den Subkontinent: Die reine Arten repräsentieren 40% der Bevölkerung von Ecuador, 47 % von Peru und 33% von Bolivien; die Mestizen sind jeweils 40 %, 32 % und 31 %; auch die Sprache, die von den zugewiesenen Nordischen rune Simi ("das Gesprochene des Menschen"), die noch verwendet wird und offiziell anerkannt. Nichts wissen wir für bestimmte ihrer Herkunft, da Sie nicht in Gebrauch ist, jede Form von Schreiben, gibt es keine zuverlässige Dokumentation, sondern aus dem Studium der Mythen der mündlichen Literatur, der Ihre große künstlerische Produktion, zusammen mit den Streikenden anthropologische, es ist sicher, dass der Strom von Menschen (Pueblo-Andidi), die in der Urzeit auf weite Bereiche der Länder Zentralamerikas und der Andengemeinschaft kolonisiert gehören. Die Quechua müssen die Domestizierung der verschiedenen lokalen Pflanzen (batata, Gerste, Kürbis, Cassava, Quinoa, ulluco, mashua, Oca) und vielleicht auch unabhängig von Kartoffeln, Mais und Bohnen, die in bewässerten Flächen kultiviert angebaut. Der Stick durch Ausgrabung mit Tip in Kupfer als die Maya verwendet, aber im Gegensatz zu diesen praktiziert die Drehung der Felder, concimavano mit dem Mist von Blade- und Alpaka Tiere, die gezähmt hatte und der gezüchtet, sie als Lasttiere und für Wolle, die mit den klassischen Rahmen horizontal (in einigen Orten), die schönen bunten Stoffen und originalen Teppiche gewebt; hatte auch eine fruchtbare Verbindung zwischen den zwei Tiere aus ihren Berufen Pago gewonnen. Aus Mythen und von einigen Institutionen sozio-religiösen wir ableiten, dass ihre soziale Struktur wurde den ursprünglichen Typ und egalitären Kollektivistischen (die Ländereien im Eigentum der Gemeinschaft, sagte Ayllu, heute noch bestehenden), mit Nachwuchs matrilineare (Knechtschaft des Bräutigams im Haus seiner Frau, die Position der Frau und von seinem Onkel mütterlicherseits, Mythen weiblich); die Bildung der ersten Regierung Wesen verwandelt, bevor das Unternehmen in patrilineare und dann in der patriarchalischen mit der Einführung des Institut für Sakrale Königtum, in der Inca hatte seine steifer Behauptung. Animisten, glaubten, dass jeder Berg hatte seine Göttlichkeit (Wamani) und es gab viele Geister wohlwollend und bösen Dämonen; ganz unten war die Verehrung der Göttin des Mondes (Pachamama) auf die Fruchtbarkeit von Frauen und Felder; Verbindung mit den Gottheiten waren Schamanen (altomesayoq), die auch von Ärzten; befürchtet wurden die Zauberer (layqa) für ihre negative Magie. Diese Überzeugungen haben sich weitgehend mit der katholischen Religion identifiziert (PACHAMAMA ist jetzt der Madonna, die wohlwollende Geister sind die Heiligen, etc.) sind aber immer noch von Bauern mit prächtigen Zeremonien, die die alten Riten erinnern. Die schwere Kleidung von Quechua, Wollstoff, heute noch weit verbreitet in der Natur, ist funktional für die Andengemeinschaft Klima; typische Hüte aus Filz, ein Bowler Hut mit breiter Krempe von Kanten, die von Frauen durchgeführt, und eine Art von Balaclava (ch'ullu) ein Helm in Wolle Pullover, von Männern benutzt. Die Quechua urbanisierte, weitgehend Mestizen, die Kostüme und Kleider von kreolen eingeführt haben; in Gebrauch blieb auch die typischen Musikinstrumente mit Blas- und Schlaginstrumente, auch dann, wenn Sie die spanische Seil verbreitet. Zusätzlich zu den Spinnern, die Quechua waren geschickte metallurgisti: gearbeitet, Kupfer, Gold, Silber und deren Legierungen; große Hersteller, majestätische Festungen und Tempel, repräsentativen Bauten, öffentliche Arbeiten (insbesonderBiographie
Der italienische Dichter (Sorrent 1544 - Rom 1595). Sohn des Dichters Bernardo und der Adlige Portia De Rossi, hatte eine Kindheit durch die unreifen Tod seiner Mutter und die ersten Erfahrungen des Exils getrübt: In der Tat in Rom, der Vater, der zu seinem Herrn treu geblieben war, Ferrante Sanseverino, Rebell, der Vizekönig von Neapel erklärt gefolgt, und begleitete ihn in demütigenden Wanderungen auf den verschiedenen italienischen Gerichte, die auf der Suche nach Gastfreundschaft und Arbeit; nach einem kurzen Aufenthalt in Bergamo, wieder zusammen mit seinem Vater nach Urbino, wo die herrlichen Gericht Guidobaldo II. della Rovere, die Buchstaben und die Ritterlichen Künste im Jahr 1559 angebaut, die er mit seinem Vater nach Venedig, wo er das erste Buch der Gierusalemme setzt sich bewegt; im folgenden Jahr ging er Nach Padua intraprendervi für juristische Studien und im Zusammenhang mit den berühmten Schriftsteller, wie S. Die spurs, F. Piccolomini, C. Sigonio eingegeben, die mit dem Namen von "REUIGEN", der "Accademia degli Eterei. In der Zwischenzeit führte er die Rinaldo, in Venedig im Jahre 1562 veröffentlicht, und schrieb Gedichte der Liebe für Lucrezia Bendidio und Laura Peperara. Im Jahr 1565 zog er nach Ferrara, in den Dienst des Kardinals Luigi d'Este, dann (1572) des Herzogs Alfonso II; von Prinzessinnen Lucrezia und Eleonora, Schwestern des Herzogs geschützt, Tasso lebte dann die Zeit menschlich mehr glücklich und textlich mehr fruchtbare seines Lebens: Während Sie weiterhin die Produktion von Liebe Gedichte und encomiastic begann das Aminta, die am Abend des 31. in der Insel des Belvedere auf dem Po vertreten war Juli 1573 zu komponieren, gab Anfang der Tragödie Galealto König von Norwegen und zu einem Ende gebracht im Jahr 1575 mit dem Titel der Goffredo, sein Meisterwerk, die im Jahre 1581 durch den Freund Angelo Ingegneri veröffentlicht werden wird, mit dem Titel der Gerusalemme Liberata. Aber die nervöse Spannung des Dichters, die bereits auf dem Prüfstand durch die fieberhafte kompositorischen Arbeit, nicht neu, anstrengende Arbeit der Revision des Gedichts widerstanden: literarische Figuren von ihm sottoposero den Text von Jerusalem befragt pedantesche Beschwerden der literarischen Charakter und moralischer, übertrieben Zweifel künstlerischen und religiösen Skrupel des Dichters, die auf eine echte psychische Ungleichgewicht gab. Nachdem sie entwickelt haben, in der Allegorie der "Gerusalemme Liberata" (1576), die dünne moralische Bedeutung für ihr Gedicht, bei der Prüfung der inquisitor von Ferrara, accusandosi der Ketzerei und allarmando, der Herzog, der gefährlichen politischen Auswirkungen, die einen neuen Skandal, nach, dass die von der Mutter Renée von Frankreich für seine Ideen calviniste, in der Kurie in Rom erzeugen könnte. Der Freispruch des Inquisitor seine Skrupel und seine Qualen: ein Tag, während er mit Prinzessin Lucrezia vertraute seiner Ängste, geglaubt, das Ausspionieren von einem Diener und die gegen ein Messer nicht beschwichtigen. Durch Herzog im Castello Estense getrennt, dann in das Kloster von San Francesco, die Flucht und gab zu Beginn seiner rastlosen Reisen durch die Halbinsel, jetzt dominiert von einer unheilbaren "Humor melancholisch". Ging nach Sorrent, an seine Schwester Cornelia, verkleidet als Hirten, und verkündet den Tod seines Bruders zu stellen Sie sicher, dass der seine Zuneigung; wieder in Ferrara (1578), ging dann nach Urbino, und nach einem Zwischenstopp in anderen Städten, in Turin. Im Jahre 1579 plötzlich wieder bei Ferrara, während die dritte Ehe des Herzogs Alfonso mit Margherita Gonzaga feiern: Denken zu vernachlässigt werden, proruppe in escandescenze gegen den Herzog, der ihn umgebenden wie verrückt an der Sant'Anna Krankenhaus, wo er für sieben lange Jahre gewohnt. In jenen sieben Jahren Rate, die er einen Appell an alle ihre geistigen Energien sein Würde des Menschen und seine Größe des Dichters (Handlung, die letztere, von Ausgabe fehlerhafter und unvollständiger von Goffredo, trat ohne sein Wissen im Jahre 1580 zu rehabilitieren): aus mehreren von 28 Dialoge und die Apologie in der Verteidigung der "Gerusalemme Liberata", mit dem Eingreifen in die Polemik auf der Priorität der Ariosto leuchtet auf oder vice versa, sondern um literarische Berufe der Klammer der Klarheit wechseln sich ab mit Momenten der Spannung psychische, erschreckend untergraben, indem Halluzinationen und Qual, in Briefen von tiefe Faszination hervorgerufen. 1586 Durch die Fürsprache von Prince Vincenzo Gonzaga freigegeben, ging nach Mantua, wo, als Hommage an seine neue Protector, schrieb die Tragödie Re Torrismondo (1587), die sich aus der Rückforderung von Galealto Jugend. Aber die Umgebung des Hofes nicht seduceva mehr Seele ernüchtert und der Dichter müde und im Oktober 1587 nahm er seine quälenden Wanderungen, auf der Suche nach Gastfreundschaft in Klöstern und in den Häusern der Freunde: der Schrein von Loreto, das Haus von Scipione Gonzaga in Rom (wo er schrieb Rogo amoroso), das Kloster der Olivetaner Mönche in Neapel (wo er komponierte das Gedicht Der Monte Oliveto), doch der Hof von Mantua (wo, zu Ehren des Herzogs Vincenzo Gonzaga, schrieb das Buch der Genealogie der Casa Gonzaga), das Haus von G. B. Manso in Neapel (wo die sieben Tage der geschaffenen Welt unternommen), das Haus von Kardinal Cinzio Aldobrandini, die er widmete, im Jahr 1593, den Wiederaufbau Von seinem Gedicht mit dem Titel Der Gerusalemme conquistata (im selben Jahr zurück die Tränen der Jungfrau und die Tränen Christi), das Kloster von San Benedetto in Neapel (wo, 1594, sah das Licht die sechs Discorsi del poema Sinbad) und schließlich das Kloster von Sant'Onofrio in Rom, auf dem Gianicolo, wo, wie er in einem berühmten Brief schrieb, "mit dem Gespräch Dieser divoti Väter", begann seine "Gespräch im Himmel".
Biographie
(Publíus Lat. Ovidíus Die Nase). Der lateinische Dichter (Sulmona 43a. C.-Tomi 17 d. C.). Der Pferdesport Familie kam Kind nach Rom für seine Studien und sofort aufgedeckt, in die Schule der Rhetorik, Poetik, seine Qualitäten. Es perfektioniert, wie s' verwendet wird, Athen, besuchte Kleinasien und Ägypten und Rückkehr in Rom trat er in den literarischen Kreis von Messalla Corvino. Er hatte viele liebt und drei Frauen, von denen die letzte treu zu den extremen geblieben. Er überzog einige öffentliche Ämter von geringer Bedeutung. Vielmehr den weltlichen Umgebungen, wo seine amourösen Poesie riscossero großer Erfolg dominiert; wurde in den Beziehungen zu den grösseren Dichter der Zeit: Il Castello, Tibullus, Orazio. In Richtung der 3d. C. in der Atmosphäre der augusteischen Zeitalter, wandte er sich an den mythologischen Epos und auf nationaler Ebene mit der Metamorphose und den Glanz. Es war im Laufe genau die Zusammensetzung der Fasti, wenn sich ereignete, in 8d. C., eine Bekanntmachung des Kaisers sofort Italien für Tomi Stadt am Schwarzen Meer verlassen. Die Gründe für die Maßnahme sind undurchsichtig: Der Dichter spricht mehrmals, aber immer so verwirrt oder vage, eine Anspielung auf die Tatsache, dass er ein Staat mit seinem "abscheulich" Gedichte "Master unbequeme Ehebrecher", und leichtfertig unterstützt, eine "Schuld" in einem Herrenhaus; zweifellos ein Handbuch als Ars Amatoria mit der Aktion moralistische und nationale Wiederherstellung durch den Kaiser verfolgt gegenüber. Ein Jahr nach Ovid sbarcava zu Tomes, Dorf am Meer, zwischen den Barbaren und Eis. Poetò noch: Bejammert, Petitionen, die mehr als alles andere in der Hoffnung die Rücknahme des Erlasses des Augustus zu bekommen, aber unnötig, und Tomi der den Tod besiegt hat.
Die Werke
Die Produktion von Ovid hat uns fast die gesamte erreicht. Vor seiner Arbeit der Teenager waren die Amores (Liebe), Sammlung von elegien in fünf Bücher, dann auf drei reduziert werden, zu Ehren eines Corinna, griechische Namen wahrscheinlich einen fiktiven Charakter. Fast gleichzeitig mit dem Amores wurden aus den Heroides (Epistulae), Sammlung von 21 imaginäre Briefe: die ersten fünfzehn sind in der Form der Wehklage von Heldinnen des Mythos und der Geschichte zu ihrer Liebhaber geschrieben, die letzten sechs drei Paare, Briefe der Helden ihrer Frauen und Antworten auf diese letzteren bilden. Der Höhepunkt der Elegie Erotik ist die anschließende Ars Amatoria, ein Gedicht in drei Bücher lehrreich, wie Mann die Frau erobern kann, und halte es und wie die Frau geliebt zu werden. Der Kontrast zwischen dem Engagement der Kunst und die frivolität der Materie kommuniziert ein intelligentes Brio bei der Arbeit, auf die sich die kurze Broschüre (wenig mehr als 800 Verse) von Remedia amoris, auf Wege loszuwerden, eine Frau oder ein Leidenschaft belastend, und ein elegisches Gedicht, Sie haben hundert Verse, auf Kosmetik der weiblichen Schönheit (Medicamina Faciei) gefolgt. Die anschließende Metamorphose eine große Gedicht in 15 Büchern, die in esametri, bestehend aus etwa zwei hundert Geschichten von mythologischen trasmutazioni (Männer in Tieren oder Pflanzen mutierte), ein, in dem unerbittlichen Verbreitung von den anderen reproduziert. Das Thema der Transformation hatte bereits die alessandrini betroffen; es war die Vision von einer instabilen Welt, eine Wirklichkeit, die in ständiger Veränderung. Die ruhelose Persönlichkeit von Ovid, wenn er fühlte sich angezogen, sowie seine Inspiration vielgestaltige, seine visuelle Phantasie und seine poetische Kunst, bestens Vertreter, fähig und durch die schwierigsten Situationen versucht. Die Metamorphose sind sein Meisterwerk: Der Erfolg in vielen dieser Episoden, die in der kontinuierlichen Variation des gleichen Themas, seine poetischen Genius Test, aber es zeigt den Grenzwert in der Kunst ganz außen. In einer Reihe von Episoden ist auch das letzte und unterbrochen Opera Romana von Ovid, der Glanz, in dem der Dichter vorgeschlagen wurde systematisch zu singen, in 12 Bücher in distici elegischen Insertionen, Feste der zwölf Monate des Jahres; konnte nicht schreiben, dass sechs, von Januar bis Juni, vor dem Exil. Zu Tomi Ovid zwei andere Sammlungen von elegien, die fünf Bücher Tristia, eine Reihe von Buchstaben ohne Angaben des Empfängers, in der vom 8. bis 12., beschrieb die Geschichte seiner Verurteilung, die Bitterkeit und die Verzweiflung der Einsamkeit und Abgeschiedenheit von Tomi; sie wurden von den 4 Büchern Epistulae Ex Ponto gefolgt, nicht anders in Ton aus der ersten, aber mehr träge, jede in einen besonderen Charakter. Abschluss der Produktion ovidiana Invektiven Ibis und ein Gedicht über die Fischerei und Fisch (halieutica), von denen es bleiben esametri 135. Das Glück von Ovid in den Jahrhunderten war immens Seit der Kaiserzeit; im Mittelalter wurde er zusammen mit Virgilio, der Klassiker lesen Sie mehr und imitiert. Lesungen von Ovid ist Dante, Petrarca, Boccaccio, Chaucer, der Dichter der Renaissance ernährt. Sannazaro, Boiardo, Ariosto, Tasso ne zeichnete mehr als ein Grund oder erotische idyllische; Ovid war unter den bevorzugten Lesungen von Shakespeare und seinen manierismus war ein Bestandteil der Geschmack des Barock; Góngora und Marino fühlte es sich nachdrücklich den Vorschlag sowie später hörte ihn sympathisch D'Annunzio.
Das Leben
Der italienische Dichter (Florenz 1265 - Ravenna 1321). Wurde von alighiero Bellincione von und nach Nizza in einer Familie von kleinen Adel Stadt (die Ur-Ur-Großeltern Cacciaguida, Ritter von Konrad II., in der Kreuzzug von 1147 gestorben war geboren) nicht mit großen Ressourcen versorgt. Verloren in der Kindheit der Mutter, von 1277 versprochen, Gemma Donati (die Ehe fand um 1285), lebte der Kindheit und Jugend in der üblichen Berufe für junge Menschen seiner Umgebung: Grammatik Studien und rhetorische, literarischen Freundschaften, Treffen mit Persönlichkeiten der etablierten Kultur der Zeit. Dazu gehört an erster Stelle die Guelfo Brunetto Latini, maximale Exponent der rhetorischen Kultur enzyklopädischen - des dreizehnten Jahrhunderts, die durch die Offenlegung in Florenz der Französischen enciclopedismo. Andere kulturelle Komponente der Zeit, die sogenannte poetische Schule "Sizilianische", und dann von der lyrischen Dichter - siculo Toscani, unter denen hatte große Höhepunkte der künstlerischen Persönlichkeit des Guittone d'Arezzo: Lesungen für diese Art das erste Mal poetische von Dante und der disposero zu grundlegenden Begegnung (1283) mit einem anderen Dichter beeinflusst, bereits bestätigt und mehr Alter, Guido Cavalcanti, definiert in das neue Leben "Freund". In diesen Jahren die literarische Erfahrung und das Leben des Dichters erhielt einen ursprünglichen Eindruck und bleiben durch die Begegnung mit Beatrice Portinari: entscheidenden Moment, deren Bedeutung durch das neue Leben erklärt wird. Der Tod seiner geliebten Frau (1290) und die Suche nach einem Komfort zu ihrem Schmerz Dante zu einem tieferen Meditation ging und eine umfangreichere Studien der Philosophie, die schon bald (1295) die Beteiligung am öffentlichen Leben gefolgt. Er hatte bereits die Gemeinde (1289) Kampf um Campaldino (gegen Arezzo) und Caprona (gegen Pisa); aber, im Guelfa Florenz in schwarz Teil aufgeteilt (durch die mächtigen Donati geleitet und vom Papst unterstützt) und Weiß (geführt durch Kreise, moderater und Verfechter eines autonomen Policy), Dante, spontan die Einhaltung der Weißen und gegen die Einmischung von Bonifatius VIII. im Leben der Stadt, primeggiò unter den Führern des Florentiner Politik. Botschafter der Stadt San Gemignano und vor 1300 war die Botschaft, die dem Papst im Jahre 1301, als Karl von Valois (offiziell paciere zwischen den Parteien, sondern versteckte Verfechter der gespendet) in Florenz angefahren gesendet. Mit der Eingabe von Charles in der Stadt die schwarzen Kraft gewonnen: 1302, warf der baratteria, Dante war vor dem Exil verurteilt und dann zum Tod. Der Bandit, war er einer der Unterzeichner, in San Godenzo, der Bund mit dem Ubaldini zu Krieg in Florenz; suchte daher Beihilfen für die Vertreibung in Forlì und Verona und schließlich hoffte, unnötig, an der Befriedung der Parteien im Jahr 1304 von Kardinal Nicolò da Prato versucht. Von den Begleitern getrennt und nicht in einem bewaffneten Versuch gegen Florenz (die Platte, Juli 1304) teil und begann die einsamen Wanderungen für jeden Teil von Italien. Zwischen 1304 und 1306 wurde in Bologna: Es berücksichtigt die De vulgari eloquentia und die convivio, die Markierung der weiter vergrößern und kulturellen Interessen und Zivilisten vertiefen zu komponieren. Nach einem Aufenthalt in Lunigiana an der Malaspina (1306), Dante wurde in Lucca (1308), dann im Casentino. Im gleichen Jahr wird die Wahl des Heinrich von Luxemburg zu Kaiser hat wiedergeboren die Hoffnungen einer Exil, davon überzeugt, dass das Desinteresse der Vergangenheit Kaiser und längerer Urlaub des Reiches wurden Determinanten der politischen Ordnung und Moral von Italien und Europa darstellt und dass die kommenden in Italien von Henry VII. Würde wieder Ordnung und Frieden haben. Aber der Tod von Henry (1313), danach seine Mission war, darüber hinaus von Florenz, von der päpstlichen Kurie und der König von Neapel, troncò jeden Traum von Frieden, und Dante, um 1316, in Verona an Cangrande della Scala repariert, und später in Ravenna, an Guido da POLENTA: Hier vollendete er die Komödie und hier überholte er ihn zu Tode, am 14. September 1321.
Der Jugendliche arbeitet und die Reime
Charakter von Franca tutorial, vor allem sprachlichen und Metrisch, haben zwei literarische Kompositionen zu Dante in Kraft der Stil zugeschrieben, die Detto d'amore und die Blume, die im Rahmen der ideale Lektion von Brunetto Latini geboren. Die sagte, Gedicht in distici von sieben verstümmelt - Silben sind gereimten Couplets, ist Jugend Überarbeitung eines Teils des Roman de la Rose. Mehr spät, weit mehr spigliato, die meisten Atem, die Blume, "Krone" von 232 Sonette, parafrasa und fasst Fähigkeiten mit den Parteien die Erzählung des Römischen gleichen omettendone, die Lehrmäßigen Abschweifungen, aber nicht die Ideen umstritten. Die erste Arbeit von unbestrittenen Vaterschaft und Inhalt absolut original ist das neue Leben (Ca. 1293), das sammelt 31 lyrics in einem Frame der Prosa, eine Feier der des Dichters Liebe zu Beatrice, und ist nicht nur der erste autobiografische Roman unserer Literatur, aber auch das Manifest des persönlichen Konzeption, der zwar innerhalb der stilnovo, Dante von Liebe und Poesie hatte es inspiriert. In der ersten und zweiten Sitzung mit Beatrice, die wundersame Wirkung von seinen Gruß und Leiden für den Verlust, die interiorizzarsi des Gefühls, die Vorahnung, dass der Tod des geliebten und der Qual für sein Verschwinden; unter Hinweis auf die Suche nach Trost in der Liebe eine "freundliche Frau" und den inneren Kampf, dass es bis zu den siegreichen folgt Durchsetzen der Gedanken von Beatrice und die Absicht, ihr "Was Nie fue sagte d'Nein', Dante legt den Grundstein für die Zukunft die ersten Kern der Komödie zu sagen. Gleichzeitig überschreitet die Art und den Inhalt der stilnovo, Erarbeitung der eigenen Konzept der Liebe, der nicht nur die Frucht des geistlichen Adel und eine Quelle der inneren Erneuerung, aber absolute Gefühl, das sich in seine eigene Belohnung findet und eröffnet das Wissen (analog) des Göttlichen, durch die Betrachtung der Vollkommenheit und Schönheit des geliebten Menschen. Für den besonderen Charakter, die das neue Leben übernimmt in seinem menschlichen Rundfahrt und poetische von Dante, es ist nur ein Teil der Gedichte in der Dekade 1283-93 enthalten. In anderen Reime (die Produktion endet um 1308), ein Moment und sicilianeggiante guittoniano, durch eine provenzalismo Weise zu kennzeichnen, passieren die Zeugnisse der Beitritt des Dichters zu stilnovismo, erste generische und Schule, dann scopertamente cavalcantiano, dann die Einhaltung der Module des großen Maestro, guinizzelli. Andere Reize ist beispielsweise die "tenzone mit Forese Donati (Ca. 1293-96), realistisch in den Formen und stechend in Inhalt: it, fällt die Hypothese der apocrifità, bleibt als Beweis von Geschlecht und Sprache, bemerkenswert an sich und für die zukünftige Verwendung in der Komödie. Die modernen Liedern allegorische Lehre und (einschließlich der drei dann kommentiert in der convivio), während wieder durch stilnovistica thematische und guinizzelliana (mit Aszendenten guittoniane), zeigen einen neuen Dante, dass Dichter von Tugend und Wissenschaft, während in der Rime reich Zweideutige und von "PETROSE" (modelliert, mit offensichtlichen technischen Darlehen und thematische, auf Trobar clus der provenzalischen Arnault Daniel) eine hohe Forschung in Kunst und Stil, die das Thema einer brennenden Leidenschaft Trigger wird nicht bezahlt. Die allegorische Titel lehrmäßige und binden zurück viele der Kompositionen des Exils (einschließlich der Song auf Gerechtigkeit drei Frauen), Zeugen einer vollen Besitz der Stil und starken moralischen und zivilen Engagements. Aber nicht ganz verschwinden die alten Themen: Setzt die poetische Korrespondenz mit Cino da Pistoia (bereits vor dem Exil), liefert mit seinem Song "Montanina", die Darstellung der Liebe despotischen in Toni stilnovo; das letzte Experiment schließt (wenn Sie vernachlässigen zahlreiche Rime zweifelhafter Mittel) die lyrischen Zyklus von Dante Alighieri, wichtig, nicht nur für das Verständnis der Persönlichkeit des Autors (zu experimentieren und Spielen, die ursprünglich die Formen und Inhalte poetische Verschiedene stärker gedehnt), sondern auch für das künftige Verhalten der italienischen Oper.
e Straßen), die mit großen quadratischen Steinen, incastravano zusammen ohne Malta; das typische Haus der Bauer war eine einfache Hütte Studio mit Trockenmauern und Dach mit Schrägen in Zweigen, noch in Gebrauch in den entlegensten Dörfern. Sehr originelle ihr Handwerk, mit der Produktion von Objekten in Kupfer und Edelmetalle und eine typische polychrome Keramik; majestätischen Statuen und die Hoch- und Reliefs in Stein und eine mythische Inhalte oder Heiligen geschnitzt. Trotz der Jahrhunderte der Spanischen Herrschaft und der Kreolen, Quechua haben lebendig ihre nationalen Stolz hielt; bemerkenswerte literarische Erbe mündliche, die nicht nur in Legenden, Lieder und Gedichte, sondern auch in Echtzeit Theateraufführungen ausgedrückt wird.
, oder das Adjektiv französischen Barock (Herkunft spanisch-portugiesischen), um die traditionelle italienische baroco verbunden zu werden (von der scholastischen Philosophie des Mittelalters abgeleitet). Auszunehmen, wäre "Arten von Verschleiß" werden (von Cheater), das auch als "Täuschung" zitiert. Und es sollte auch beachtet werden, um die Hypothese (zweifellos gewagt), die sich mit spanischen barrueco berrueco oder Gedanken, jenseits der unregelmäßigen Perle oder scaramazza, zunächst auf "steilen Klippe" (und es war einfach das Beispiel des Rokoko aus dem Französischen rocaille zu verbinden). Was auch immer der Ursprung des Namens Barock, erste verstanden durch die Rationalisten und neoklassischen aus dem achtzehnten Jahrhundert, als freak und Extravaganz, es ist sicher, dass seit einigen Jahren die Prüfung der Kunst und Literatur der einen großen Teil Europas, zwischen dem vollen Cinquecento und Beginn des achtzehnten Jahrhunderts, die Währung im positiven Sinne Manifestationen einer Zivilisation, die auf Neue Gesehnt und die höchste Achtung und Wertschätzung kritische (und nicht nur die Frage des Geschmacks in der Sphäre des Hedonismus) in der Phantasie, im Östrus, auf der Suche nach dem Neuen. Diese Bewertung ist umso notwendiger, wenn man berücksichtigt die Entwicklung, dass der Barock in der Welt im Schriftverkehr an die Kultur der einzelnen Völker hat und auch in seinen eigenen Grenzen erfinderisch, in England, wo die Renaissance in seinem Wert der Zivilisation perfekt im Geschmack der Unternehmen verliehen wurde und in der Verehrung der Form, fast wie eine oberste Eroberung des petrarchismo. Bereits sagte, dass in der italienischen Literatur der prebarocco Geschmack der Begründung des Aretino, Fantasy, die theatralische Rhetorik der Tür und vor allem mit den begleitenden Veranstaltungen sehr Polemik gegen den Klassizismus, des literarischen Naturalismus von Bruno die Unmöglichkeit, in einem einheitlichen alles, um auch die Errungenschaften der Hochrenaissance betrachten; erst recht die französische preziosismo mit Akzenten genuin barocke dichter Hugenotten und Katholiken, die metaphysischen dichter Englisch (Definition berühmten dryden) und andere Autoren in der barocken lebenswichtige Forschung der Neuheit bestätigen und desto besser der Schöpfung im Erfindungsreichtum und im Genius außerhalb jeder Regel darstellen.
