zeichnen. Von stolz, Corneille vertieft seine Qualitäten poetische mit kritischen Grundsätze, von denen sich der Glaube seine Reden und seine Vorworte und die gleichen Examens, mit denen begleitet die Veröffentlichung der Werke. Die gültige Antwort greift die mit neuen Tragödien ausgelöst haben. Zwei in nur einem Jahr (1640): Horace (Horace) und Cinna. Horace ist wieder einmal das Drama der Liebe und die Pflicht, für die Empfindungen, die duellisten (Horatii und Curiatii) binden an Frauen der gegnerischen Familien. Corneille es zum Richelieu gewidmet, vielleicht mit einem Anflug von Ironie, vielleicht, um zu zeigen, dass die drei "Einheiten" (Met) nicht verhindern konnte ihn arbeitet gleichermaßen gültig zu erstellen. Auch Cinna, durch die Abhandlung De clementia Seneca inspiriert, war erfolgreich. Aber auf jeden Fall die Oper mehr hoch, nachdem die Cid und in der Tat für die Kritik, das Meisterwerk im absoluten Sinne, ist polyeucte (1642), zweifellos als die "Canon" der Tragödie corneliana. Die Angelegenheit wurde Corneille aus historischen Surius zur Verfügung gestellt worden. Polyeucte ist die christliche Drama der Liebe Gottes triumphiert über die menschliche Liebe und des Sieges der religiöser Gefühle, die in der Liebe mutiert ist ein Gefühl der ehelichen Treue. Ein Jahr nach der Darstellung von seinem Meisterwerk Corneille in Szene La Mort De Pompée gelegt hat und menteur, zeigt er sich offen in der zweiten und in der Suite du Menteur, comedy thema. Es ist eine zutiefst fruchtbare für die Dichter, der im Jahre 1644 schrieb und vertreten Rodogune und, später, Héraclius (1646). Sein Ruhm hatte groß geworden. Ihn an der Akademie (1647) gewählt, dann schrieb Nicomède (1651). Ein Jahr nach dem Sturz von Pertharite nehmen ihn überrascht und die avvilì. Er kehrte nach Rouen, wo er an der Übersetzung der Nachfolge Christi arbeitete als Entlastung von ihre Sorgen Familie sposatosi (in 1640, hatte Söhne von Gesundheitsstörungen, die Ihm nicht ein paar Schmerzen und dass die premorirono). Er widmete sich gleichzeitig für eine Gesamtausgabe seiner Werke zu kümmern. Kehrte er an das Theater nur im Jahre 1659, auf Einladung der Betriebsleiter Fouquet, und hatte Erfolg mit Edipe. Der Aufenthalt in Paris, Corneille ist vollständig verstanden, dass die Zeiten sich geändert wurden: die Grüne Jugend war vorüber und mit ihm die Herrschaft von Louis XIII und der Suk-cessiva Regentschaft von Anna von Österreich. Jetzt mit Ludwig XIV. und Die neue Klassik in der Kunst und Literatur, das Gericht und die Öffentlichkeit bevorzugten Quinault und Racine. Eine poetische Welt neue genommen hatte, der Ort der basieren, wie die großen Vorbilder der Antike, auf den Kontrast der Leidenschaften: Grund lieber zu Corneille, deren Tragödie definiert wurde Theater der Wunsch und die Pflicht. Er fuhr fort, ohne mehr zu schreiben, aber der Scheitelpunkte von polyeucte und Cinna. Der Stil des Einen, der als einer der größten Dichter Frankreichs und erstrahlt in seiner ganzen Kraft auch in anderen Werken: la Toison d'Or (1661), Sertorius (1662), Sophonisbe (1663), Othon (1664), Agésilas (1666), Attila (1667), Tite et Bérénice (1670), Psyché (1671), (1672), Pulchérie Suréna (1674), mit dem er seine Aktivitäten als Dramatiker weg für immer vom Theater geschlossen; zehn Jahre nach seinem Tod in der allgemeinen Gleichgültigkeit. In Corneille, wo Gefühl und Stolz als unersetzliche Qualitäten von Individualität das höchste Opfer dargestellt, und vielleicht mehr in der Rhetorik, die im eigentlichen Sinne tragisch, Frankreich oft reflektiert hat, für ein Festhalten an der psychologischen Leben der Mensch zu jeder Zeit, aus literarischen Theorien.
Der spanische Maler (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 - Madrid 1664). Er in Sevilla geschult, und das lebhafte Zentrum von einem figurativen Kultur der realistischen Natur. 1617 eröffnete er sein eigenes Geschäft an Llerena, in der Extremadura, aber 1629 ließ er sich zurück nach Sevilla und blieb dort (mit Ausnahme bei einem Aufenthalt in Madrid im Jahre 1634) bis 1659 Ca. Wenn reduziert, in extremer Armut, zog er nach Madrid, wo er vergeblich im kulturellen Klima der Stadt eingefügt werden ausprobiert. Die Aktivität von Zurbaran ist esplicò fast ausschließlich in der Produktion von heiligen Bilder in sehr hoher Zahl (Ca. 600) und die Qualität manchmal nicht erhaben, zum Teil aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Mitarbeitern, teilweise in Momenten der Krise des Malers, vor allem in den letzten Jahren des Lebens, wenn es von seinen Zeitgenossen zugunsten von Murillo weitergegeben. Der Stil von Zurbaran umfasst sowohl der Naturalismus typischen sevillanischen, entwickelt und auf die höchsten Ergebnisse für die Verwendung von Farbe geholt, immer klar und strahlend auch in dunklen Tönen; sowohl die disegnativa Tradition des Manierismus Spanisch, was der Maler seine Kompositionen in den Gestalten der ersten Etage zu lösen, trägt, von eleganten Konturen und Schneidezähne, deutlich von der neutralen mittel oder dunkel getrennt, außerhalb jeder historischen Ambiente. Die meisten seiner Werke wurden als hingebungsvolle Zyklen für Kirchen und Klöster von Sevilla und andere spanische Städte (derzeit unter verschiedenen Museen verstreut), aufrichtig Teilhaber der religiöse Gefühl beliebt (Gemälde für die Merced Calzada in Sevilla, 1629 durchgeführt; Gemälde für Nuestra Senora de la Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). Die berühmte Reihe von Heiligen, die Pierce durch misticheggianti cues Feier dekorativ Elegant. Um 1633 Zurbaran widmete sich auch für eine kurze Zeit zu Natura morta, eines der größten Meisterwerke des Genres, der absoluten Reinheit: die Schale der Zedern, ein Korb mit Orangen und Schale mit Rosa (1633, bereits in Florenz, der Contini Bonacossi Sammlung, von 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Stiftung). Der Einfluss von Zurbaran, eher in Spanien beschränkt, wurde stattdessen riesige in Lateinamerika, vor allem in Peru, wo der Maler zahlreiche Werke im Zeitraum 1640-58 gesendet.
Murillo, Bartolome Esteban
Der spanische Maler Sevilla (1617-1682). Die künstlerischen Anfänge von Murillo, die im Wesentlichen an die Stadt Weihnachten ab, zuerst als Student der mittelmäßigen Juan del Castillo, als eigenständige Maler, sensibel für die Kunst von Ribera, Zurbarán, Velázquez; den Jugendlichen arbeitet, Stark im Design und modelliert, aber wesentlich kleiner Vorlagen, die auch der generischen caravaggismo schwebt in Spanischer Sprache zeigen. Kontakte mit der italienischen Malerei, durch B. Die Cavallino und A. Vaccari, flämischen und (vielleicht besucht der königlichen Sammlungen während einer Reise nach Madrid im Jahre 1648, wo er die Werke von Rubens und Van Dyck studieren konnte), trieb eine ursprüngliche Bedeutung des colorismo Veneto, tritt eine leichte Verwendung tief szenografische und Barock. Diese Zeichen erscheinen bereits in der elf Gemälde mit Wunder der franziskanischen Heiligen für das Kloster der gleichnamigen Ordnung in Sevilla (1645-48), heute zerstreut und in der Geburt der Jungfrau (Paris, Louvre), triumphal Anfänge einer langen Tätigkeit im Dienst der Bruderschaften und Ordensgemeinschaften, innerhalb dessen Murillo erwies sich als aufrichtiger Dolmetscher und überzeugend der Mystik counter-reformistischen. Die Bedeutung realistisch sanft, beliebte Volksmusik und kommunikativen der Heiligen Episode, zunehmend in den Werken reif (Zyklus für das Hospiz der Caritas in Sevilla, Ca. 1670-80: die Heilung des Gelähmten am Pool, London, National Gallery; die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Washington, National Gallery), verbunden mit der Raffinesse der Farben und eine hohe Qualität der formalen, der Kompositionen von Murillo Themen Die beliebtesten religiösen oleografia (denken der unzähligen Versionen von der Unbefleckten Empfängnis, von denen einige in Madrid Prado), das gekommen ist, zu verändern, in der Abnutzung des Bildes, die real und hohem künstlerischen Wert ermöglicht haben. Die Zyklen der Gemälde der Gattung popolaresco (Jungen, die Frucht essen, Monaco, Alte Pinakothek Galizisch, das Fenster, Washington, National Gallery), effektiven Öffnungen auf der Schelmenroman Welt, ein Genre destinatoa großer Erfolg eröffnet bis zum achtzehnten Jahrhundert vorgelegt, und die Porträts der naturalistischen Einstellung (Gentleman mit Kragen, Madrid, Prado), zur Klärung der tiefste Inspiration des Künstlers, die darauf abzielt, die Ausdrucksmöglichkeiten der Farbe zu verbessern, manchmal mit compiacimenti tugendhafte beitragen wird. " Siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" zu vertiefen.
Das Lexikon
Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko.
Kunst: in Frankreich
Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard.
Kunst: In anderen Europäischen Ländern
Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Biographie
Der italienische Dichter (Reggio nell'Emilia 1474 - Ferrara 1533). Die erste der zehn Söhne Niccolò (absteigend von den edlen Bolognese Familie in Ferrara transplantiert) und Daria Malaguzzi (Adel reggiana) wurde in Reggio Emilia, wo sein Vater, in den Dienst der Ercole I d'Este, war Kommandant der Garnison; nach ein paar Jahren kehrte er mit seiner Familie in Ferrara, aus dem s den selten Heim, geboren. Nach fünf Jahren (1489-94) gewidmet, widerstrebend, zu Recht studieren, Ariosto begann die Kurse der humanistischen Gregorio da Spoleto zu besuchen. Nach dem Tod seines Vaters (1500), Ludovico war auf seinen Schultern die Verantwortung der großen Familie gefunden. In den Dienst der Ercole I, er machte einige Tests in der militärischen Laufbahn (1501-03: Commander von Canossa Schloss) und dann an den Folgenden von Kardinal Ippolito d'Este. Jahre ziemlich ruhig für die Dichter, der sich für das Teatro Ducale zwei Stücke in Prosa, die Cassaria und die suppositi und begann den Furioso. Aber bald die Situation des Herzogtums, zögern die Unterwerfung unter den Zustand der Kirche wurde, nach den Ereignissen, die von der Liga von Cambrai, zarte auf militärischen und diplomatischen verursacht; und Letzteres war für die Arbeit des Ariosto gefragt, oft als Bote zu Julius II geschickt: die Entschlossenheit des Dichters wird durch die Tatsache, dass der Papst kam nach minacciarlo des Todes gekennzeichnet. Ariosto schließlich begleitet Alfonso, dass nach dem Sieg der Franzosen und der ferraresi auf päpstlichen Truppen (Ravenna, 1512), versuchte in seiner Reise nach Rom zu Papst, avventurosamente rappacificarsi col mit einer Verkleidung und eine Flucht endete. Die Aussichten auf Frieden eröffnet sich dem Tod von Julius II. und Papst mit dem Namen von Leo X., Giovanni de' Medici (1513), der Dichter, der mit ihm freundschaftliche Beziehungen erzielt wurden, strömten nach Rom mit der Hoffnung auf irgendeine Aufgabe friedlicher und brillante, blieb aber enttäuscht. Auf der Rückfahrt die Ariosto wusste, Florenz Alessandra Benucci, Ehefrau von Tito Strozzi: War die Liebe seines Lebens. Er heiratete erst sehr spät (vielleicht 1528) Die Frau wurde 1505 verwitwet; aber insgeheim, um nicht zu verlieren, den Nießbrauch der Vererbung lasciatale von ihrem Ehemann; keine Kinder (Giovambattista und seine bevorzugten Virginio die Früchte der bisherigen bescheidenen liebt von Ariosto waren). Wenn in 1517, Kardinal Ippolito ging für Ungarn, Ariosto, die bereits Meinungsverschiedenheiten mit ihm hatte, weigerte sich, ihm zu folgen, und verbrachte die nächsten Jahre in den Dienst des Herzogs Alfonso: Unterkunft mehr ruhig, was nicht gefährdet seine prekären Gesundheit und erlaubte ihm, zu warten, das von der Familie Zuneigung umgeben, die Überarbeitung der Orlando furioso (die erste Auflage war in 1516), die ripubblicò, korrigieren, in 1521. 1520 Ariosto war Papst Leo X, Gliel, gebeten hatte, die Komödie der Nekromant geschickt; Während der eine die Studierenden berechtigt, auch jener Jahre, blieb unvollendet (wurde von seinem Bruder Gabriele mit dem Titel Die Schule abgeschlossen). Mit dem 1522 begann für die Ariosto eine neue Periode verschoben: auf Antrag einer Zuweisung rentabel, Herzogs Alfonso schickte ihn Kommissar in der Garfagnana, kehrte vor kurzem, nach einer Revolte, unter der Herrschaft von Ferrara. Der Dichter blieb er bis 1525 und engagierte sich in der Organisation der Verwaltung der Region, in der Lösung der Streitigkeiten zwischen der alten Feudalherren, in der Unterdrückung von banditentum mit Energie und Menschlichkeit durch die Buchstaben dokumentiert. Nach 1525, schließlich nach Ferrara, Ariosto könnte mehr Ruhe in der literarischen Arbeit warten: Reparatur in den Versen des Cassaria und des Suppositi, Zusammensetzung der Lena (1528), die letzte und umfangreichste Rehash des Orlando furioso (1532). Er starb am 6. Juli 1533, in "Parva Domus" sechs Jahre vorher gekauft in Contrada Mirasole.
Die Künstler
Capiscuola der amerikanischen Pop Art gelten als R.Rauschenberg und J. Johns, auch wenn ihre Arbeit differenziert in vielerlei Hinsicht scheint von diesem Künstler aktiv in die mittlere Phase des Pop Erfahrungen wie C. Oldenburg, A. Warhol, Lichtenstein, R. J. Rosenquist, T. Wesselman, J. Speisen (zusätzlich zu W. Copley, H. C. Westermann, R. Lindner und L. Flüsse). Persönlichkeit und verschiedene Ausdrücke hatte die pop art Deutsch von S. Blake, R., R. Hamilton Smith, D. Hockney, R.B.Kitaj, A. Jones, J. Tilson, G. Laing, S. Caufield, S. Phillips, E. Paolozzi, etc. Die Verbreitung der Pop Art in Europa vertreten seit 1963 gegeben hat, zu unterschiedlichen Auslegungen in den verschiedenen kulturellen Tradition. In Italien pop Erfahrungen wurden durch G. Bertini, E. Baj, M. das Rad durchgeführt, zu denen folgte G. Guerreschi und G. Romagnoni (für bestimmte Forschungsinteressen gelten als pop Künstler Adami, Devalle, Pistoletto, etc.). Zwischen den Vertretern der Pop Art Französisch und Deutsch sind bzw. Niki de Saint Phalle, Christo, Martial Raysse, S. Klasen und W. Gaul. Esauritasi als künstlerische Aktuelle gibt, Pop Art hat wertvolle Orientierungshilfen für spätere Erfahrung expressive, von der Konzeptkunst, Arte povera, von der hyper-Realismus in die mec Kunst zu Pionieren, Protagonisten und Epigone der Pop Art der Königlichen Akademie der Künste in London im Jahr 1991 gewidmet hat einen großen Bericht, später auch in Köln und Madrid vorgestellt.
Op Art
Loc. Englisch (von der optischen Kunst, Kunst optische) in Italienisch als sf verwendet. Um eine Bewegung, die die zeitgenössische künstlerische am Ende der 50er Jahre des XX Jahrhunderts entstandenen - informel Klima definieren. Der Begriff eingegeben in der künstlerischen Vokabular als Ergebnis der Ausstellung "Die Responsive Eye", die zusammen in New York versammelt (1965) Europäischer Künstler in der visuellen Forschung, bezieht sich auf ein breites Spektrum von experimentellen Forschung über wahrnehmungsprozesse auf der Basis von Grundlagen der Gestalttherapie / Shape (Psychologie), aus denen die Definition von Argan "gestaltica Kunst". Die New York Review von 1965 bestimmt eine Prävalenz der amerikanischen Erfahrung auf jene Gemeinschaften, bis zu absorbieren, gerade in der Verwendung der generischen Begriff Op Art, den Wert und das Maß der wichtigen europäischen Beitrag im Rahmen der verschiedenen Trends der kinetischen Kunst, zu denen auch die Tätigkeit der aktuelle Op., welche den Prozess der geometrischen Abstraktion führen gehört, wird die Op Art bietet optische Anregungen der Bewegung (manchmal durch einen speziellen Mechanismus beeindruckt) durch Mathematik Organisation von geometrischen Formen und Kombinationen von reinen Farben so wie auf Empfindlichkeit perceptual Psychophysik zu handeln (und nicht auf die traditionelle psychologische Unterstützung und kulturellen) der Zuschauer, die somit beteiligt ist Eine aktive Teilnahme. Eine Form der Kunst auf rein visuelle, für die sie gültig sind auch die Namen der visuellen Kunst, Optische Kunst, etc., sowie die Konzepte der "Programmierung", "Design", denn gerade auf der Grundlage dieser Vorgänge ist die formale Umsetzung, Grafiken und Färbung der Oper. In der historischen Perspektive die verschiedenen Trends der visuellen Forschung von kulturellen Hintergrund und präzise: zum Beitrag der avantgardistischen Russischen Kunststoffe (konstruktivismus) und Kubismus (insbesondere, dass orfico, mit der pünktlichen Erfahrungen von Robert Delaunay, Sonia Delaunay), auf die Errungenschaften von Kupka und denen des Futurismus, von neoplasticismo Mondrian auf der Suche nach dem niederländischen Magazin De Stijl bis zu wesentliche Beiträge im Rahmen des Bauhauses von J.Albers abgegrenzte, Forschungen von Max Bill, Vasarely und Julio Le Parc und B. Munari.
Biographie
Der Dichter und Dramatiker spanisch Madrid (1600-1681). Der Sohn eines Beamten, hatte die Ausbildung in den Geisteswissenschaften am Jesuitenkolleg in Madrid durchgeführt und dann in der Universität von Alcalá und Salamanca: klassische Kultur und der scholastischen Theologie blieb immer die wesentliche Unterstützung ihrer Vision von der Welt. Wir haben Nachrichten von einigen Stunt von jungen Calderon De La Barca in, dass Madrid Filipino durchgeführt, deren Chronik überfüllt sind mit authentischen Komödien der Haube und Schwert (Schlägereien, Duelle, Ratten, Sanktionen Polizeibeamten und freundlich beantwortet, etc.); sie ignorieren jedoch voll die Liebe leben und lieben der Zukunft Dichter, die er nicht haben sollte frei von Abenteuer zu werden. Sicher ist nur, dass hatte, vielleicht durch eine Schauspielerin, eine natürliche Sohn zuerst in bestimmten Dokumenten genannt, "Neffe" und später (wenn Calderon De La Barca hatte bereits Priester) offen anerkennen. Ist wenig über seine militärischen Leben bekannt, wenn nicht, die sich an der Kampagne von 1640 in Katalonien nahm, ehrenhaft verhalten. Von einigen Anspielung ne El Sitio de Breda (der Belagerung von Breda) und andere Tragödien, es ist ein Vorhandensein von Calderon de la Barca auch in Flandern. Jedoch war frühreif ihre Berufung der poetischen und dramatischen: im Jahre 1622 nahm er an einem Wettbewerb teil, poetische in St. Isidor von Madrid und wurde von Lope de Vega gelobt; mindestens von 1629 er das Theater besucht und begann theatralische Werke zu komponieren. Im Jahre 1636 seine Intermezzo, Los tres mayores prodigios (den drei größten Wunder), in Wirklichkeit eher mittelmäßig, war sehr herzlich, das Gericht von Philip IV applaudiert - Die maximale Zentrum des theatralischen Aktivitäten des Landes - und vielleicht ist dies der Grund, warum er das Kreuz von Santiago, die eine Anerkennung der hidalguía stillschweigend ausgezeichnet wurde. 1651 Calderon De La Barca wurde Priester und war zuerst ernannten Kaplan der Reyes Nuevos von Toledo (1653) und dann ehrenamtliche Kaplan der Gerichtshof in Madrid. Hier verbrachte er die letzten zwanzig Jahre leben, respektiert und agiato, freiwillig abgeschieden von "weltlichen Gerücht", in einem wunderschönen Haus voller Bücher, Gemälde und Musikinstrumente, noch an das Theater viele Werke, vor allem religiöse Angelegenheit.
Die kritische
Von den fünf "Teile" des theatralischen Werke veröffentlicht, während Calderon De La Barca im Leben (1636, 1637, 1664, 1672 und 1677), keine wurde persönlich von ihm und der Letzte war in der Tat von der Thema missbilligt vorbereitet; Calderon De La Barca erst sehr spät (1677), eine Sammlung von zwölf Autos sacramentales, die nur einen Teil seiner Theater, dass die appassionava, zumindest im Alter war. Zum Glück, am Vorabend seines Todes (1680), auf Antrag der Herzog von veragua, zu Recht für den apokryphen Werke und schlecht, dass zugeschrieben wurden, Calderón de la Barca eine Liste ihrer säkularen Komödien zusammengestellt; auf der Grundlage dieser Juan de Vera Tassis veröffentlicht die posthume Edition (1682-91), weitgehend unvollständig - viele Werke calderoniane ging auf diese Weise verloren, obgleich es immer einige Entdeckung, wie jene, die in der Tschechoslowakei im Jahre 1958 der Großherzog von Gandía -, die als Basis für die hinteren Editionen serviert und sammelt Was bleibt von der Theater von Calderon De La Barca: Über 120 Komödien und Dramen, 80 Autos sacramentales, zwanzig Zwischenspielen und anderen aufgetreten ist möglich Kleinere Operetten. Calderon De La Barca hatte dann eine Existenz in komplexen glücklich und ein "Leben" noch posthum Glücklicher: hatte in der Tat zahlreiche Nachfolger, Nachahmer und Epigone, selbst in Amerika, und weiterhin vertreten zu sein, wenn auch mit einigen Unterbrechungen bis Romantik, als er eine Wiederbelebung des Europäischen Parlaments, mit bewunderern wie Goethe und Shelley, und dann Erweiterer als Verlaine, dass die zu Shakespeare vorangestellt. La Vida es Sueño und mehrere andere seine Dramen sind jetzt als unbestrittenen Meisterwerke der universellen Theater anerkannt. Und es ist fast ein gemeinsamer Ort es zu Dante zu vergleichen, um die Höhe des religiösen Poesie und Theologie (a Dante, offensichtlich ist, mittelalterlichen nicht aber die Gegenreformation und Barock).
Die Werke
Für die Bequemlichkeit entscheidend, es üblich, die Werke von Calderon De La Barca zu klassifizieren, verschiedene Gruppen: A) Tragödien und Komödien der religiösen Thema, aus der Bibel, aus dem legendären der Heiligen und der hagiographischen Tradition, darunter Meisterwerke wie El mágico außerordentlichen (der Magier der Wunder), die Devoción de la Cruz (die Verehrung des Kreuzes), El purgatorio de San Patricio (das Fegefeuer von Saint Patrick) und Los Dos amantes des Himmels (die beiden Liebenden des Himmels); b) historische Dramen, vor allem El Principe konstante entstehen (Prinz konstant) und El Alcalde de Fuencaliente (der Bürgermeister von Fuencaliente); C) Komödien der Weberei und Haube und Schwert, die betont die Summe Fähigkeit von Der Dramatiker, neue Effekte zu zeichnen, mit humorvollen Gnade von arcinote Situationen und gemeinsame Orte: La Dama duende (La Dama Ghost), El escondido y Die tapada (die versteckten und verschleierten), Haus mit Dos Puertas mala es de Guardar (ein Haus mit zwei Türen ist schwer zu erhalten), etc.; (d) Komödien ritterliche und mythologischen, manchmal Romanze als El Castillo de Lindabridis (Schloss von Lindabris), die Puente de Mantible (die Brücke der Unterkiefer), manchmal sehr empfindlichen theatralischen Fabeln als Echo y Narzisse, Purpura de la Rosa (das Violett der Rosa); E) Dramen von Ehre und Eifersucht, mit grobheit einer der Hauptgründe für soziale Moral Spanischen Goldenen Jahrhundert Umgang: El Médico De Su honra (der Arzt Ihrer Ehre), eine abgesondert agravio abgesondert venganza (ein geheimes Geheimnis Straftat Rache), El Pintor de su deshonra (der Maler seine Blöße), el monstruo Bürgermeister, Los celos (das größte Monster ist Eifersucht); F) Komödien "philosophischen" oder symbolische, mit Meisterwerken wie La Vida es sueño (1635; das Leben ist Traum), wahre und höchste dramatische Synthese von Ideen moralischen und religiösen barocker Spanien; G) Farcen, Einlagen und andere kleinere Operetten, glitzernden frischen Humor; h) die Gruppe der 80 Autos sacramentales, eucharistische Dramen in einem Akt, in dem die strikte theologische Argument beseelt ist mit Auswirkungen oft unvergessliche, durch einen Spurt der unerschöpflichen hohe Lyrik: El Gran Teatro del Mundo (das Grand Theater der Welt), kein Heu más Glück Que Dios (hat Keine mehr Glück Gottes), El Nuevo Hospicio de pobres (Das neue Hospiz für die Armen) und viele andere. Es wird gesagt, dass das Theater von Calderon De La Barca hat zwei wesentliche Nachteile: die Armut der Erfindung - also manchmal nicht zögern wieder Themen bereits von Lope de Vega und anderen - und schwache Charakterisierung von Zeichen abgedeckt (bereits Goethe bemerkte, dass die Zeichen von Calderon De La Barca oft an Soldaten von geschmolzenem scheinen in der gleichen Form führen). Krasse ist auch die Gesamtzahl der Konformismus in bezug auf die offiziellen Ideen der Philippinischen Spanien: die Firma des Theaters calderoniano ist zweifellos statisch, ein aristocraticismo sclerotizzato. Dies bedeutet jedoch nicht, viel zu den künstlerischen Wert und theatralische Meisterwerke von Calderón de la Barca, welche die Zeit aufgrund einer schmerzhaften christlichen Lebens und eine intensive Energie 'Theater und Poesie zu widerstehen. Die gleiche barocke Sprache, dass spiacque auf Jahrhunderte des Rationalismus (XVIII und XIX), fasziniert heute (nach den Erfahrungen der Avantgarde) für die schillernde Originalität: Insbesondere der Autos sacramentales
Corneille, Pierre
Französischer Dramatiker (Rouen 1606 - Paris 1684). Einer bürgerlichen Familie geboren (sein Vater war Inspektor der Gewässer und Wälder), studierte er am Jesuitenkolleg von Rouen. Exzellente student, Arten in Latein, sie zogen damals oft antike Literatur, für beide Aspekte declamatori, sowohl für die Themen. Seneca und Lucan waren ihre Lieblingsautoren. 1628 Corneille begann der Beruf des Rechtsanwalts real in seiner Geburtsstadt und vielleicht auch nie in der Lage sein, dem Theater zu widmen. Die Liebe zu einem Mädchen hatte inspirierte ihn zu schreiben, ein Sonett und nicht ausgeschlossen werden kann, die gleichen Mélite Komödie, in der die eingefügten. Die Oper, zuerst in Rouen dargestellt, dann in Paris im Jahre 1629, hatte eine dezente Erfolg und angeregt, sich dem Theater zu widmen. Im Jahr 1632 schrieb er Clitandre ou l'Innocence délivrée und Vor 1635 hatte bereits auf seiner aktiven vier anderen Komödien, in denen das Thema Romantik durch einen Stil voller Vitalität unterstützt wird. Seine erste Tragödie, Médée, ist von 1635. Es war in der Zwischenzeit nach Paris überführt und genossen den Schutz der Richelieuu. Es war in der Tat ein Teil der Unternehmen der "fünf Autoren" mit Boisrobert, Colletet, der Estoile und Rotrou, der die Aufgabe, in den Versen Themen aus der Phantasie des Kardinal geboren hatte. Aber Corneille, dass er nie die Tugend der Höfling, bald verloren die Sympathien der Protector und wahrscheinlich auch die Subventionen. Der Erfolg der Médée, in der der Einfluss von Seneca allzu offensichtlich wurde, aus dem Prolog zu triumphieren, die dann von seinem berühmtesten Oper geweiht war, der Cid. Nach einigen, die Tragödie sollte datarsi 1636, Jahr, in dem Corneille schrieb die Illusion comique; aber Dokumente, die ans Licht gekommen haben vor kurzem bestätigt, dass die Cid 1637 gestellt werden müssen, oder dass die erste Vertretung am Théâtre du Marais ist 1637. Die Tragödie der Liebe und der Pflicht, zeigt in einem Konflikt der Gefühle, die Tiefe der Charaktere der Protagonisten in einem dynamischen THEATRALISCHE, der Aristotelischen Regeln beobachtet, wenn nicht die Einheit von Ort, streng an die Zeit. Corneille, in Wirklichkeit schlecht akzeptiert das Konzept der drei Einheiten von Ort, Zeit, aber immer versucht, treu zu bleiben, besonders auf den letzten, weil sein Theater Kampf der Leidenschaften und das Drama der werden, die Synthese und die unmittelbare Ereignisse auf die Jagd nach der Einschätzung von wesentlicher Bedeutung ist, nicht auf die Wut und voller Seele in der Zeit verlängert. Die Cid für das Happy End, feiert die Liebe des Protagonisten und der Chimène, gilt als Tragikomödie, mehr als reine Tragödie, und sicherlich auch gesiegt für Elemente ausgeglichen bezeichnet. Der Erfolg der Oper hob beneidet und Beschwerden der Teil der zeitgenössischen Autoren (Scudéry und mairet) und, wenn nicht ein Neid nach Autor, Corneille zeichnete ein Groll von Protector von Kardinal Richelieu. Heute gibt es eine Tendenz, die Rachsucht der Minister zum Glück Dramatiker zu reduzieren. Die so genannte "Querelle du Cid" hat seine offizielle Dokumentation in Empfindungen de l'Académie sur le "Cid", verfasst von chapelain (1638): Es ist jedoch wahrscheinlich, dass Richelieu wollte, Beweise die Aufgaben der Schiedsrichter der Literatur, dass die Akademie von ihm gegründeten (und dann sehr kritisierten) hatte. Der Künstler, betrübt, wurde durch den Vorwurf des Plagiats verteidigt, aber Er blieb beeindruckt, so sehr, dass er nicht mehr imitieren Werke von anderen und seiner Tragödien, nachdem die Cid, nur um GeschichteTheater
Ein interessanter Aspekt des Barock ist vom Theater, vor allem in Frankreich gegeben und teilweise auch in Italien: mit Forschung Prunk, Sinnlichkeit, der entfesselte Leidenschaft, von schrecklichen Szenen, spektakuläre Effekte, Überraschungen. Es ist offensichtlich eine Entwicklung von Gründen von Theater der Renaissance (Einfluss von Seneca) in der Studie von Leidenschaften und auf der Suche nach heftigen Nebenwirkungen, makaber oder unmoralischen incesti (inklusive) auch in Werken der moraleggianti Trends. Politische stolz, ungezügelte Leidenschaft (auch auf Seiten der Frauen) zu Extremen oft in einer verschwenderischen Szenario sind die "Wunder", die so viel mehr "Wow" mit dem Spektakel der abgeschnittenen Köpfe auf der Szene, unerwartete Auszeichnungen, etc. Typische theatralische Werke Barock sind die ermenegildo von Emanuele Tesauro in Italien (und, für einige Element, das Adam Andreini), und in Frankreich Scédase von A.Hardy, Charite von Poullet, Machabée der Virey du Gravier und Saint Vincent von Boissin de Gallardon. Der visuelle Effekt s Die barocke Sprache der Zeichen auf der Szene begleitet, während in Werke mehr hoch, mit einem durchdringenden Sprache, wenn auch imaginifico, das zentrale Thema erscheint oft im Spiel der Kontraste zwischen Fiktion und Realität, zwischen Traum und Leben. Denken Sie an die Tragödie elisabettiana, Shakespeare, Molière, Racine, Calderón und seine berühmte Komödie La Vida es Sueño und alle spanischen Theater. Von der neuen poetische Welt künstlerische und wären dann abgeleiteten Regeln für eine neue Poetik werden; der Geschmack, jeder Art und Weise würde immer erwartet die Regeln. Auf diese Weise wird die barocke machte sich eine Anforderung der modernen Poesie, dass der autonome Schöpfung und spontan, nicht in seinen tiefen Sinn der Natur ausgeschlossen, dass viel von hedonistischen, die sich auch im Bauwesen und in der Kunst des Hauses offenbart und den Weg für alle Anforderungen der Moderne, in einem Kampf mit der Zeit. Es war das Bewusstsein, dass auch die Kunst und Literatur der menschlichen Arbeit und dann verbunden mit die Wechselfälle der Welt, mit der Pracht der Entdeckungen und mit der Erwartung des neuen Glories. In diesem Erfordernis der Barock ist durch moderne als einer historischen Periode, die neuen Entwicklungen gehört hat, auch in der Romantik (selbst wenn dieser als formal Fach jeder Erneuerung verurteilt für zu eng an das Diktat der Aufklärung und des Rationalismus des 18. Jahrhunderts). In der Tat viele Aspekte der Romantik und moderne Poesie kann nur mit den Räumlichkeiten des barocken erklärt werden.
Kunst: Allgemeine Informationen
In der gegenständlichen Kunst union, Schritt chronologisch zwischen Manierismus und, dass das Endergebnis der barocken selbst, war das Rokoko (17. Jh. und Anfang des XVIII). Ausgehend von der manierismus sie skizzieren können eine Genese des Barock (Generika unbedingt Angesichts der Komplexität des Phänomens, dass der Begriff impliziert), erneuerten Sensibilität für Natur, jenseits von Stilen und Formen vorgegebenen, bezeichnet die manieristische Krise der Verschleiß gezeigt hatte, durch Wiederholung der Module jetzt erschöpft. Die Krise Ästhetik und kognitive Manierismus, die religiösen und die Politik der Gegenreformation eine Kritik von innen fördern zu den klassischen Kanons und Formen des Ausdrucks, das Gefühl und das Aussehen bewerten: nicht untersucht die mehr das Verhältnis von Natur und der Formen, aber es wirft einen neuen Bericht emotionale und formalen zwischen Menschen und Dingen. Für diese bedeutende Erneuerung werden wir alle diese verschiedenen bedeutet, dass eine geschickte Technik bis zum illusionismus zur Verfügung stellt die barocke Künstler machen. Der Raum in der Architektur ist umfassend und organische: seiner geometrischen Grund nicht mit seinem Wesen zusammen, sondern ist ein Mittel, die Grenze zwischen Schein und Wirklichkeit zu überwinden. Die Aussicht ist illusiva und szenografische, immer in Beziehung zu den Zuschauer: In Gebäuden sind offen nach außen in einen kontinuierlichen Dialog mit den städtischen Raum oder mit der Landschaft; in der heiligen Blades, in der die Geste lädt eine emotionale Beteiligung; in der Skulptur immer in dynamischen Beziehung mit dem Raum, der Häuser. Zu einer intimen Wechselbeziehungen zwischen Kunstwerk und Betrachter und Raum entspricht eine umfassendere Haftung zwischen den verschiedenen Techniken: Malerei und Skulptur sind in der Architektur eingefügt ändern; Architektur und Dekoration sind zur gleichen Zeit geboren. Das Licht, das ist ein wesentliches Element im Raum Barock, ist nicht mehr der "lumen" klare und absolute der Renaissance, aber eine unendliche "relativ", die in den Gängen der Kirchen schlüsselt die Strukturen zu erheben, macht die Farben oder Li Rips mit plötzlichen Strahlen auf den Leinwänden, erhöht die Oberfläche des Marmor, Stuck, aus vergoldetem Holz. Die barocke Sprache, die in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts von Rubens, Bernini und Borromini Eroberung entwickelt, um die Mitarbeiter auf allen Ebenen: Handwerker, Modellbauer, Carver, argentieri tragen zu seiner Verbreitung mit wichtigen Beiträgen. Aus diesen wesentlichen Aspekte des neuen Stil sollte nicht seine tiefe Festhalten, dass die historische Wirklichkeit, mit der wächst und entwickelt: Die absoluten Monarchien (Spanien und Frankreich) und dem Papsttum postcontroriformistico beitragen mit Geboten und kategorische Imperative für die Bestimmung von einige der Formen, die den Bau der Kirche und des Hofes: Valga, zum Beispiel die Typologie der Kirche mit einem einzigen Schiff, nach dem Vorbild des einer von Jesus del Vignola, dass für die perfekte Funktionalität liturgischen, breitet sich in Europa und Amerika geschieden werden. Noch kann man die besonderen Aspekte übersehen, die Bearbeitungen auf nationaler und regionaler Ebene und noch weniger den dynamischen ANTITHESE zwischen Klassizismus rhetorische und insgesamt Überschreitung der Kanoniker (Architektur), zwischen Realismus und allegorischen decorativismo (Malerei), in den Sie die Europäischen Barock und das Zusammenleben innerhalb der nationalen kulturellen Situationen vorbildlich konfigurieren: in Italien das Verhältnis zwischen Bernini und Borromini, zwischen Caravaggio und Pietro da Cortona. So können wir innerhalb des Europäischen Barock einige große Ströme und Einflussbereiche, die nicht die Einheit der ein internationales Phänomen untergraben. Eine naturalistische Aktuelle und szenografische, aus Italien und Spanien erstreckt sich in Mitteleuropa und durch die engagierte Arbeit der religiösen Orden, erreicht die amerikanischen Kolonien; eine aktuelle akademische und klassischen in Frankreich, England, Holland und schließlich die große Strömung der Realismus Caravaggio, Phänomen anscheinend polemisch gegen des Barock in seiner dekorativen Sinn und szenografische, aber das ist von der gleichen Aufmerksamkeit auf Natur geboren, jenseits der klassischen Tradition, die wir einer der Punkte, die von der Einführung des neuen Stil gedacht hatte.
Die Prämie der Vita e opere
E drammaturgo Scrittore Tedesco (Augusta 1898 - Berlino ist 1956). Appassionato dei Residui spettacoli Popolari di Burattini e cantastorie della sua Città e assiduo frequentatore di Kabaretts, Taube wenn esibì più Tardi con Testi e musiche Eigentümer, wenn mischiò nel 1917 alla anarchica Di Monaco, abbandonando gli Studi di Medicina. Nel 1918 prestò servizio Militare kommen in einem Lazzaretto infermiere e nel 1919 divenne attivo membro di eine Sowjetische operaio in seno alla Repubblica Comunista bavarese. Nello stesso anno, Monaco, terminò Es suo Primo dramma, Baal, in Cui esplode Was "Mito", baalico vitalistico, divenuto dionisiaco, Poi, seppure Meno vistosamente, die Komponente di una Serie di Gemeinden brechtiani, IVI compreso Galilei. Ancora nel 1919 Brecht scrisse der Commedia ispirata alla rivoluzione monacense, e POI insignita del Premio Kleist (1922), Trommeln in der Nacht (Tamburi nella notte), in Cui ist già il Tema della unterliegendes agitava manipolazione dell'uomo hat Opera di ein soziales sistema-politisch-moralischen e in Cui usava Per la prima Volta scritte su striscioni didascaliche dissacranti, intese eine scuotere Il pubblico Dalla sua Tradizionale passività. Nel 1922 Brecht wenn recò Per la prima Volta hat Berlino. Nello stesso anno sposò Marianne J. Zoff e Dalla loro Unione nacque La Figlia Hinweis in Arte kommen Hanne Hiob. Nel 1924 Herr Reinhardt lo chiamò al Deutsches Theater di Berlino, e In questa Città Brecht wenn stabilì, stringendo amicizia Col Gruppo dadaista e con der Attrice Helene Weigel, da sposata ihn nel 1928 e Dalla quale Ebbe durch Figli. Lavorava intanto hat Mann ist Mann (A uomo è Ein uomo), ambientato im kolonialen Indien alla Kipling, Taube, wenn die gesamte compiva alienazione manipolazione e di Ein povero scaricatore smarritosi nella Società capitalistica. B. Wenn die impegnò nello Studio del marxismo PER TUTTO IL decennio 1926-36. Intanto, nel 1927, pubblicava Die sua prima raccolta di Versi, Hauspostille (Libro di devozioni domestiche), feroce paródia delle devozioni apprese Dalla Chiesa Madre Cattolica, e collaborava con E. Piscator alla messinscena di Abenteuer des braven Soldaten Schweyk (it Buon soldato Švejk), tratto Dal celebre romanzo del ZEKO Jaroslav Hasek. Mein fu ES 1928 hat Brecht consacrare uno dei maggiori Geni teatrali del Secolo: è Die Trionfo, allo Schiffbauerdamm di Berlino, della Dreigroschenoper (die Oper Da Tre soldi). Es Teatro di Brecht rivela epico, Sue ascendenze Anti-aristoteliche, i suoi legami Col mistero Medievale, Col Teatro elisabettiano, con gli Spagnoli Del Siglo de Oro, con cinesi e giapponesi, e quindi Die SUA rottura Col Teatro sia sia naturalistico impressionistico, fondati entrambi sull'Einfühlung, die Empathie emotiva e irrazionale fra Schenna e Platea, der facoltà von immedesimarsi dello Spettatore nello Stato von Animo dell'attore, e sull'identificarsi dell'attore Col personaggio, con Es duplice Effetto di creare o ein Mondo irreale o Eine illusione di realtà e Comunque, di consolidare La coscienza della condizione dell'immutabilità Umana, caposaldo, questo, del conservatorismo Borghese. Wenn deve assistere hat uno Spettacolo nicht immersi Nella "penombra narcotica "Della Sala, ma kommen, wenn assisterebbe hat eine Incontro Sportivo, e cioè con competenza e con Passione; die Attore non DEVE "interpretare "meiner" riferire" er personaggio, così kommen Chi ha assistito hat eine Stradale incident può che Sono sopraggiunti riferirne haben nicht alle Oscuro. Crescendo, Klimax, catastrofe e aristotelica catarsi Sono sostituiti da una Serie di sciolta Szene, narrativo inframmezzato di montaggio Songs e di mimate Party (große importanza attribuiva Brecht, sul Modello del Teatro Osteuropa, Al Gesto), che devono produrre "Effetto di straniamento" (Verfremdungseffekt), Ossia ein brusco cambiamento di e Tono, wave Evitare die Empathie. Scopo di Brecht è mostrare allo spettatore, Attraverso ein FATTO immaginario (O anche desunto da schöneck precedenti), una situazione Reale negativa (in Fondo sempre Die disumanità del capitalismo), che abbiamo Der obbligo di analizzare trasponendola in Termini, dialettici razionali, pro POI Mutarla: Il Piacere del Teatro è appunto Die voluttà del capire, l'esercizio della Ragione critica alla Ricerca di soluzioni. Il primo periodo creativo di Brecht wenn Conclure con Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (1929; Ascesa e caduta della Città di Mahagonny), Storia di una giungla von Asphalt capitalistica sui Cui peccati" non può più abbattersi es Giudizio universale, thront Mahagonny è già das Inferno. Die Musica è di K.Weill, Col quale Brecht aveva iniziato una collaborazione che continuò feconda fino al 1933 Quando anche Weill, pro die avvento del nazismo, dovette scegliere Die esilio. Nello stesso 1929, Dopo eine decennio ribellione anarchico Di più genericamente - antiborghese di espressionistica Matrix, Brecht inizia una Serie di drammi propriamente didattici, di Stretta osservanza marxista: v'è tuttavia Chi scorge in ihm ein Figlio dell'espressionismo anche nelle opere Reifen, V'è Chi nega Die Appartenenza di Brecht al Movimento, e constatando in Ihm den assenza von ogni propensione Metafisica, religiosa e irrazionalistica, lo pone sulla Linea dei Grandi "cinici", Büchner, Heine, Wedekind, Morgenstern.
Religion
Das religiöse System, die Bauten und die imperiale Struktur der Inca unterstützt Sie konfigurieren als Polytheismus vom Kult der Sonne ausgerichtet - Gott, Inti, eine beinahe göttliche Verkörperung des Reiches. Zu Inti ist täglichen Mahlzeiten und Opfer des Blade angeboten. Sonnenwenden und Tagundnachtgleichen wurden die Grundlage für ein festliches Kalender in der Regel solar. In allen Tempeln Inti irgendeine Form der Verehrung hatte, so sehr, dass die ersten spanischen Chronisten jeder Tempel als "Tempel der Sonne" für schlechthin und jeder Priester als "Priester des Sun" erschien. Die chronisten der Spanier auch genannt "Jungfrauen der Sonne "bestimmte Jungfrauen zu verschiedenen Funktionen öffentlichen sakralen eng mit dem Königtum verbunden: Namen, der nicht übersetzt noch der indianische Name (acllacuna, "Frauen", die "gewählten") noch die inca Empfängnis geweiht. Die Hauptstadt des Reiches stand der wichtigste Tempel der Sonne, die so genannte Coricancha, wo brannte ein solares Feuer mehrjährig. Die coricancha war eine Art von Pantheon, dass alle die Göttlichkeit offiziell anerkannten begrüßten, dass sich die traditionellen Inka Göttlichkeit, und diejenigen der verschiedenen Populationen Unterwerfung: Illapa ("Tuono-Lampo"), ist ein Gott der gesamten Andenregion; Pachacamac, eine Art Höchste Wesen der zentralen Küste, Eingetragen von Inca conquest in den Reihen der Götter von Inti geregelt; eine Reihe von "Müttern" göttlichen: Mutter Luna (Mama-Quilla) Braut von Inti, Mutter Meer (Mama Cocha) offenbar mit einer unbekannten Erfahrung zu Inca bis zu der Eroberung der Küstenregion verbunden, Mutter Erde (Pacha Mama) wichtige Göttin pan-Peruanischen, und Mutter Mais (Mama Sara), die in privaten Gottesdienst, auch identifizieren konnte mit einzelnen Maispflanzen außerordentlich gewachsen. Neben real, der coricancha bestätigt auch bestimmte Objekte Verehrter, sagte huaca, der in einem gewissen Sinne, hatte die Fähigkeit, in sich selbst die Heiligkeit der eroberten Gebiete, aus denen sie kamen, konzentrieren. Man könnte sagen, dass sie auf der Ebene der Religion vertreten, der Bestätigung der Stadt Cuzco, die Ihnen die Rolle der Hauptstadt des Reiches beherbergte. In der Regel bezeichnet der Begriff huaca es Sachen (Bilder, Steine, Bäume, etc.), Orte (Quellen, Höhen, etc.) und Gebäude (Kapellen, Gräber, etc.) als "heilig" oder die Sitze von Ausstellungen des "Heiligen". In Bezug auf den Kult der unzähligen Lokale huaca, die auf religiöser Ebene die Einheit des Reiches gefährden könnten, gab es zwei offizielle Einstellungen: Auf der einen Seite haben wir versucht, die huaca Wichtiger accogliendole, materiell oder symbolisch in der coricancha aufzunehmen, die unter die Gerichtsbarkeit des Gottes Inti; auf der anderen Seite versuchte er, die restlichen zerstören, wie es die 9 Kaiser, Pachacutec ("Reformer der Welt"), für diese "Feind der huaca" sagte. Zu den religiösen Gebäude des Reiches gegenüber, neben der Huaca, auch die Kulte der lokalen Vorfahren, für die Fähigkeit, eine menschliche Gruppe gebunden durch die Anbetung von einem gemeinsamen Vorfahren (ayllu) produzieren, und daher auch auf die gleichen innerhalb bestimmter Grenzen, die von der größeren Gemeinschaft bilden, die reich freigegeben. Das Empire behielt die ayllu, sondern beraubt sie ihrer Merkmale "ethnischen" und Religiöse. Das Empire ist in zwei Hälften unterteilt, die "obere" und "untere", wiederum in zwei Abschnitte unterteilt: Es dauerte also vier seyu, durch zwei ideale verlaufenden Linien, die bei Cuzco, die zum kulturellen Zentrum der Stadt, ein Welt Eroberung bestimmt oder in der vierseitige Darstellung des Empire zu transponieren, sagte, "Land der vier Regionen" (tahuantinsuyo). Die Inka Kaiser, bei Cuzco, der war ein Sohn der Sonne" (Intip churin), ein lebender Gott. In seiner eigenen Familie war der Hohepriester, der villac Umu. In diesem Einungsprozeß zu muss auch die religiöse Reform des achten Kaiser Hatum Tupac, der den Kult der Viracocha eingeführt und nahm den Namen angezeigt werden. Viracocha war eine kulturelle Held der andinen Bevölkerung, oder vielleicht ein "Schöpfer faul", in verschiedenen Mythen erinnert, aber nie das Objekt der Anbetung. Seine erste und einzige die Tempel waren tatsächlich errichtet von Hatum Tupac, die er gab, um Viracocha den Charakter von "Vater" Universal, durch den Austausch von einzelnen "Vorfahren" der verschiedenen ethnischen Gruppen. Mit dem Erwerb von Viracocha wurden komplexe theologische Ausarbeitung (einschließlich erinnert an die Einsetzung der Souveränität, von Viracocha zu Inti und Inti übertragen an den Kaiser und die Formeln für die einzelnen solar Opfer ein Opfer wurde zum Viracocha im Namen der Inti), die manchmal in der Gebete und Lieder von hohen geistigen und ästhetischen Wert ausgedrückt wird geboren.
Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).
